Line-Up asiático de Sitges 2018: Entrevista con sus directores Ángel Sala y Mike Hostench

Como cada año, en lo que se convierte ya en una cita obligada para el aficionado al cine asiático, CineAsia ha realizado la entrevista a Ángel Sala y Mike Hostench, director y subdirector respectivamente del Sitges-Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya. Se nos develan aquí todas las claves de las citas “asiáticas” del Festival… Yo de ti no me lo perdería…

 

CineAsia: Como de costumbre: 46 películas asiáticas en el Festival de Sitges, seguro nos olvidamos de alguna y llegaremos a las 50…

Mike Hostench: 46 de entre cerca de 190 y pico son relativamente pocas, según se mire…

Ángel Sala: normalmente son algunas más… y cuento países como Irán…

MH: Es cierto, de Irán tenemos dos. Pero yo recuerdo años, 2013 o 14 en que ha formado casi el 40 por ciento de la programación.

CA: Este año estará alrededor de un 30 %…

MH: Es bastante, pero sí, está un pelín por debajo de lo normal…

 

CA: No nos podemos quejar… Vamos a la Sección Oficial. A primera vista la filmografía de Lee Chang-dong no encajaría en un festival como Sitges. ¿Qué tiene “Burning” para entrar en la sección a competición?

AS: Primero que creo que es una gran película, la mejor película coreana y posiblemente asiática, del año, y sé que va a parecer un sacrilegio, pero es la mejor película de Lee Chang-dong. Sí que tiene un punto de fantástico, por lo menos de thriller asumible como fantástico: hay un psicópata, ambientación oscura…

MH: Es una película con psicópata, y es la primera película del director que realmente trata un tema que puede entrar en Sitges. Mi película favorita suya es Secret Sunshine, no es Burning pero me parece fantástica, la vimos en Cannes y sin hacer spoilers, tiene una explosión de violencia que es muy Sitges.

AS: Está muy bien en oficial, y creo que va a gustar.

CA: Shinya Tsukamoto sí es un habitual de Sitges y entra en los cánones. ¿Qué nos podéis contar de “Zan (Killing)”? 

AS: Una película muy Sitges: trata el tema del chambara desde una posición casi abstracta. Tsukamoto empezó haciendo teatro experimental, y esto es casi una representación de la violencia autárquica japonesa en clave onírica, sobretodo la parte final en un bosque con niebla, una cueva…

MH: Y hay terror…

AS: Sí, tiene una estructura de terror. Le pasaba lo mismo en Fires on the Plain, el remake de la película de Kon Ichikawa. Esta aún más, porque parte de un género próximo al fantástico, el chambara, como esas películas de Gosha que tienen algo de fantástico en su atmósfera, y aún la acerca más al género del terror. Y ese Japón feudal casi parece postapocalíptico, en algún momento, más que medieval. Es una interpretación, por eso podría ser igual un postapocalipsis que una película de época.

MH: Reforzando lo que dice Ángel en dos cosas: una la película es onírica, pero lo es a partir de la mitad, empieza con realismo, con planos cortos, una batalla entre el maestro y el alumno que no son más que dos amigos, pero es hiperrealista. Y luego sí que va subiendo el tono cada vez más fantástico hasta convertirse en una película de terror. Todo es claro y brillante al principio, y pasa a oscuro y terrible, al final. Y luego es interesante que se hable del Japón feudal, porque uno se da cuenta a través de cuatro planos: solo se ve un trozo de bosque, una pradera, una cueva… Sí que sabes que están en esa época porque hablan con unos bandidos, pero no enseña en ningún momento un plano general del Kyoto de la época…

AS: Que bien podría ser que han sufrido un desastre nuclear y han vuelto a los ancestros samuráis y a coger katanas. Es muy extraña. Muy buena película.

CA: De entre todo ese amplio grupo de live-actions producidos en los últimos meses ¿qué os ha hecho seleccionar “Inuyashiki”? ¿Percibís el agotamiento de la industria japonesa en ese sentido?

MH: Sí y no. En cuanto a la adaptación del manga sí que es verdad que hubo una época de crisis que además coincidió con blockbusters, películas de gran éxito, pero que artísticamente no tenían mucho interés. Buscábamos la que fuera cinematográficamente más interesante. Por ejemplo, el año de I am a Hero, no había muchos live-action interesantes excepto este. Lo que pasa es que ahora también están ahí, no solo los que son blockbusters, como Inuyashiki que es claramente una película comercial, también vemos los live-actions de mangas más pequeños entre comillas, por decirlo así, que hacen películas también pequeñas, como es el caso de Kasane. Es un fenómeno tan grande que sí es verdad que a veces parece que están hechos en una cadena de montaje, pero, hay excepciones, esta es una.

AS: Yo soy bastante reacio a las adaptaciones que se han hecho en los últimos años. Y de las que he podido ver este año, esta es muy superior. Por ejemplo, vimos la adaptación de Bleach y me parece muy floja.

MH: Y es del mismo director…

AS: Sí, la diferencia era muy clara. Es una película que funciona muy bien. Este año no hemos encontrado grandes películas japonesas y por eso montamos la “Japan Madness” con películas de Sección Oficial; creo que son las más buenas dentro de lo japonés e Inuyashiki sí que tiene un punto loco que entrará bien en el Auditori. Me gusta, y es para mí la mejor adaptación de este año.

CA: El iraní Mani Haghighi nos llegó con “A Dragon Arrives”. ¿Es “Pig” un film superior? 

AS: Soy un fan loco de A Dragon Arrives. Fui el culpable de ponerla, sé que bastante gente me odió por ello… pero ganó un premio en Noves Visions y me alegré mucho. Pig es una película más madura. Tiene algo de experimento interesante pero es una película más narrativa, aunque es muy loca. Es un señor que tiene una tendencia a un surrealismo de raíces culturales muy iraníes además… es un director que puede costar de ver a algunos espectadores, pero es una película que tiene una cierta empatía con el espectador. En Berlín funcionó muy bien con la gente, el público rio con la película y aquí creo que pasará lo mismo. Tiene un sentido del humor que sorprende mucho en una cultura que se dice no lo tiene, y que hoy en día está mediatizada por una parte cerrada y religiosa, del régimen que tienen. Creo que será una sorpresa, la gente no se espera esto de una película iraní, y aquí hay mucho humor. Si en A Dragon Arrives era un surrealismo más cerrado, más difícil, aquí es más cómico, más divertido y abierto. Por eso la hemos puesto en Sección Oficial.

CA: Mike, ¿qué nos cuentas de “Tumbbad”, una película India en Sección Oficial que da mucho miedo?

MH: Sí, es una película con parte de miedo pero lo que es muy bonito es el drama también. Nos hace gracia porque el director es un poco un Guillermo del Toro en pequeño, pero al que conocemos es a Sohum Shah, el actor y productor que es el que vendrá a presentar el film. Esta película nos llegó a través de Venecia, de un programador que es Paolo Bertolin, que me avisó que podría estar muy bien. Se ha de ser siempre cautos con el cine indio porque hay algunas que nos gustan pero que creemos que al público no le van a gustar. Pero siempre hemos intentado traer lo mejor como esa obra maestra que es Miss Lovely o los títulos de Anurag Kashyap. Esta es un drama de terror con toques de fantasía, y si tenemos que compararlo con algo sería con un Guillermo del Toro con mucho menos presupuesto y con ese sentido del terror fantástico.

CA: La hemos visto y está muy bien, es como un cuento y parece que tiene todo el empaque para estar en Sección Oficial. 

MH: Fue una película muy difícil de hacer, en cuanto a postproducción y montaje. Estaban totalmente inseguros sobre el resultado y tuvo que ser gente de fuera de India quien les dijera que la película era buenísima. Al ver la reacción de programadores de festivales internacionales es cuando se han sentido seguros, y no es una película especialmente larga.

 

CA: Seguimos con la Sección Oficial Fantàstic Discovery con la animación “Maquia”, film debut de la guionista de “El himno del Corazón”. 

AS: Casi te diría que del anime, es una de las que más me gustan este año, y eso que hay muy buenos títulos, pero como película empática con la audiencia creo que Maquia está por encima. Y además con un puntito de autor, es contemplativa. Está muy bien y tiene una animación preciosa. Es fantástica, muy de género y creo que va a ser una sorpresa, es mucho más de género que El himno del corazón, fantasía suave, pero fantasía. Y tiene una animación deliciosa, muy muy delicada, no diría Ghibli, porque es un topicazo y no se parece en nada, pero creo que va a ser una sorpresa.

CA: Y otra de las sorpresas y no solamente para los que la descubrirán en Sitges, sino en Japón, es el que ya puede considerarse el sleeper del año, “One Cut of the Dead”.  

MH: Sí, y yo diría que fue la primera o segunda película que cogimos. Lo que me da miedo es que el hype se coma a la película, que es muy divertida, pero no es una obra maestra. La vi de casualidad porque me la envió Adam Torel de Third Window, que es uno de los productores, y me dijo, sin creérselo demasiado, que la película podía encajar en Sitges. Le dije que me parecía que tenía mucha gracia, y la cogimos, y la tiene, es un ejercicio metalingüístico muy divertido

AS: Llevamos muchos años en esto, y creo que a la gente le va a encantar…

CA: Lo bueno que tiene es que acaba arriba, va de menos a más…

AS: Creo que los dos pases individuales van a funcionar muy bien, pero en el pase del maratón zombi en el Auditori, que además hemos buscado que fueran películas de Sección Oficial para que tuviera más fuerza, y creo que esta que además es la primera del maratón, lo va a ‘petar’. Van a reír, aplaudir, gritar…

MH: El amor al cine de la peli es algo que la gente lo nota. Es un poco como La noche americana de Truffaut en una peli de zombis, es el cine dentro del cine, el homenaje de un cinéfilo.

AS: Es una película muy pequeña, pero eso le va a ir a favor.

 

CA: Fuera de competición nos encontramos con uno de los títulos más esperados por los aficionados, el doble bombazo en Corea “Along with the Gods: The Two Worlds y The Last 49 Days”.

MH: La vi también bastante pronto en Los Ángeles, además en un cine muy bueno. La verdad, me esperaba que fueran un ladrillo y han resultado ser estupendas. Me llevé una gran sorpresa, la primera me pareció divertidísima. Creo que las tenemos que tener después del éxito que han tenido allí, a la gente les van a encantar, el actor Ha Jung-woo está increíble, y toda la mezcla de humor, fantasía, terror… está muy bien. Además, no es el típico cine coreano que se ve últimamente, volvemos a Woochi y a ese tipo de cine de fantasía que había a principios y mitad de la década pasada.

CA: No podía faltar Takashi Miike… ¿este año solo con una película, “Laplace´s Witch”? 

AS: Una película muy poco Miike de alguna manera. Está bien, es interesante, más parece un encargo como Los protectores, pero tiene los componentes necesarios para seguir su filmografía. La verdad es que no sé por dónde va a tirar Miike en los próximos años, sale una nueva generación, pero Sion Sono se va a rodar a Estados Unidos con Nicholas Cage… y puede pasar de todo. Lo bueno es seguirlo y que esté ahí.

CA: Otro maestro que regresa es Tsui Hark con más aventuras del Detective Dee: The Four Heavenly Kings. ¿Sigue la franquicia igual de fresca?

AS: Es mejor que la anterior. Esta me parece muy brillante, muy bonita y vuelve a ser un poco lo que era la primera. Sigue abusando del efecto digital, no lo puede evitar, pero despliega más el espíritu de Tsui Hark que la segunda, que parecía más hecha deprisa. Esta me parece una película muy lujosa, muy divertida y mucho más entretenida que la anterior. Y recupera las ideas del Tsui Hark de los inicios, ese gusto por la diversión, por las batallas imposibles. De sus últimos títulos, esta diría que es de las mejores.

CA: Seguimos ahora con Corea. Después de “The Host” y “Okja”, el monstruo coreano de este año llega en “Monstrum”. ¿Qué tal le sienta la ambientación histórica al fantástico coreano?

MH: Se han gastado en ella bastante dinero. La parte dramática está muy bien, toda la parte de la épica histórica, y tiene un par de batallas…

AS: Es un poco como El pacto de los lobos a la coreana. La idea es esa… (risas)

MH: No llega al nivel de El pacto de los lobos, pero es muy entretenida.

AS: Y al que le guste el cine coreano de época, y el tipo de películas históricas… va a disfrutar.

CA: Y el monstruo está muy bien hecho. Con “Legend of the Demon Cat” se unen dos países enfrentados históricamente como China y Japón en una producción de alto nivel. ¿Cómo se mueve Chen Kaige en el género? 

MH: Está muy bien. Nada que ver con Adiós a mi concubina, pero es una peli que incide también mucho en el diseño de producción de época, que le sienta muy bien, y la historia del ‘Demon Cat’ me parece interesante. Yo no sé si realmente Chen Kaige es el director más adecuado para este tipo de peli, que puede hacer lo que quiera porque es un buen director, pero quizás es una película que me habría gustado todavía más si la hubiera hecho un Tsui Hark. De todos modos el resultado es bueno, aunque no sé si es la peli que él quería hacer, o si es una película de encargo, pero el resultado es bueno. Quizás no es una película para todo el mundo, y sea más para los que ya estén un poco acostumbrados al lenguaje del cine asiático.

 

CA: Recogemos un poco lo que nos contabas antes sobre las adaptaciones manga, aquí encontramos “Kasane – Beauty anf Fate” , una bastante más oscura.

MH: El manga me entusiasma, es una historia muy original y a la vez muy japonesa, donde se mezcla una especie de romanticismo super gótico con terror. Cuando vi que habían hecho la película nos pilló como suele pasar cuando ya teníamos la programación muy completada.

AS: “¡Otra nooo!” (risas)… Pero me la pasó y me gustó muchísimo.

MH: Tadanobu Asano está muy bien, pero las estrellas son las dos actrices, una hace de actriz con cara deformada y la otra interpreta a una actriz muy bella. Se pueden encontrar muchos referentes de la literatura, sobre la dualidad, la obsesión sobre la belleza, pero va mucho más allá. También habla del amor, y de la naturaleza del amor, y todo esto en una historia de terror, con lo cual me fascinó.

AS: Llegó tarde. Entró en Panorama porque nos gusta mucho, pero podría haber estado en otra sección como Noves Visions o incluso Midnight X-Treme.

CA: Más en Panorama: está el noir de Hong Kong “The Liquidator”. ¿Qué nos contáis?

MH: Me daba un poco miedo antes de verla, porque a veces los thillers de China y Hong Kong con ciencia ficción renquean un poco, pero esta nos sorprendió no solo lo bien que está dirigida, por un director joven además, sino que la combinación tiene más terror de lo que esperábamos. Tiene más rollo de psico-thriller, pero tiene mucho de acción… La sorpresa es que ha salido de una cosecha de Hong Kong que ha sido menos buena de lo habitual, destaca.

AS: No es de ese tipo de películas que empieza y no te aporta nada. Está bien y es diferente.

CA: El malayo Dain Said regresa a Sitges con una película polémica, que ha estado prohibida…

MH: ¡Y que tiene diez años! Este director, que ha venido a Sitges varias veces, es un director interesantísimo. Dukun contiene todos los elementos que hemos visto en él, la rodó hace una década, y no se pudo estrenar en Malasia…

CA: Es un film sobre el asesinato de un político, hay una prostituta y magia negra de por medio…

MH: Exacto, hay un exorcista también… es un país musulmán super-abierto, pero sí que es verdad que algunos elementos para ciertos censores… No deja de ser una película de posesiones con una investigación policial. Me entusiasmó, como la mayoría suyas, sin ser una maravilla, pero tiene un punto macabro perfecto, y un toque de autor.

CA: Vamos a Panorama Documenta, donde este año hay dos documentales con protagonismo asiático “Category III: The Untold Story of Hong Kong Explotation Cinema” de Callum Wadell y el que más nos interesa “The Peony´s Whisper”.

MH: Category III… es un documental pequeñito, muy poco ambicioso, en el sentido de que nadie había hecho un documental sobre la Categoría III, y eso que además sale Anthony Wong. Hablan no solo de la época que conocemos de los 90, sino de antes y eso es interesante… Y Peony´s Whisper es una película muy interesante que de hecho se ha estrenado en dos salas en París. Sí es verdad que es un poco antigua, es de finales de 2016, pero habla de un tema que no está muy visto para el público no asiático, que es el cine S/M o sadomasoquista. Es muy complicado, y artísticamente muy ambicioso.

AS: Habrá látigos y máscaras de cuero, porque la sesión empieza con Dyanne Thorne en Ilsa…, y luego el sado. Una noche que, si puedo, me escapo a ver la sesión (risas).

 

CA: Estará en Sitges una de las películas más taquilleras de la historia de China. Con “Operation Mekong” el público de Sitges aplaudió la muerte de un niño (terrorista) y lloró la de un perro (del equipo de artificieros). ¿Se supera a sí mismo Dante Lam con esta “Operation Red Sea”?

MH: La pudimos ver los dos juntos en un cine de Hong Kong y las carcajadas que nos provocó…

AS: Una exaltación nacionalista ultra de China como la gran guardiana del mundo y la reserva defensiva contra el islamismo radical. Es una película que temáticamente, independientemente de lo que puedas pensar, e ideológicamente, es complicada. Lo que le va a gustar a la gente es cómo está rodada. Hasta cuando mueren los buenos, entre comillas, los héroes, es gore puro. Explota un autobús con gente inocente y hay ojos, tripas, gente quemada con la mandíbula salida…

MH: Es la guerra… está rodada como si fuera de Hollywood, y no me refiero a Salvar al soldado Ryan

AS: No, que tiene un look de película de Michael Bay, de presupuesto. Tiene un pase en el Auditori que hay que verla allí.

MH: El sonido es increíble, la violencia es increíble… uno tiene que desconectar el cerebro porque es tan políticamente incorrecta y racista a ratos, islamófoba, que es totalmente inaceptable en eso, pero a la vez, seamos sinceros, el placer culpable de esta violencia tan bien rodada técnicamente… Nos parece divertida porque sabemos lo que es y es criticable desde ese punto de vista.

CA: Seguimos con acción con una ración de Heroic Bloodshed, la revisitación de esa gran película de John Woo que es “A Better Tomorrow”. ¿Qué nos podéis decir?

MH: Otra sorpresa, teniendo en cuenta que A Better Tomorrow es el Ciudadano Kane del cine de Hong Kong, y si quieres hacer un remake de ella, pues ya empiezas mal, en el sentido de que siempre va a ser comparada. Y de ahí la sorpresa, la vimos en Berlín y es divertida, de hecho nos gusta más que la última de John Woo, y los actores están bien. Es una traslación del universo de ese Hong Kong de A Better Tomorrow a Tsingtao, la costa china, bastante graciosa y bien hecha. La violencia está bien, la acción está bien, los actores están bien… Uno tiene que olvidarse, aquí no van a salir ni Chow Yun-Fat ni Leslei Chung. Si desconectas de eso, es una peli de Hong Kong muy divertida.

CA: Otra adaptación de un thriller de Hong Kong, “Drug War”, llegará de Corea. Hablamos de “Believer”. Y con “The Spy Gone North” que pasó por Cannes y la brutal “The Outlaws” tendremos tres visiones distintas del thriller coreano: policíaco, espionaje y acción. Decidnos una frase de cada una.

AS: Believer, mejor de lo esperado. Me gusta mucho la de Johnnie To, uno de sus mejores últimos títulos, con aquella escena de tiroteo final al nivel de Michael Mann. Esta no es mi película favorita del año, pero está mejor de lo esperado.

MH: Muy bien dirigida, la fotografía también. Tuve algunos problemas con cosas del guion que podrían haber funcionado, y con la primera escena, que no te pone en la atmósfera que luego sigue la película. La película de Johnnie To es casi una obra maestra del cine de Hong Kong, o del cine chino podríamos decir. Believer no lo es. Pero a partir de los primeros quince minutos sí que coge buen ritmo. Tendremos al director como uno de los invitados.

AS: Sobre Spy Gone North yo tenía mucho miedo porque la programaron fatal en Cannes, de madrugada, cuando es una película que tiene de todo menos elementos para esas horas. Me parece una muy buena película. Muy típica sobre el conflicto coreano, pero con una cierta innovación, más moderna, más ágil, la duración no pesa. La narrativa es buena, que muchas veces en este tipo de películas es confusa… aquí se sigue bien, muy sólida. Un thriller de espionaje muy chulo.

CA: “The Outlaws”, a mamporro limpio…

AS: Es una película muy divertida.

MH: Y aquí el actor no es que esté mazas, sino ‘macro-mazas’… luego hizo su versión de Over the Top, Champion, pero aquí ya estaba en forma. Esta sí que creo que fue la primera película que cogimos para esta edición, a finales del año pasado cuando la vi en Macao. Además, otra sorpresa, porque esta combina perfectamente la acción con el humor, con el drama interesante… es buenísima.

CA: Pudimos ver “The Blood of Wolves” en el FEFF de Udine y nos encantó. ¿Es uno de los títulos imprescindibles en esta Órbita 2018?

AS: Estoy muy contento con la sección Órbita de este año. Me parece una sección que ha quedado impecable. Variada, aquí no toca hablar, pero hay películas muy buenas europeas, películas sorprendentes americanas, las españolas están muy bien… Sobre esta, es recuperar ese cine de yakuzas con ese espíritu un poco New Wave de los años 60 y 70, y esos trabajos de Miike del principio. Muy diferente también a lo que se suele hacer en el cine de yakuzas actual.

CA: Otro que vuelve aunque no es un gran habitual, es Erik Matti con “BuyBust”.

AS: Me gusta mucho. Además, estuvimos debatiendo sobre si la cogíamos o no, y al final la tenemos porque tiene cosas realmente chulas.

MH: Es ‘ultraviolencia en el barrio’, que además creo que se llama Gracia, en Manila. Tiene una introducción a los personajes que son policías de fuerzas especiales, y a partir de ahí la película es un constante tiroteo… yo diría que más de una hora de violencia extrema.

AS: Muy buena y de lo mejor de Matti.

CA: Todo un cambio en su trabajo, aunque ya hizo “On the Job”…

MH: Creo que On the Job me parece superior porque el drama era diferente… esta es un poco más Sitges.

AS: Yo creo que va a gustar mucho.

CA: Más sudeste asiático con el indonesio Timo Tjanantho: este año lo  tenemos por duplicado, una en Midnight X-Treme, “May the Devil Take You”, y la otra en Órbita, “The Night Comes for Us”…

MH: Este último me parece que va a ser el título sorpresa del Festival.

AS: Totalmente. Es el título sorpresa. Además, tiene una historia divertida: estábamos ya bastante cargados de películas y Mike me estaba insistiendo en esta y yo que no quería volver a llamar a Netflix… Vi el link que nos enviaron, y llamé a Netflix corriendo. Me parece el The Raid de este año. Y tenemos Apostle, la nueva de su director Gareth Evans, y una gran película… Pero la sensación de recuerdo de The Raid es esta The Night Comes for Us. Es un thriller clarísimo, hay triadas… y además las coreografías, que me sorprendieron que un una película moderna, que además no es china, y que respetara tan bien esas coreografías clásicas de las artes marciales, con muchos estilos diferentes, pero muy Shaw Brothers en algunos momentos, con 200 litros más de sangre, y una violencia muy bien hecha, nada de efectos digitales. Es brutal y no para… La sensación que tengo al recordarla es rojo. Todo rojo (risas). Además, la pondremos un sábado en el Auditori, que se va a llenar, y es la película que más va a gustar a cierto tipo de público.

 

CN: Vamos con Anima´t, ¿Qué nos queréis resaltar de la programación?

AS: Mirai de Hosoda, cómo no; pero hay una película que a mí me parece interesantísima que es Penguin Highway: es una animación que tiene todo lo de Ghibli, pero con ese surrealismo loco de Yuasa, es una mezcla perfecta. Una película en la que las botellas de coca-cola se convierten en pingüinos, no hay que decir nada más sobre ella. También me parece muy Sitges, a la gente le va a gustar, pero al público de Anima´t le va a gustar aún más. Muy buena, tardaron mucho en contestarnos y fue muy difícil convencer a esta gente, ganó premio en Fantasia… y nos la han dado in extremis. Me hubiera enfadado no tener esta película. Y me gusta mucho también Liz and the Blue Bird, de la directora a de A Silent Voice, que no ha tenido mucha suerte en su carrera comercial en Japón y es una estupenda película… Y I Want to Eat your Pancreas. No va a ser un Your Name, pero puede tener el impacto emocional que la de Shinkai. Es muy potente, visualmente preciosa, la animación es realmente buenísima, y creo que a la gente que espera un anime que no sea de ciencia ficción, no sea surrealista, le va a llenar más. Y además es premier europea. The Last Fiction, la iraní, es una locura pulp, de fantasía heroica, de debatir sobre el propio lenguaje de la animación, incluso del cómic. A Jordi Sánchez le fascinó en Annecy, y al verla coincidí.

CN: Y en Anima´t Sessions Especials tenemos al Detective Conan, a los Titanes y a Totoro, todo un reencuentro.

AS: Sí, son eventos. Lo de Totoro tiene todo el sentido con su 30 aniversario.

 

CN: Vamos con Noves Visions. Los cineasiáticos siempre nos preguntan por Kim Ki-duk, ¿qué podemos esperar de “Human, Space, Time and Human”? ¿Volvemos al principio, seguimos con el final… dónde estamos en la carrera de este director?

MH: No sé por dónde empezar… analizar esta película es imposible sin pensar “¿qué **** estaba pensando su autor al escribirla?” Porque sinceramente es una cosa misógina, extraña, con violaciones gratuitas… Pero por otro lado nadie puede pensar que es una apología de la misoginia y de la violación. Por lo tanto, mi teoría es que este hombre, que ha sido acusado de abusos sexuales en rodajes, ha intentado hacer una película feminista que no le ha salido, porque tiene una carga misógina importante, pero él lo intenta, y sin spoilers, el plano final intenta ser eso. Pero es tan burda la metáfora que utiliza, tan soeces las comparaciones, que es una película que hay que ver si eres fan de Kim Ki-duk para entender adónde ha llegado artísticamente. Y ojo, se presentó en Berlín y él fue a presentarla, en plena polémica. Creo que cualquier persona que le guste el cine de Kim Ki-duk la tiene que ver, aunque su cine, el que nos entusiasma, no está aquí.

AS: Aquello que nos entusiasmaba de él ha desaparecido.

MH: Pero sí que creo que por el debate y la controversia hay que verla. Es un debate del que yo quiero oír las opiniones.

CA: Seguimos en Noves Visions con un nuevo drama independiente coreano sobre la adolescencia que ganó en Busan, “After my Death”.

MH: Esta es muy buena. After my Death es una película que inmediatamente entendí que tenía que estar en Sitges por el drama extremo coreano, por llamarle de alguna manera. Igual que todo el mundo reconoce el drama de venganza que sublima y se convierte en terror, aquí no hay venganzas o solo hay pequeñas venganzas, no está orientado como el de Park Chan-wook para entendernos. Pero esta cinta creo, y es mi opinión, cierra la trilogía que formaría con Un monstruo en mi puerta y Princesa. Y sin estar al mismo nivel, pero es el drama extremo llevado a las últimas consecuencias en Corea. Quizás no tiene la dirección sublime que tienen las otras dos cinematográficamente, pero me parece extraordinaria. Y tiene uno de los clímax, como drama, más potentes que he visto últimamente.

CA: “Ten Years” fue un ómnibus polémico en Hong Kong, y ahora se traslada a Tailandia con “Ten Years Thailand”, con lo mejorcito de sus directores.

AS: Me gusta mucho, casi todos los episodios de la película me encantan y tienen un sabor fantástico, muy de Sitges. Una película muy pequeñita, muy contemplativa, muy Apichatpong, y no solo su segmento sino todo el metraje tiene ese espíritu. Me lo pasé muy bien con ella, y creo que a la gente le va a gustar. Tiene además un punto experimental.

CA: Ángel, con ese deseo tuyo de tener cuanto más mejor, se te ocurre nada menos que proyectar “Season of the Devil” de Lav Diaz, que esta es corta, cuatro horitas…

AS: Y tengo que decir que la he visto, (risas), y me entusiasma. Me parece una locura… yo creo que se demuestra que Lav Diaz nos está tomando el pelo, pero me parece genial que nos tome el pelo de esa manera. Un musical con tipos con dobles caras, que habla sobre la dictadura de Marco, en clave de película casi de terror absurdo o de comedia surrealista, en blanco y negro sepulcral… Me parece fascinante, y no me aburrí para nada. Creo que la gente desertará de la sala de manera alucinante (risas). En un momento pensé en colocarla en Sección Oficial. Ahí sí que creo que hubiera sido nuestro último año porque nos matan.  (risas)

CA: Y otro nombre del cine independiente de Filipinas es Khavn de la Cruz, que vuelve con “Bamboo Dogs”.

MH: Este es un director que siempre me parece fascinante tanto cuando hace videoarte como cuando hace películas. Esta es ese universo de Kinatay de Brillante Mendoza hecho todavía más underground y con muchos menos medios, muy interesante y muy intensa.

AS: La verdad es que viendo estas películas no apetece nada ir a Manila (risas).

MH: No, y eso que esta es quizás la película más convencional de Khavn de la Cruz: un film que pasa en una furgoneta con gente absolutamente deleznable, policías corruptos… Pero es una película muy adecuada para Noves Visions, para mostrar la realidad de Filipinas. Es una película hecha en dos o tres tardes, y nos gusta también tener estos ‘artefactos’ experimentales si además como esta son buenos.

CA: “Fonotune: an Electric Fairytale” parece una pura propuesta Noves visions. Ciencia ficción con rockeros japoneses como Guitar Wolf o Electric Eel Shock en el reparto.

MH: Es una película totalmente musical, solo tiene un momento de un diálogo… es corta no llega a 70 minutos. Me encantó cuando la vi, y eso que yo no soy nada fan de la música techno ni de la electrónica. Es una especie de metáfora sobre la incomunicación y la música como una manera de comunicarse en un universo postapocalíptico, pero es muy positiva, sobre un grupo de personas que van oyendo una emisora que emite música electrónica. Y entremedio tiene un intervalo de rock n´roll extraordinario, porque aparece el guitarrista de Guitar Wolf, una de las bandas más veteranas del rock japonés y uno de mis grupos favoritos de juventud, en un interludio maravilloso. La peli es un buen experimento, es perfecta para la sección.

CA: Vuelve también a Sitges el experimento del teatro samurai que tan bien funcionó en la edición anterior con “Stray Nightingale”. Esta vez es “Fortress of Skulls”.

AS: Fue una sorpresa para nosotros, pero los 300 y pico de espectadores salieron encantados el año pasado, así que por qué no repetir. Creo que esta es más ambiciosa y es un tipo de cine que es difícil de ver, que se debería de ver más, no sé por qué esto no se puede ver en un cine de Barcelona.

CA: Igual que ahora están llegando óperas a los cines…

AS: Exacto, es un espectáculo que se podría ver en un gran cine. Y es una oportunidad el poder verlo, son grabaciones muy bien hechas, muy cinematográficas, y si te interesa la cultura japonesa…

 

CA: Vamos con Midnight X-Treme. Parece que en Corea han descubierto ahora el found-footage

AS: Estamos totalmente de acuerdo contigo (risas).

CA: Sabemos que tiene que estar en Sitges porque ha sido todo un fenómeno en Corea, pero no nos entusiasmó “Gonjiam: Haunted Asylum”… 

MH: ¡Y viene el director! Te contamos el porqué está:  el año pasado rechazamos la peli, pero nos pareció injusto por una razón: y es que la película no nos tiene que gustar solo a nosotros. Leímos varias críticas de gente en quien confiamos que no estaban tan mal, y luego vimos el éxito en Corea. El año pasado nos fue muy justo el cogerla, pero creemos que habrá gente a la que le gustará, el público joven va a disfrutar.

AS: Yo la verdad nunca he entendido este fenómeno…

MH: Hay buenas películas de found footage, tenemos una este año The Devil´s Doorway que es la película que más miedo da de la programación junto con Aterrados. Pero en este caso creo que es una película que a dos señores como nosotros no nos interesa, pero sí a gente más joven o que le guste el cine coreano y no puede acceder a títulos como este y la querrán ver, los chicos protagonistas son famosos. Tenemos que ser honestos y que la gente la vea.

CA: Y ahora por favor, ¿nos decís cómo ponéis en Midnight X-Treme Especiales una película de 1985: The Legend of Stardust Brothers…?

MH: Porque al verla pensé que era una gran idea, porque es el Rocky Horror Picture Show japonés. Y no solo eso, sino que además los protagonistas se hicieron, justo después de rodarla, hiperfamosos con cosas que no tienen nada que ver con este estilo. Es una película bastante seminal y dirigida por el hijo de Osamu Tezuka, que esto tiene ya de por sí un morbo bastante grande, y es un tipo muy interesante.

CA: Este año no hay película de Sion Sono pero otro director “heavy metal”, Gokuryuu (Sogo) Ishii llega con “Punk Samurai Slash Down”. 

AS: Soy muy fan de Sogo Ishii.

MH: Yo también.

AS: Creo que cuando empecé a ser director de este Festival estaba un poco obsesionado con Sogo Ishii, ¿os acordáis de Gojoe, que la pasamos en el famoso Orient Express?, y es un director cuya época punk me interesa mucho. Esta película no iba a entrar, y las negociaciones fueron muy complicadas, pero me pareció un delirio, puro Midnight X-Treme. Esto sí que es Japan Madness. Solo se va a poder ver ahí porque solo hemos podido conseguir un pase, y la gente que se quede de madrugada a verla va alucinar, hasta mezcla cosas de Hong Kong, el Rey Mono, como una de esas que hace Soi Cheang… Pero visualmente impresionante, con una producción de bastante nivel porque en Japón se estrenó con mucha propaganda y no funcionó mal. Quiero decir que no es una película independiente, es de estudio, eso sí, no se entiende nada. Pero esto a las tres de la mañana en el Auditorio… yo no sé si me pasaré a verla, porque puede molar mucho.

CA: Y terminamos con Seven Chances, recuperamos a “Throw Down”…

AS: Maravilloso Seven Chances este año, porque creo que han tenido una iniciativa de centrarlo en género y en recuperaciones de títulos en versiones remasterizadas que creo que es una idea estupenda. Son siete películas que son para mí siete joyas, desde Alex Proyas, que además viene, a Johnnie To pasando por Larraz. Y estoy muy contento por esta película que en su día no pasamos, y que a Johnnie le encanta, es su película favorita de su obra, y está bien que la veamos, es inédita en España.

MH: Es además la segunda remasterización que ha hecho el Festival de Udine después de Made in Hong Kong de Fruit Chan, y la siguiente seguramente será The Mission.

AS: Estamos muy contentos de tenerla y repito, creo que Seven Chances es una sección este año para ver las siete, impecable, y creo que las copias que vamos a pasar son espectaculares.

 

CA: Para cerrar, ¿invitados asiáticos? Nos habéis comentado que el director de “Believer” viene…

MH: Junto al director de Gonjiam. La gran invitada es Josie Ho, que recibe el premio Màquina del Temps, gran actriz de Hong Kong. Además, Shohan Shah actor y productor de Tumbbad, Guitar Wolf con Fonotune, Macoto Tezuca y la troupe de One Cut of the Dead, ¡que vienen casi todos!

En fin, otro añito de lo más movidito para los “cineasiáticos” en Sitges…

 

 

 

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2 comentarios en Line-Up asiático de Sitges 2018: Entrevista con sus directores Ángel Sala y Mike Hostench

  1. Fernando deMontre dice:

    El grupo Guitar Wolf viene en serio??? Habrá actuación??

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