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Entrevista a José Luis Rebordinos, director del Festival Internacional de cine de San Sebastián

31/08/2022

Como ya es costumbre, CineAsia inicia en septiembre su ruta de festivales de otoño y las correspondientes entrevistas a sus respectivos directores con los que hablamos de la programación asiática que nos van a deparar los certámenes. Así pues, el primero en el calendario, en este mes de septiembre es el Festival de San Sebastián… Y como era de esperar, José Luis Rebordinos, su director, nos recibía con una sonrisa y con muchas ganas de hablar de cine asiático. Os dejamos con la entrevista:

CineAsia – Buenos días, José Luis. Fiel a tu cita anual con CineAsia de finales de agosto, lo que quiere decir que ya queda menos de un mes para el inicio de una nueva edición del Festival de San Sebastián. ¿Cómo se encara el 70 aniversario del Festival después de la experiencia de trabajar en él 12 años?

José Luis Rebordinos: La verdad es que hay veces que lo vivo con mucho cansancio, pero, sobre todo, con mucha ilusión. Recuerdo que Mikel Olaciregui —el anterior director del Festival— me dijo una frase que recordaré siempre: “Te voy a dar pocos consejos, José Luis, pero sí voy a decirte una cosa: el día que, cuando llegue el mes de octubre, no estés con ilusión es el momento de dejarlo”. Y es verdad que acabas el Festival muy cansado, pero llega el mes de octubre… y ya estoy como una ‘moto’, pensando en cosas que quieres hacer, cambios, nuevas propuestas del equipo. El Festival es un poco ‘droga’ para todos los que formamos parte de él: te engancha. Te quita mucho, pero te da mucho a cambio. Es un trabajo bonito.

CineAsia: Además, una edición con “ANIVERSARIO”: 70 años y sabemos que nos espera una visita a la Exposición que habéis hecho repasando la historia del Festival: ¿qué nos podremos encontrar los aficionados al cine asiático en ella?

José Luis Rebordinos: Es una de las citas ineludibles del Festival. El aficionado va a poder ver a todos los directores que se han dado cita en Donosti, con Koreeda a la cabeza. He de reconocer que no he tenido tiempo de verla entera. Mi idea es que, en septiembre, cuando por fin esté un poco más liberado, empiece a disfrutar de ella, antes del inicio del Festival. Te explico un poco. Hay una alfombra roja de 24 metros, y el visitante pasea por ella, y en el lugar donde deberían estar los invitados, hemos instalado una pantalla de 24 metros de largo. Empiezas por los años 50, y vas viendo las diferentes alfombras rojas del Festival a lo largo del tiempo. Puedes recorrer la alfombra de forma cronológica, pero después te puedes sentar en la década de los 50, para contemplar durante 20 minutos cómo desfilan los diferentes invitados que han asistido al Festival. Es una exposición interactiva que no descuida a los periodistas, al público (con 800 fotos enviadas por gente que ha asistido a Donosti y que nos las ha enviado). Es una exposición que resume muy bien el espíritu de este Festival. Mi consejo es que el público se guarde un poco de tiempo para disfrutar de la exposición en Tabakalera.

Y, además, por si fuera poco, hay una segunda exposición también en la sede de Tabakalera: ¡’Vive le cinéma’!: una videoinstalación con cuatro instalaciones a su vez: una del realizador chino Jia Zhangke, otra de Isaki Lakuesta, la tercera de Dea Kulumbegashvili y la última del director africano Mosese. La pieza del realizador chino tiene mucho que ver con el sistema de videovigilancia que hay en China en este momento.

CA: Diez títulos asiáticos (si no tenemos en cuenta los cortos y mediometrajes de Zabaltegi y Nest) en las diferentes secciones del Festival. Hablando de las industrias asiáticas. ¿Sigues pensando que China continúa ofreciendo obras de interés además de su potencia dentro del blockbuster? ¿Alguna otra cinematografía que haya destacado en la selección de este año?

JLR: Yo sigo pensando que la cinematografía china es la más potente en este momento, desde el punto de vista de las nuevas propuestas que tiene. Por desgracia, la censura y los temas de burocracia administrativa están provocando que muchas de las obras no puedan verse fuera del país. Si te fijas este año prácticamente no ha habido presencia china en los grandes festivales internacionales. Nosotros estamos a la espera de poder incorporar en la sección Oficial una película —de momento no podemos desvelar nada más—. Ojalá la burocracia llegue a tiempo y podamos anunciarla.

  • Finalmente la película china ha sido confirmada, se trata de A Woman, del realizador chino Wang Chao (Luxury Car, The Orphan of Anyang). La sinopsis de la película se sitúa desde finales de los 60 hasta principios de los 80 del siglo XX, donde la protagonista Kong Xiu, una trabajadora común y corriente, logra romper con gran valentía las cadenas de dos matrimonios desgraciados y, en el tiempo libre que le permitían sus pesadas jornadas laborales en un taller, maduró hasta hacerse escritora.

Luego estaría Japón. Es una cinematografía en la que hemos descubierto proyectos muy interesantes, sobre todo operas primas. De hecho, en la sección de Nuevos Directores hemos programado dos, y muy particulares cada una de ellas. Y, por otra parte, la película japonesa a competición, que es un título muy importante, y que también se trata de una primera película.

CA: Como decías, dentro de la Sección Oficial, destaca la opera prima de un productor y guionista muy conocido en la industria japonesa: Gengki Kawamura (Villain, Parasite 1 y 2, Your Name, Rage). Para su debut como director A Hundred Flowers ha elegido adaptar una novela escrita por él mismo. ¿Cómo es Gengki Kawamura como director? ¿Cómo aborda una temática como son los recuerdos y la pérdida de la memoria?

JLR: Genki Kawamura es una estrella en su país. Además de productor de los títulos que comentas, es escritor —es el autor de la novela en la que está basada la película que dirige, un bestseller en Japón. A Hundred Flowers nos sorprendió muchísimo a todo el equipo. Se trata de una gran producción, está detrás de ella GAGA, la productora de los films de Hiorokazu Koreeda. Un film que trata con una exquisita delicadeza un tema como el del Alzhéimer, y que contiene algunos elementos estéticos (tratamiento de las imágenes) de enorme belleza, que remiten a un estilo japonés de hacer cine. Sin duda, la veo como una producción que va a gustar mucho en San Sebastián. Por poner un ejemplo, ¿en cuántas películas japonesas hemos visto fuegos artificiales? Es increíble cómo utilizan un recurso cinematográfico que va más allá de lo estético, y que contiene una enorme simbología.

CA: El director coreano Hong Sangsoo regresa a la Sección Oficial de Donosti tras ganar el premio a mejor director en 2016 con Lo tuyo y tú. En Walk Up, será la visita a un edificio de lo que se sirva el director para hablarnos de la vida. Siempre es un seguro tener a Hong Sangsoo en la alineación de un festival, ¿verdad?

JLR: El coreano Hong Sangsoo ya ha competido en dos ocasiones en el Festival si no recuerdo mal. Es uno de los directores que cualquier cinéfilo espera encontrar dentro de la Sección Oficial de cualquier Festival. El otro día una crítica cinematográfica me comentaba el hecho de que “cada película de Hong Sangsoo forma parte de un todo, de una sola película”. Cuando ves la obra en conjunto de este director todas esas pequeñas historias que nos cuentan sus películas adquieren otra dimensión. En Walk Up, el director sigue con sus diálogos que nos hablan de la vida, pero se guarda un giro final muy interesante.

CA: Nos ha extrañado no encontrar ningún título chino en la sección Oficial a concurso. Imaginamos que no habrá sido por falta de propuestas. ¿Tendremos o no un film chino a concurso, finalmente?

JLR: De hecho, profundizando en lo que he comentado antes, el Festival había seleccionado dos películas chinas: una para Sección Oficial —que esperemos que al final pueda entrar—, y otra para la sección Nuevos Directores, que ya sabemos que no vamos a tener porque no llegará a tiempo de obtener la visa oficial. Y que ya adelanto, era una excelente opera prima. Hemos tenido que valorar y discutir mucho dentro del comité de selección, porque teníamos entre 5 y 6 títulos chinos que podrían haber entrado a concurso, y que, por desgracia, no van a poder verse en ningún Festival. Esperemos que la película china de Sección Oficial pueda entrar porque nos gusta muchísimo: vamos a esperar hasta el final, a principios de septiembre.

CA: Una de las secciones que más interés despierta entre el aficionado al cine asiático es la de Nuevos Directores. En primer lugar, tendremos presencia coreana: la realizadora Jeong Ji-hye inaugura la sección. Hace poco en Netflix vimos una serie ambientada en el País Vasco llamada “Intimidad”: una de las historias que cuenta la peli está directamente relacionada con “Jeong-sun”.

JLR: De nuevo podemos contar con la película ganadora del Festival Internacional de Cine de Jeonju, en el apartado de cine coreano. La selección de films que se presentan allí es de lo más interesante y solemos coincidir con el jurado. En este caso se trata de la opera prima de la realizadora Jeong Ji-hye. Son de esas películas independientes que van ganando con el tiempo, ya que dejan un poso interior muy importante. Sucedió el año pasado con Aloners, un film que pasó sin más por el Festival pero que a cada paso que ha dado fuera de San Sebastián ha ido creciendo y obteniendo estupendas críticas. Leí las buenas críticas tras su paso por el Korea Fest BCN que hicisteis, que se proyectó la película en su clausura. Creo que con Jeong-sum va a pasar igual. No es una película más, es potente lo que queda una vez vista. Se sabe que la sociedad coreana es compleja para la mujer, con un machismo larvado que cobra fuerza en el día a día. Y son las jóvenes directoras las que han tomado la palabra: un buen número de jóvenes directoras coreanas que están hablando de temáticas propias, problemas de violencia, de soledad…

CA: Siguiendo con Nuevos Directores, encontramos dos obras japonesas: una coral, ¿cómo se dirige una película como Miyamatsu to Yamashita (Roleless) a tres manos? Y también con uno de los actores más versátiles e inmensos de Japón: Teruyuki Kagawa.

JLR: De hecho, cuanto menos se sepa de la película mucho mejor. Ya creo que hemos dicho demasiado al escribir la sinopsis… Es una de esas películas que a la media hora te preguntas: ‘¿qué estoy viendo?’ Pero al mismo, el arranque es divertidísimo. Es una de esas películas ovni. Un film con un guion sorprendente del que se enamoró todo el equipo, y que todos quisimos tener en Nuevos Directores. Una película de la que no se debe hacer spoilers: el que la vea que no la cuente luego, porque pierde la magia.

CA: Por otra parte, se encuentra Nagisa, la opera prima de Takeshi Kogahara.

JLR: Nagisa es una película sobre el duelo y sobre la marcha de un ser querido. Es un film con connotaciones fantásticas, a pesar de que no es una película fantástica en sí misma. No es un film de género, para entendernos. Es la historia de un joven que recuerda a su hermana muerta. Un túnel le servirá como puente para avivar los recuerdos y en su interior vivirá visiones fantasmagóricas.

Lo mejor de todo, es que las dos películas japonesas de esta sección son completamente diferentes.

CA: Para finalizar Nuevos Directores, tenemos On Either Sides of the Pond, una producción india, dirigida por Parth Saurabh. ¡Por fin una película india en Donosti!

JLR: He de reconocer que el cine indio se nos resiste. Y no es que no veamos: vemos muchísimo, pero no nos acaba de convencer. Y este año hemos tenido la suerte de ver On Either Sides of the Pond que nos ha encantado. Es una película muy trabajada a nivel formal, más allá del argumento. Quizá sea una de las propuestas más interesantes que ofrecemos a nivel estético, siendo también una opera prima. Aborda la situación de la gente joven en Nueva Delhi que va a sorprender a muchos.

CA: Decir Perlas es sinónimo de hablar del realizador japonés Hirokazu Koreeda. Siete veces ha pasado por el Festival, y esta será su cuarta participación en Perlas. ¿Es posible que Broker sea tan buena como dicen las críticas? Además, con la dificultad añadida de rodar la película en Corea del Sur.

JLR: Creo que Hirokazu Koreeda ha salido vivo de la experiencia coreana. Hubo unanimidad en Cannes donde Broker se coronó como una de las mejores películas del Festival. A mí me gusta todo el cine del realizador japonés, pero soy consciente que hay unas obras por encima de otras. Sinceramente, creo que ésta es una de las grandes películas que ha realizado a lo largo de su carrera. Como ya sabéis Koreeda es un gran amigo del Festival. Nada más acabar Cannes nos hizo llegar un mensaje: ‘pongáis o no la película yo voy a San Sebastián’. Sin duda, va a ser una de las películas que va a pelear por el Premio del Público en Perlas. Y ya sabes Koreeda tiene un punto triste, pero lloras y al mismo tiempo te sientes reconfortado.

CA: ¿Se llega a apreciar en la película que Koreeda ha tenido que trabajar con un idioma que no es el suyo propio?

JLR: A diferencia de La verdad, la película realizada en Francia, donde a veces se notaba que Koreeda no estaba en su hábitat natural, esto no sucede en Broker. Pienso que el director ha salido muy bien parado de esta aventura coreana y que el público lo va a valorar así. Es más, creo que es una de sus grandes películas. Y, además…, Hirokazu Koreeda estará en San Sebastián para defenderla.

CA: En nuestra quiniela teníamos anotada otra Perla, Decision to Leave, la primera película del maestro Park Chan-wook que ha sido seleccionada por la Academia de su país para participar en los Oscars. Imaginamos que se debe a la estrategia que ha decidido su distribuidora.

JLR: No te voy a negar que nosotros queríamos la película. De hecho, es una de las mejores películas que vi en Cannes. Pero el distribuidor ya tiene varias películas en San Sebastián. Es perfectamente normal que el distribuidor tenga otras opciones para la película. En mi opinión, tiene que haber películas para todos los festivales. Me da pena no contar con Decision to Leave, pero hay que aceptarlo con deportividad. San Sebastián ni puede, ni debe tenerlo todo. De hecho, este año se podrían haber puesto una veintena de Perlas sin problema, porque Cannes, como siempre, ha sido una fiesta. Lo malo es que no tengo tiempo para ver todo lo que me gustaría.

CA: Siempre es una buena noticia que un Festival dedique parte de su presupuesto a la recuperación de clásicos y que se vean en una sala de cine. Cuando hablamos de Tampopo y de Juzo Itami estamos hablando de historia del cine japonés. ¿Qué puedes decirle a alguien que todavía no ha tenido la oportunidad de ver la película?

JLR: El que no la haya visto, no puede perdérsela; y el que ya la haya visto, tiene que volver a verla. Ese sería mi resumen. Yo recuerdo cómo vi esta película, en un Laser Disc. La compré por casualidad y flipé con ella. Después conocí la carrera del director y la triste historia de Juzo Itami, que finalmente murió asesinado. Tampopoes una delicia de película sobre la gastronomía y la yakuza. Para mí es una obra maestra, y encima es fácil de ver, es súper entretenida, entra muy bien. Y si te gusta la cocina japonesa no te digo nada… Estamos muy contentos de tenerla en la sección.

CA: Y de un clásico a otro “nuevo clásico” seguro. Drive My Car, de Ryûsuke Hamaguchi, recibirá el Gran Premio FIPRESCI 2022 a la mejor película del año pasado. ¿Estamos de acuerdo en que es una de las grandes películas que pudieron verse el pasado año?

JLR: Drive my Car es una de las grandes películas de la historia del cine. Cannes, festivales, Oscar. Es una película que nos va a quedar. Hamaguchi está encantado con San Sebastián porque fue uno de los primeros festivales que proyectó una de sus películas internacionalmente y que lo dio a conocer, como dice él mismo; se trata de Passion. Este año hemos intentado que fuera jurado —antes de saber que sería premio Fipresci—, pero está ocupado en Estados Unidos. El realizador nos enviará un vídeo para la gala de entrega del premio.

CA: Hasta hace media hora tenía una pregunta que hacerte sobre la sección Zabaltegi—Tabakalera. ¿Qué pasa este año… no tenemos ninguna propuesta asiática en esta sección tan arriesgada? Y antes de ponerme a hablar contigo, nos llega la nota de prensa… ¡Sorpresón el que nos habéis dado con el cortometraje de Lee Chang-dong!

JLR: Pues ya te digo que no podéis perderos Heartbeat. Es un corto largo, como si se tratara de una película. Para mí Lee Chang-dong es sin duda uno de los directores más importantes del cine mundial. Se prodiga poco, pero cuando lo hace, deja huella. Lo cierto es que nos quedamos alucinados cuando pudimos verlo. Y he de decirte que no ha sido nada fácil que esté en San Sebastián. Uno de los productores es su hermano y la relación con él ha sido fácil, pero es una coproducción con China, tenían que autorizar su pase. Nos hemos pasado varios meses para conseguirlo, pero ha merecido la pena. Yo me atrevería a decir que es una de las piezas más importantes de todo el Festival. Es un trabajo que se ha tomado muy en serio.¡Heartbeat es una película de Lee Chang-dong!

CA: Otro de esos directores que se convertirán en un clásico con el tiempo es Bi Gan. En este caso estará en la sección con su cortometraje A Short Story.

JLR: Y lo bueno es que no tiene nada que ver con el resto de su obra. Es un cuento de hadas repleto de fantasía, imágenes alucinantes. De hecho, cuando me puse a verlo me dije: ‘me he debido de confundir de cortometraje’. Pero te puedo asegurar que no es que hayamos querido tener a grandes nombres dentro de la sección: hemos rechazado hasta 4 obras de grandes directores. Este año se han producido un gran número de cortos; grandes directores se han decantado por este formato. Hemos elegido los que nos han gustado.

CA: Y finalizamos la presencia asiática en Zabaltegui con un cortometraje y un mediometraje japonés.

JLR: Nowhere to Go but Everywhere, nos cuenta la historia de un hombre que ha perdido a su mujer en Fukushima. El corto reflexiona sobre sus recuerdos y pensamientos. Y, por último, el mediometraje Itcha and Satchan de Takayuki Fukata fue una pequeña sorpresa. Es una película de dos hermanas, una ensoñación con un toque romántico. Una película rodada en blanco y negro. Fue una apuesta, ya que nos dio la impresión de que dentro de ese mediometraje hay alguien que va a hacer cosas importantes. Tenerlo en Zabaltegui nos pareció una apuesta ya que vimos mucho talento en la obra. Diría, para terminar, que todas las piezas asiáticas que se encuentran este año en Zabaltegui tienen algo en común: son muy especiales, diferentes y originales.

CA: Y si seguimos hablando de las secciones, también faltarían por anunciar las propuestas en “Culinary Zinema”… Normalmente con presencia japonesa… ¿habrá también este año?

JLR: Ya te puedo asegurar que hay. Este año os vamos a sorprender con tres propuestas: Nostalgia dirigida por Peng Chen, una película de ficción procedente de China, donde una mujer transmite a su hijo sus conocimientos culinarios. Por otra parte, contamos con la producción japonesa The Zen Diary de Yuki Nakai, que también es una película de ficción a pesar de estar filmada como un documental, y que aborda la cocina zen. Y la tercera película que tiene que ver con el cine asiático es una rareza absoluta. Mibu. La luna en un plato es un documental español, dirigido por Roger Zanuy que gira sobre el Mibu. El Mibu es una especie de club privado —sólo para socios japoneses, que pasa de padres a hijos—, que regentan en su propia casa una pareja de monjes budistas. Es una única mesa para ocho comensales y dan tres servicios al día. Es una experiencia increíble la de comer en ese lugar. Nosotros tuvimos la ocasión de ir gracias a una invitación personal. Y te puedo avanzar que estamos intentando traer a la pareja de monjes budistas al Festival.

CA: Vamos a ir terminando y la pregunta es obligada, aunque conocemos lo difícil que es confirmar asistencias de directores/as y actores/actrices. Pero te lo vamos a poner fácil. Vamos a imaginar que todos los invitados asiáticos, por una vez, confirman su asistencia. ¿De qué número estaríamos hablando? Tengo clarísimo que me voy a reencontrar con Koreeda… pero más allá.

JLR: Sí, como te he dicho antes Hirokazu Koreeda no faltará a su cita donostiarra. Por otra parte, está confirmado —salvo que se produzca algún problema— el director, productor y escritor Genki Kawamura en la Sección Oficial, que vendrá acompañado probablemente de los dos protagonistas: Masami Nagasawa y Masaki Suda. En estos momentos estamos liados con las visas, los billetes… En fin, ya sabes que todo hay que cogerlo con pinzas. Por otra parte, todos los realizadores de la sección Nuevos Directores están invitados, y en principio han confirmado su asistencia. Y para redondear la cosa, nos encantaría contar con el realizador chino Bi Gan, aunque todavía no está confirmado.

CA: Y, para cerrar. Es una pregunta que siempre hacemos al final o al principio de las entrevistas en relación al panorama de distribución y en este caso de exhibición de cine independiente en España. ¿Cómo lo ves tú?

JLR: El dato es este: tras la pandemia ha disminuido en un 50% la asistencia del público a las salas de cine, y eso es un drama para la exhibición. El problema es que la exhibición debe plantearse cambios ya que las plataformas han venido para quedarse. Se tendrá que estudiar el tiempo de las ‘ventanas de exhibición’, en el caso de que se acorten, las compensaciones que deberían tener las salas de cine. Pero si hay algo claro es que las películas se van a seguir viendo en los dispositivos electrónicos. Lo importante es qué se tiene que hacer para que esto no destruya el tejido de las salas de cine, a pesar de que cambios tienen que producirse. Al final habrá un tipo de películas que irán a las salas. Pero como bien dices, la exhibición es el punto que más sufre de toda la cadena. Aunque hay que esperar. Necesitamos un tiempo aún para que el panorama se resitúe.

FESTIVAL DE CINE DE SAN SEBASTIÁN – PROGRAMACIÓN ASIÁTICA

(70 edición)

SECCIÓN OFICIAL:

A Hundred Flowers (Japón, Genki Kawamura)

Walk Up (Corea del Sur, Hong Sangsoo)

A Woman (China, Wang Chao)

NUEVOS DIRECTORES:

Jeong-sun (Corea del Sur, Jeong Ji-hye)

Miyamatsu to Yamashita (Roleless) (Japón, Masahiko Sato, Yutaro Seki , Kentaro Hirase)

Nagisa (Japón, Takeshi Kogahara)

On Either Sides of the Pond (India, Parth Saurabh)

A Tale of Shemroom (Irán, Emad Aleebrahim Dehkordi)

PERLAS:

Broker (Japón/Corea del Sur, Hirokazu Koreeda)

KLASIOKAK: (clásicos restaurados)

Tampopo (Japón, Juzo Itami)

ZABALTEGI-TABAKALERA:

Heartbeat (Corea del Sur, Lee Chang-dong)

A Short Film (China, Bi Gan)

Nowhere to Go but Everywhere (Japón, Erik Shirai , Masako Tsumura)

Itcha and Satchan (Japón, Takayuki Fukata)

CULINARY CINEMA:

Nostalgia (China)

The Zen Diary (Japón)

Mibu (España, Japón)

NEST: (cortometrajes de escuelas de cine)

Pass in Situ (China, Zhang Fengyi)

Moonlight (Alemania/Japón, Manaka Nagai)

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