Hong inició sus estudios de teatro y cine en Corea, pero acabó su carrera académica en las universidades de EEUU. Más de diez años de aprendizaje le obligaron a que retardara su debut, pero fue el tiempo necesario para que el cineasta coreano pudiera comenzar su carrera profesional con la suficiente maduración artística. Aunque el cine de Hong no ha asomado hasta ahora en las pantallas del circuito comercial de España, su presencia en festivales internacionales ya es un acontecimiento habitual. Su primer largometraje  The Day a Pig Fell into the Well (1996) recibió los galardones en los festivales de Vancouver y de Rótterdam. De las quince películas realizadas por Hong hasta 2013, ocho de ellas han competido en Cannes dando como resultado el que Ha Ha Ha ganara el premio Un certain Regard, y En Otro País compitiera por la Palma de Oro en 2012. En el Festival de Berlín también se han proyectado varios de sus films, así como su última obra Nobody’s Daughter Haewon (2013) que compitió en la 63ª edición del festival alemán.

A pesar del prestigio a nivel internacional, en su país natal el cine de Hong Sang-soo se designa como un cine de culto, ajeno a la realidad del cine coreano para los espectadores. La opulencia de la industria del cine en Corea se vanagloria de un volumen de 1.100 millones de dólares anuales (en el año 2012, Corea es el quinto país más grande del mundo en facturación). Pero, la mayoría de las películas de la cartelera son meramente comerciales, a saber, el cine de espectáculo fácil. En la pura industria neoliberalista, el cine languidece tanto que se ha convertido en un simple pasatiempo por la ley de supervivencia. De ahí, Hong Sang-soo sugiere algo diferente; su cine, un retrato del atípico realismo coreano, nos  invita a pensar en la vida, en el amor, el sexo, la verdad, la mentira etc. y, sobre todo, nos pregunta qué es el cine.

Improvisación y  espontaneidad: composición entre la observación  y el instinto del rodaje

La característica más diferenciadora del cine de Hong Sang-soo es el particular proceso de hacer un film. Mientras que una película se empieza a producir a partir del guión, el director coreano trabaja sin él, sólo con una especie de ‘tratamiento‘. Hong confía plenamente en el potencial del rodaje y, por eso, escribe el guión en la mañana del día de rodaje. A partir de Turnig Gate (2002), el realizador sólo escribe un tratamiento de veinte o treinta páginas antes de comenzar el rodaje, y va perfeccionando el guión a medida que se desarrolla el mismo. Según  palabras del propio Hong, él tiene el 50% de la película antes de empezar el rodaje, crea el 40% en la mañana de cada día del rodaje, y añade el último 10% durante el mismo rodaje.

La improvisación y la espontaneidad del proceso es probable que proceda de su método de observación.  El director ironizó, en más de una ocasión, sobre las críticas que calificaban su cine como una observación del microscopio de los seres humanos. Hong confesó que su modo de observación de la gente no es microscópico, ni tan solo concienzudo. El director reveló su modo de interpretar la vida. Hong descifra la estructura de su pensamiento a partir de la observación del mundo exterior. Seguidamente, su interés se traslada a su interior, observa cómo se consolida la impresión, la emoción y el pensamiento sobre el mundo exterior. En resumidas cuentas, observar el interior y exterior de sí mismo, y repetir esta observación, conlleva variaciones, mediante las cuales el director coreano logra liberarse de la auto-opresión.

Cine, la vida misma

Hong Sang-soo es un director que pone de relieve la subjetividad del cine, y del mismo modo, comprende al espectador como un sujeto emancipador de la convención cinematográfica. El cineasta metaforiza sus películas como un hijo pequeño que tiene un padre liberal: quiere que su hijo crezca con mucha libertad aunque la gente le pueda acusar de irresponsabilidad. A partir de esta retórica se construye el cine ‘sangsooiano’ como un organismo autónomo que se desarrolla con sus virtudes y debilidades. Seguramente, es por eso que el director insiste en la financiación autárquica (en un principio casi todos sus films se han producido únicamente con el capital de su propia productora), para garantir así la libertad, el ingenio y la extrañeza de su cine. Así mismo, el cine de Hong no pretende intervenir en las interpretaciones del público,  sino que cada espectador reaccione a su manera para que pueda ‘introspeccionar’ su interior. El director vanguardista otorga su asentimiento a la versión que cada espectador tenga de cada película suya. Por todo ello, el cine de Hong consistido en los pequeños relatos trazados con la cotidianidad de la vida no asombra pero ayuda al espectador para que pueda ver la complejidad de la realidad. En la sociedad coreana, donde difícilmente se acepta la heterogeneidad, sobre todo, la singularidad del lenguaje cinematográfico de Hong Sang-soo reluce por su franqueza, libertad y valentía.

A fin de cuentas, el cineasta coreano construye la cotidianidad del cine, que en realidad es una parte de la vida misma. La transparencia del interior del director y el rodaje sin parafernalia, en los que los espectadores encuentren la delicia de la cotidianidad, será la quinta esencia del cine de Hong Sang Soo.

Por nuestra colaboradora Jiyoung Youn

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1. La frase de la semana. Hong Sang-soo explora el choque de culturas en En Otro País.

 MUJERES DEL NUEVO CINE COREANO

 Proponemos aquí algunas reflexiones temáticas y teóricas sobre la presencia de las mujeres en el Nuevo Cine Coreano (NCC), a partir de directores pertenecientes a dicha corriente cinematográfica: Im Sang-soo; Park Heung-shik; Kim Tae-young y Kim Ki-duk

Se trata de realizadores que comparten los siguientes presupuestos: pertenecen a la generación de los años noventa, han filmado más de un largometraje comercial, desarrollan un cine de autor que reivindica contenidos artísticos, sociales y culturales y, por considerar que el cine de vanguardia es una alternativa elitista, se esfuerzan por recuperar un cine popular de calidad. Asimismo, por haberse formado y creado sus filmes en el contexto de la modernización, coinciden en una visión crítica de los valores y formas tradicionales que –muchas veces– han actuado refrenando el proceso de cambio. Sin embargo, dicho espíritu crítico también lo expresan en relación con los nuevos valores culturales que tratan de imponerse y sustituir a los ‘viejos’.

 Referencias mínimas sobre el NCC

El fenómeno del NCC (1996 ~) despliega una mirada cinematográfica distintiva respecto del cine clásico y moderno creando ciertas condiciones de visibilidad para un sujeto social complejo y diverso. Su heterogeneidad de propuestas estéticas se basa en un nuevo tipo de relación con la historia y la tradición. Mientras que el cine moderno buscaba superar o negar la tradición, el cine actual dialoga con ésta de una manera singular: la moda de la nostalgia y el pastiche como revisitación auto-irónica constituyen algunas de esas formas (Costa, 1997).

El nuevo modo de ver –en términos de Berger (2000)– como de representar al sujeto y la realidad que propone el NCC, no es azaroso. Por el contrario, se encuentra intrínsecamente ligado a las transformaciones de la sociedad surcoreana orientadas a su modernización, y que se traducen en todos los campos incluyendo el artístico-cultural (Bourdieu, 1997).

Recuperando a Bajtín (2005 [1988]), quien considera que los géneros discursivos pertenecen y se corresponden con las distintas esferas de la praxis humana, podemos decir también que el NCC expresa la mixtura de géneros [no sólo los cambios al interior de cada uno de ellos], en referencia a la proliferación de estilos de vida que caracteriza a la contemporaneidad surcoreana. Las nuevas experiencias de las mujeres forman parte de esta diversidad siendo una arista más del proceso de cambio.

En esta dirección, los directores del NCC realizan una fuerte apuesta temática reponiendo figuras de mujeres que contribuyen a un cambio en la representación visual de ‘lo femenino’ y la femineidad. Desde una visión masculina y hegemónica –atravesada por las valoraciones ideológicas del contexto actual– las tramas fílmicas escogidas convocan personajes femeninos protagónicos que expresan los vaivenes de la identidad y el género cuyas presencias narrativas abren nuevos sentidos y significados que –en muchos casos– cuestionan los estereotipos y visiones sociales naturalizadas en el circuito discursivo.

Los filmes escenifican el (re)posicionamiento de las mujeres en los nuevos escenarios del mundo moderno, es decir, como sujetos de cambio que han traspasado ciertas estructuras de dominación, jerarquías y diferencias de género en los distintos ámbitos de la sociedad surcoreana actual. No obstante, simultáneamente, las representan y narran como LAS protagonistas indiscutibles del mundo familiar, el hogar y lo privado, asumiendo roles y actitudes que coinciden con los estereotipos de género tradicionales.

 Con el foco en la ficción

A Good Lawyer’s Wife [La Esposa del Buen Abogado] (2003) de Im Sang-soo, ofrece – a través del personaje de Hojung– un estereotipo de género muy ligado a las mujeres jóvenes de la actual clase media surcoreana fundamentalmente difundido por las representaciones visuales y mediáticas, tales como las telenovelas. En esta representación de la mujer coreana no hay referencias de inserción laboral y, por su parte, el abandono de la danza en virtud del matrimonio, la crianza de Sooin (su hijo) y la vida familiar a tiempo completo que experimenta Hojung, pueden leerse como signos de institucionalización de la situación de dominación y dependencia. La figura masculina central del filme responde al arquetipo viril del hombre profesional que trabaja y se asume como único responsable de la economía doméstica. Mientras Youngiak se construye una afirmación identitaria basada en las actividades e itinerarios del espacio público, Hojung transcurre su tiempo confinada al espacio privado. De modo que, tiempos y espacios cualitativamente distintos se corresponden a cada sexo-género.

Observamos, entonces, que el personaje femenino de Hojung coincide, en varios aspectos, con la figura de ‘mujer virtuosa’ que purifica y armoniza el entorno familiar mediante sus acciones, manteniéndose leal a su esposo y familia política. La ‘otra cara’ de Hojung surge a raíz de la trágica muerte de su hijo, el principal motor de su vida. Este hecho agudiza la crisis del matrimonio, el cual no hubiera sido puesto en cuestión de no haberse visto alterada la ‘normalidad’ de la familia como producto del irreparable suceso. Hojung se desplaza paulatinamente de la posición y rol tradicional de mujer esposa y madre hacia el ‘nuevo’ papel que finalmente asume como mujer divorciada y madre soltera producto del romance con un joven adolescente.

En Yeon-sun y Na-yeong, los personajes femeninos de My Mother, the Mermaid (2004) del director Park Heung-shik, el estereotipo de género tradicional se manifiesta de manera actual a partir de lo aprendido e internalizado en la temprana socialización. Yeon-sun (la madre) encarna a una mujer adulta socializada de acuerdo con los valores tradicionales, que nació y trascurrió su infancia, adolescencia y parte de su juventud en un pueblo isleño, sin recibir educación formal y trabajando como pescadora. Sin embargo, a causa de su migración a la ciudad el imperativo fue adaptarse a la vida moderna y urbana. El conflicto se desata cuando su marido queda desocupado y deja de cumplir con su rol de proveedor. Esta situación irrita y enoja a Yeon-sun, y es mostrada en el filme mediante la victimización del hombre y la construcción de la mujer como victimaria que lo desprecia y maltrata. En cuanto a su hija, Na-yeong, si bien su mirada confirma la autoridad del padre, en la práctica cotidiana manifiesta el desfase entre el discurso internalizado y lo que muestra ‘la realidad’. Na-yeong advierte la decadencia de su padre y asume el rol de acompañante de su madre para salvar a la familia.

En ambas mujeres se advierte la presencia de un imaginario de género según el cual el padre/ jefe de familia continúa siendo quien concentra la solvencia, el poder y la toma de decisiones; sin embargo, en la práctica, son ellas quienes cumplen con todas estas funciones. Los cambios de la modernidad las convierte en mujeres fuertes, resueltas y aguerridas que salen al mundo, pero internamente se percibe un conflicto en cuanto a los roles, porque las expectativas de género siguen siendo las del modelo tradicional internalizado. En el cuestionamiento al comportamiento de su madre (ausencia de educación y de buenos modales) puede verse en Na-yeong la recuperación del modelo tradicional de ‘mujer virtuosa’ establecido por el confucianismo, con pilares en la femineidad, la pureza y la conducta correcta y moderada.

En la complejidad de los escenarios familiares representados en Family Ties (2006), de Kim Tae-young, aparece expresada una multiplicidad de roles femeninos tradicionales y modernos que asumen papeles activos en relación con el mundo público y privado; también advertimos la presencia de matices entre unos y otros.

La primera historia del filme pone en escena a una familia ensamblada donde hay una mujer que sigue el modelo tradicional en cuanto cumple con las ritualidades femeninas en el hogar y apaña a su hermano; nos referimos a Mi-ra, la hermana de Hyung-chul. Sin embargo, ella se acerca al modelo moderno en la medida en que trabaja, es económicamente independiente y no se ha casado, habiendo ya sobrepasado la edad considerada apropiada para hacerlo. El otro personaje femenino de esta historia es Mu-shin, quien quiebra el modelo de mujer tradicional por sus elecciones y su estilo de vida: es separada y está en pareja con Hyung-chul, un hombre menor que ella, en un contexto en que tradicionalmente no estaba bien visto que las mujeres fueran separadas, que formaran una nueva pareja y menos que el hombre tuviera menor edad. Mu-shin también trasgrede las reglas tradicionales con algunos de sus comportamientos: fuma, bebe, es desinhibida y bromea en público. Recordemos que según los patrones ideológicos confucianos y patriarcales se condenaba que las mujeres realizaran consumos determinados que sí estaban permitidos a los hombres –y más aún si esos consumos se realizaban en ámbitos públicos–; en este sentido, los buenos modales, la discreción y la rectitud en la conducta femenina eran indispensables. Por último, cabe mencionar que Mu-shin tampoco demuestra una actitud maternal, lo que queda en evidencia cuando llega Chae-hyun, la niña hija de su ex marido. Ambas mujeres sostienen imágenes narrativas que se corresponden con un tratamiento estereotipado de la imagen femenina: Mi-ra expresa el modelo de mujer tradicional y Mu-shin, el modelo moderno.

Hyung-chul, el personaje masculino de la historia, es un hombre debilitado en su rol de jefe de familia y proveedor que ha caído en el descrédito más absoluto por sus imprudencias y delitos cometidos, y por no tener un discurso y una actitud confiables. Sin embargo, podemos constatar que es él quien sigue dominando en un plano simbólico y estableciendo la dinámica del grupo familiar: Mi-ra y Mu-shin aceptan sus decisiones (por ejemplo, cuando insiste para que Chae- hyun se quede con ellos, y finalmente así se resuelve), lo justifican, lo atienden y se preocupan por él. Esto se debe al lugar de superioridad que el hombre ha ocupado tradicionalmente en la escala jerárquica con respecto a la mujer, y porque era quien se hacía cargo de los hijos y del bienestar de la familia.

La segunda historia del filme pone en escena una familia disfuncional a partir del retrato y el relato de vida de dos mujeres (madre e hija) que organizan sus comportamientos según los valores tradicionales internalizados, pero evidencian matices que a su vez las diferencian. La madre de Sun-kyung, mantiene una relación de pareja con un hombre casado, el padre de su hijo varón (menor), con quien vive. Acepta ser la segunda mujer de su pareja, que convive con su esposa oficial y sus dos hijos, con los que comparte la cotidianeidad y asume su rol de esposo, padre y sostén económico. En este aspecto, se naturaliza el hecho de que el hombre pueda tener más de una relación sentimental y más de una familia. Sun-kyung encuentra inadmisible que su madre no se adecúe al rol de primera y única esposa virtuosa establecido por el ideal de mujer confuciano, siendo éste el principal motivo de discordia con su progenitora. Sun-kyung es joven, soltera, trabaja y vive sola; como en el caso de Mi-ra, también está próxima a los treinta, que es la edad en que se espera que las mujeres contraigan matrimonio. Más allá de su estilo de vida, del grado de independencia alcanzado y de sus formas de pensar y actuar, se entrevé el condicionamiento de los valores tradicionales y confucianos en actitudes que parecieran típicamente modernas y de avanzada, es decir, acordes a los cambios culturales que están sucediendo.

La tercera historia que narra el filme, que paradójicamente es la que abre y recupera a las demás, está centrada en la relación de pareja de dos jóvenes: Chae-hyun, la niña de la primera historia, y el hermano menor de Sun-kyung, de la segunda historia. Desde esta narración, que transcurre en la actualidad, se recupera un pasado relativamente reciente que nos confronta con las dinámicas de un proceso de modernización que siguió avanzando y profundizándose. Los escenarios de esta tercera historia son mayoritariamente urbanos y se muestra la vida en las calles; es decir, observamos cómo los jóvenes son narrados como parte de las escenas e imágenes de la modernidad y la ciudad.

3 Iron [Hierro 3] (2004) de Kim Ki-duk, pone en escena a Su-hwa. Se trata de una mujer dominada y maltratada por su marido, que se encuentra en situación de dependencia económica y afectiva. Su vida transcurre presa de la rutina agobiante en el encierro de su hogar que no le permite ver más allá de lo que le sucede. El marido de Su-hwa se rige por la lógica tradicional según la cual las mujeres deben responder a los deseos y estrictas expectativas del hombre, por ende, espera obediencia absoluta por parte de su esposa. Si bien Su-hwa permanece en el lugar de víctima de esa violencia, aceptando la relación con su marido por no encontrar otra salida para su vida, expresa el malestar a través del silencio y la indiferencia que sublevan a su esposo. Con la aparición de Tae-suk, un joven que trabaja distribuyendo publicidad gastronómica por los distintos vecindarios de la ciudad con la particularidad de ocupar aquellas viviendas que presume deshabitadas, se le plantea una vía de escape. Ocurre entonces, lo impensable: Su-hwa abandona a su esposo y se va de la mano del mítico Tae-suk en busca de una vida distinta. Algo similar a lo que sucede enLa Esposa del Buen Abogado; el cambio en la vida de estas mujeres viene de la mano de un sujeto masculino que opera como el salvador. Su-hwa pasa de mujer sometida a mujer audaz, de mujer mundana a mujer mística, de mujer esposa a mujer amante, todas figuras que corresponden con un plano imaginario más que real.

Representaciones (fílmicas) de una identidad

Ninguno de los filmes brevemente reseñados escenifica mujeres que logren establecer –desde sus trayectorias de vida– una ruptura radical con los patrones y valores tradicionales internalizados que aún definen ciertos rasgos centrales del modelo de familia y mujer en la sociedad surcoreana actual.

La dependencia económica y/o afectiva respecto del hombre está presente, de manera más o menos explícita, en todos los personajes femeninos, ya sea de un modo real, ideal o idealizado. El sujeto masculino, adulto y con voluntad de dominio sobre otros que se les presenta a las mujeres como EL referente; este hecho encuentra su explicación en la actualización de la doctrina confuciana y en la mutabilidad del patriarcado que, más allá de las particularidades históricas y culturales, logró penetrar en las diversas dimensiones y niveles del entramado social en las distintas épocas (Lee Sang-wha, 2005). Por otra parte, los signos de independencia femenina representados y narrados se presentan ligados –en muchos casos– a circunstancias de vida y situaciones obligadas o provisorias que no afectan profundamente la estructura racional, psíquica y emocional de estas mujeres ni su comportamiento dentro del ámbito familiar y del hogar.

Constatamos que la ficción refuerza el estereotipo de la mujer tradicional pero, en ciertos pasajes, ese estereotipo se resquebraja dando lugar a una complejidad que surge de la intervención de elementos culturales propios de la modernidad. Por ello, así como se vuelve dificultoso y peligroso encasillar a los sujetos en modelos sociales ‘puros’ resulta hacerlo con las ‘mujeres de ficción’. Esto no sólo tiene que ver con la tensión entre tradición y modernidad, sino también con las resistencias inherentes a todo proceso identitario y de la subjetividad (Braidotti, 2000; Hall, 1996; Laclau, 1996). Dicho de otro modo, la dualidad de posiciones y de roles del sujeto femenino en la ficción del NCC remite a la dinámica pasado/ presente que expresa dilemas y tensiones en los comportamientos sociales y personales. En este sentido, las ‘mujeres de ficción’ representadas y narradas desde el lenguaje y el registro cinematográfico se constituyen en una expresión específica del conflicto entre tradición y modernidad manifiesto en todas las dimensiones de la contemporaneidad (más) reciente.

La ‘visualización’ del pasado –convocando dispositivos de representación que hacen posible imaginar y reconstruir escenarios y escenas invisibles e (in)visibilizadas de una tradición basada en el confucianismo como sistema ideológico hegemónico de la sociedad coreana durante siglos– resurge de modos peculiares a través de los personajes y las tramas en contextos de la modernidad y la globalización. Se trata de la perdurabilidad de la tradición –entendida como aquel componente ‘residual’ elaborado en el pasado que entra en actividad en el proceso cultural presente (Williams, 1981)–, y se manifiesta en los distintos ámbitos (familia, trabajo, educación, mundo de la política) y las prácticas (costumbres, ceremonias, rituales, capacidades, aptitudes, funciones y roles).

En algunos filmes comentados anteriormente irrumpe también una temporalidad en la que el pasado y la tradición se recuperan como bases para construir el relato; Park Heung-sik lo plantea de un modo casi despiadado en My Mother, the Mermaid (2004), donde la hija necesita sumergirse en el pasado de sus padres para conocerlos y comprender así su propia vida. Algo parecido se sugiere en Family Ties (2006), donde las memorias familiares se erigen como fuerza creadora de las historias presentes y del futuro de los personajes cuyos destinos sentimentales se entrecruzan. Kim Tae-young construye la historia de amor entre Chae-hyun y Kyung-suk, y desde el presente de esa relación narra hacia atrás el pasado familiar de cada uno de ellos, convirtiendo el relato sobre el romance en una especie de vehículo de la memoria (Jelin, 2002).

Así como la modernización surcoreana es un proceso no acabado, la identidad femenina tampoco puede estarlo. Se trata de una identidad en constante variación y cambio signada, de un lado, por la tensión que implica el aumento de la individuación y la autonomía personal que trae aparejada la modernidad con sus dinámicas y, de otro, por la adscripción colectiva y de pertenencia al grupo socio-familiar, un aspecto de la vida tradicional que sigue haciendo mella en el presente por la fuerza viva de la cultura confuciana, transmitida generacional y culturalmente. En ambas posiciones de sujeto las relaciones históricas de poder se hallan presentes condicionando los devenires de la experiencia y, en consecuencia, dando lugar a configuraciones provisorias, abiertas y contingentes (Hall, 1996). Justamente allí es donde cobra sentido la narración del sujeto femenino que los filmes ensayan.

Lo que exponen los personajes femeninos es la oscilación constante en que se dirime la identidad: ninguno de ellos proyecta una esencia inamovible, estable y quieta del sujeto anclado en la tradición o condicionado por la internalización de valores tradicionales confucianos, sino un devenir que cobra sentido en el contexto de cambio cultural y a partir de la red de relaciones que expresan contradicciones, tensiones y adaptaciones con respecto a los escenarios sociales signados por nuevas necesidades y exigencias. Siguiendo a Braidotti (2004), podríamos decir que se trata de una identidad nómada; las experiencias representadas y narradas muestran y constituyen un sujeto femenino-siendo en los distintos contextos y relaciones sociales.

Sobre la base de concebir una realidad y un sujeto que existen en su dimensión narrativa y simbólica, las representaciones fílmicas pueden leerse como una búsqueda identitaria verosímil. El filme funciona como constructor cultural de ‘la realidad’, no como copia o mímesis, y pone en marcha mecanismos de simbolización donde nada tiene un sentido lineal y unívoco. De este modo, las figuras femeninas representadas en las imágenes y palabras cinematográficas del NCC pasan a formar parte de una interpretación particular del capítulo ‘historia de las mujeres coreanas’.

Sucede que, en la medida en que NCC nos pone en contacto con procesos de de-construcción y de crítica de las imágenes y representaciones clásicas y modernas dominantes, nos da la posibilidad de visualizar expresiones de otredades ignoradas, realidades silenciadas y fisuras de sentido, que refuerzan la lógica del devenir. La tendencia a desestabilizar el modelo canónico de representación y su afán de reponer miradas múltiples y complejas que acercan puntos extremos e incluso contradictorios, como ocurre en el caso de las ‘mujeres coreanas’ escenificadas, se aleja de los binarismos y modelos puros de representación cultural y visual.

Cada narrativa del cine corresponde a un localismo, es decir: a una suscripción temporal histórica, a un espacio social, a un modo de ver culturalmente establecido y a los parámetros de una determinada expresión cinematográfica. Pero también a una mirada individual y personal, la del realizador que, a su vez, se termina de completar en el contexto de interacción con los otros (receptores/ espectadores).

Por último, a modo de conclusión parcial y provisoria, afirmamos –en sintonía con el pensamiento de De Lauretis (1992)– que las mujeres –en tanto sujetos históricos reales– no pueden ser pensadas por fuera de las formaciones discursivas múltiples que las nombran, enuncian y crean, entre ellas, el discurso/ narrativa cinematográfica. Esto equivale a decir que la dicotomía ‘mujeres históricas’/ ‘mujeres de ficción’ no es tal, y que ambas categorías se encuentran en constante construcción y mutuamente implicadas.

Por Paula Iadevito

Investigadora Asistente del CONICET – Argentina. Integrante del Grupo de Estudios del Este Asiático del Instituto de Investigaciones Gino Germani (UBA). paulaiadevito@yahoo.com.ar)

Referencias bibliográficas

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En 1988 una modesta producción china titulada Sorgo Rojo se alzaba con el Oso de Oro del Festival de Berlín. Ése fue el inicio de todo, del descubrimiento de una cinematografía a la que no habíamos tenido acceso a causa de la cerrazón ideológica de un gobierno opresor y caprichoso, que había supeditado todas las manifestaciones artísticas e intelectuales de su pueblo a sus intereses partidistas, y del nacimiento de una nueva ola de directores (que recibieron el denominativo de “La Quinta Generación de Pekín”)  que, educados en el sistema represivo de la Revolución Cultural, se encontraban dispuestos a embarcarse en la configuración de un nuevo panorama artístico que desafiara las convenciones, tanto en el plano político (enfrentándose en muchas ocasiones a la censura a través de historias con un alto contenido metafórico), como en el estrictamente creativo, mediante la modernización de un sistema fílmico nacional que todavía hundía sus raíces en el pretérito. Se amplió la paleta temática mediante relatos que intentaban poner de manifiesto la inconsecuencia de muchas de las tradiciones de carácter castrante sobre las que se habían cimentado las instituciones feudales encargadas de regir la sociedad china desde antiguo, quizás como forma de exorcizar los fantasmas de un pasado demasiado latente en un presente lleno de tensiones, dudas e incertidumbres. Al mismo tiempo también se produjo un cambio en las convenciones estilísticas que regían la composición expresiva de los films, desechando el naturalismo y experimentando de manera decisiva con los recursos de la imagen a través del cromatismo y la plasticidad. El color se convirtió en la base constitutiva de todo un sistema autoreferencial cargado de simbología que, al mismo tiempo, sirvió para introducir al espectador en una perturbadora experiencia profundamente sensitiva y emocional. A esta técnica con la que se pretendía crear estados de ánimo a través de matices y pigmentaciones cromáticas predominantes, se le denominó “plastic expresión” y se encontraba presente en las dos películas fundacionales del movimiento, Tierra Amarilla (Huang Tu Di, 1984) de Chen Kaige y  Sorgo Rojo (Hong Gao Liang, 1987) de Zhang Yimou.

Pronto, tanto Chen Kaige como Zhang Yimou, se convirtieron en los estandartes de este nuevo cine chino que se abría paso en occidente sin dificultad, gracias a la aceptación inmediata por parte de la crítica especializada y a su consideración en el seno de los más grandes festivales internacionales. A partir de ese momento, y a pesar de las dificultades impuestas todavía hoy en día por las autoridades, la cinematografía dela China Continental no nos ha abandonado ya, surtiéndonos de una enriquecedora nómina de cineastas que han ido renovando su paisaje fílmico.

2. Tradición, tierra, deseo, muerte.

Sobre estos cuatro ejes bascula parte del tejido generador de conflictos dentro de las primeras películas de Zhang Yimou, Sorgo Rojo, Ju Dou. Semilla de Crisantemo (Ju Dou, 1990) y La Linterna Roja (Da Hong Deng Long Gao Gao Gua, 1991).

La tradición está presente a modo de sustrato en cada uno de los relatos, convirtiéndose en punto de partida y en motor propulsor de los elementos que integran la trama. En los tres filmes se encuentra presente una fuerte carga crítica en torno a la idea de yugo patriarcal dentro de una sociedad represora que supedita el rol femenino a la condición de mero objeto de mercancía. La joven de Sorgo Rojo, Jou Dou y Songlian, tres mujeres jóvenes y fuertes condenadas a sufrir la pérdida de su libertad, víctimas de su propio destino, aquél que las condiciona a vivir esclavas de los intereses de los hombres a los que pertenecen.

En realidad, ¿qué somos las que vivimos aquí? Somos menos que nada. Somos como los perros… como los gatos… o como las ratas. Desde luego no somos personas.

Las heroínas de Zhang Yimou son conscientes de su situación e intentan rebelarse ante ella, aunque no todas lo hacen de la misma manera. Eso sí, el sexo se convierte en la única forma de poder que tienen a su alcance, y la utilizan como arma para liberarse de las ataduras a las que se encuentran sometidas.

En Sorgo Rojo la protagonista se niega a mantener relaciones sexuales con el hombre a la que ha sido vendida mientras que accede a perder la virginidad con uno de los criados de su marido, y Ju Dou se venga de las vejaciones y de las torturas físicas de su impotente esposo encontrando consuelo carnal en su mejor y más fiel empleado. Sin embargo, la Songlian de La Linterna Roja lleva hasta el límite su condición de esclava, de mujer-objeto, ya que entra en el juego de humillación establecido por su amo, al permitir introducirse en las diferentes rivalidades que se establecen entre las demás concubinas por conseguir ser su favorita y alcanzar los privilegios propios de la primera dama de la casa. El peso de la tradición en La Linterna Roja alcanza un grado máximo de representación en la pantalla hasta erigirse en un elemento litúrgico y ceremonial de la puesta en escena. La colocación de los farolillos en las estancias de las diferentes esposas, noche tras noche, provoca una sensación de inmovilidad, de tiempo estancado, de repetición perpetua que se prolonga día a día, año en año, y que se hereda de generación en generación. En Semilla de Crisantemo continúa prevaleciendo las costumbres arraigadas a través de la necesidad de encontrar una hembra fértil que sea capaz de engendrar un varón que continúe con la estirpe familiar, mientras que en Sorgo Rojo la celebración de las costumbres se tiñen con el sabor del folklore popular asociándose a rituales fecundativos vinculados a la tierra y a la cosecha, por lo que su carácter es alegre y festivo.

El peso significativo de estas tradiciones y todo lo que conllevan, tiene su espejo en el espacio escénico en el que se desenvuelven los relatos, de manera, que cada uno de ellos, a pesar de estar configurados de manera muy diferente, se encuentran arrastrados por una fuerza telúrica que en ocasiones sobrepasa los límites de la representación puramente dimensional.

En Sorgo Rojo se siente una libertad salvaje e indómita, una explosión de furia primitiva que comulga con una naturaleza profundamente sensual que acopla sus biorritmos a las pulsiones esenciales de los personajes. En Ju Dou. Semilla de Crisantemo, el escenario se torna opresivo y asfixiante, encerrando a los protagonistas en un clima enfermizo y una atmósfera malsana en la que late el erotismo, el pecado, y se desatan los sentimientos más básicos, deseo, odio y venganza, sublimados hasta convertirse prácticamente en abstracciones.

Si en Ju Dou la tintorería es prácticamente en el único escenario en el que se desarrolla la acción, en La Linterna Roja el elemento claustrofóbico vuelve a cobrar un intenso sentido espacial en la figura de una fortaleza construida a modo de microcosmos viciado en el que se encierra a las mujeres protagonistas y se las convierte en prisioneras, aislándolas a cada una en una celda individual. El director visualiza estos entornos cerrados utilizando una perfecta geometría en la composición del interior del plano. La simetría formal que se genera unida a un juego de distancias focales nos presenta en ocasiones a los personajes enmarcados como si se encontraran recluidos en cajas, como si esas bellas mujeres fueran meros objetos decorativos en las diferentes estancias de una casa de muñecas inerte, vacía, sin vida. Tan sólo en los tejados del castillo las protagonistas se sentirán libres, aunque esa libertad se encuentre siempre asociada con la muerte. Una muerte que, junto a la locura, serán precisamente las dos únicas salidas que les queden a Ju Dou y Songlian para escapar de sus respectivas jaulas y por fin ser libres.

3. Búsqueda.

La siguiente obra de Yimou, Qiu Ju. Una Mujer China (Qiu Ju Da Guan Si, 1992), inaugura una nueva senda de trabajo dentro de la trayectoria del director, acercándolo a la realidad de su tiempo. A partir de ese momento comenzará a ensayar historias pequeñas con una fuerte carga de contenido social y humano, cimentadas sobre un elemento casi anecdótico y una finísima línea argumental.

El director hunde sus raíces en la esencialidad y ensaya una nueva fórmula a medio camino entre el documental y el neorrealismo. Su intención: representar con naturalidad las relaciones entre las personas y radiografiar modestas vidas contemporáneas.

Sin duda, Qui Ju. Una Mujer China, es uno de sus mayores logros a nivel creativo, donde podemos percibir la presencia de un director inquieto y en perpetua búsqueda de sí mismo, mutando su estilo para captar la realidad de la manera más verosímil posible e intentando experimentar con un nuevo lenguaje cinematográfico que le permita acceder a la naturaleza básica de acciones y personajes. En este sentido, el encuadre rígido que presidía La Linterna Roja da paso a una flexibilidad de movimientos en la planificación secuencial a través de una cámara que se acopla a la cinética de los seres que pasan por su objetivo. Así, el plano se transforma en un estimulante entorno de libertad y espontaneidad en el que fluye la vida y somos capaces captar la realidad de una manera directa, sin filtros ni trucajes. Para ello Yimou utilizó durante el rodaje escenarios naturales, sonido directo e incluso ocultó las cámaras para evitar que interfirieran en el desarrollo de los acontecimientos captados y tan sólo contó con la presencia de cuatro actores profesionales, entre ellos por supuesto Gong Li, que en esta ocasión cambió su habitual sofisticación estilizada para convertirse en una ruda y tozuda campesina embarazada, que convierte una pelea entre el alcalde y su marido en una cuestión de honor y dignidad moral. Qui Ju moverá cielo y tierra con tal de conseguir, a través de las instituciones, una sentencia que intente resarcirla de lo que ella ha considerado una humillación hacia su familia. Yimou, a través de esta historia, realiza una de sus más agudas reflexiones en torno a la cerrazón mental y cultural que ha sufrido su pueblo, durante muchos años enfrentado a una encrucijada de valores arcaicos mal entendidos que ha desembocado en su nula capacidad para adaptarse a los nuevos mecanismos con los que se rigen las sociedades modernas.

El director volverá a repetir este mismo esquema en la configuración de alguna de sus películas posteriores como Ni Uno Menos (Yi Ge Dou Bu Neng Shao, 1999) o Riding Alone of Thousand of Miles (Qian Li Zou Dan Gi, 2005), pero sin alcanzar la perfecta definición en el trazo que consiguió en Qui Ju. Obras de itinerario, de indagación tanto externa como interna, estos dos films ven empañado su alcance por culpa de un molesto sentimentalismo lacrimógeno con el que Yimou reviste su sustrato emocional, impidiendo que sus respectivos mensajes nos arrastren a través de la fuerza significativa que indudablemente contienen en su interior.

4.  Variaciones estilísticas, mutaciones genéricas

Si algo ha caracterizado la trayectoria de Zhang Yimou es su capacidad para mutar y adaptarse sin aparente dificultad a cualquier tipo de estilo. En muchas ocasiones el director ha manifestado expresamente la necesidad de reformularse a sí mismo, de ensayar nuevos géneros y trabajar con diferentes registros. Por eso, no es difícil encontrar películas en las que el director radicaliza su discurso junto a otras muestras en las que se deja llevar por patrones mucho más convencionales.

En 1994, justo en la cima de su fertilidad artística, Yimou se embarca en el proyecto más ambicioso de su carrera, ¡Vivir! (Huozhe), un impresionante retablo histórico-fílmico configurado a modo de película-río en el que asistimos a la evolución de la sociedad china durante tres décadas a través de la mirada de una familia corriente que ha de adaptarse a las duras y contradictorias circunstancias políticas del momento que les ha tocado vivir, aprendiendo a subsistir con la mayor dignidad posible. El propio director reconoce que es su película más personal ya que en ella pudo adoptar un tono autobiográfico para narrar acontecimientos que le tocaron muy de cerca y que marcaron definitivamente su adolescencia condicionándolo como persona: “Hay un montón de historias detrás de la Revolución Cultural que están esperando ser contadas, no historias políticas, sino historias sobre la vida y la naturaleza humana”. Con ¡Vivir!, Yimou alcanza definitivamente la cima de su oficio.

Con su siguiente película inicia una etapa de transición en la que el director se muestra inseguro de hacia dónde puede encaminar sus pasos dentro de un mercado cada vez más exigente que no se conforma con productos de qualite autoral. Quizás por eso experimenta una nueva fórmula, la del drama gangsteril de época en La Joya de Shanghai (Yao a Yao Yao Dao Waipo Giao, 1995). Con ella, el director se introduce en los bajos fondos de la ciudad de Shanghai durante los años treinta a través de la mirada inocente de un niño (otra vez el punto de vista voayerístico presente en parte de su obra) que accede a las claves de un mundo secreto y peligroso, siendo a la vez testigo silencioso del derrumbe moral de unos personajes atrapados en un engranaje de corrupción, poder, envidias y venganzas. La Joya de Shanghai, a pesar de ser una de las películas más incomprendidas del director, es quizás una de las más valientes tanto estilística como narrativamente. Dividida en dos partes antitéticas, el film nos conduce desde los ambientes viciados de los clubs nocturnos, en los que reina la frivolidad y la descomposición moral, hasta la pureza de un entorno natural incontaminado, principal detonante de que los personajes, al verse despojados de todo el aparato de lujos que los envolvían, tomen conciencia de su verdadera condición y de su destino. Un fragmento recorrido por una audaz fuerza introspectiva de alto poder sugeridor.

Con este film, Zhang Yimou terminó su colaboración con la que hasta el momento había sido su musa cinematográfica y compañera sentimental, Gong Li. Muchos creyeron entrever un período de crisis creativa en el cineasta y quizás, por eso, Yimou contraatacó con un ejercicio de radicalidad fuera de toda norma, imprevisible, escurridizo y eminentemente catártico. Con la cámara en mano, a medio camino entre el dogma de Lars Von Trier (tan de moda en aquellos años) y la frescura arty del primer Wong Kar-Wai, en Keep Cool. Mantén la Calma (You Kua Hao Hao Shuo, 1997), Zhang Yimou se zambulle en una estimulante investigación formal de ruptura de barreras, acercándose a la impostura posmoderna a través de un relato urbano acerca del desconcierto y la desorientación que rigen en el seno de las sociedades contemporáneas. El mundo está en crisis, la realidad se descompone a nuestro alrededor y se nos muestra fragmentada, estamos perdidos en medio de una histeria colectiva que nos hace perder la perspectiva. Así es Keep Cool, crispada, irracional y desencantada, pero sobre todo, muy valiente. Una valentía que precisamente se perdería a partir de su siguiente film El Camino a Casa (Wo de Fu Gin Mu Gin, 1999), en el que el director dulcifica y serena su mirada, hasta tal punto, que cae en la autocomplacencia y en el acaramelamiento insustancial. El tono naïf y amable se perpetuó en Happy Times (Xingfu Shiguang, 2000) otro  film menor que hacía pensar en el declive creativo del director.

Pero Zhang Yimou estaba nuevamente a punto de sorprendernos.

5. Renacimiento wuxia.

En el año 2000, Ang Lee con su Tigre y Dragón (Wo Hu Cang Long, 2000), desempolva con acierto uno de los géneros chinos más importantes de su historia tradicional, el wuxia-pian (películas de espadachines y artes marciales), y consigue un éxito mundial sin precedentes. En ese resurgimiento ve Zhang Yimou la posibilidad de practicar un nuevo estilo que le permita acceder a las grandes audiencias manteniendo un elevado nivel de autoexigencia artística. La sorpresa fue máxima cuando nos enteramos de que Yimou se encontraba embarcado en una superproducción interpretada por un nutrido plantel de estrellas de Hong Kong de la talla de Jet Li, Tony Leung Chiu-wai, Maggie Cheung o Donnie Yen.

Una vez, Yimou declaró que no se debería permitir que la economía lo dominara todo y que la cultura se encontrara supeditada a los intereses comerciales: “El cine comercial y vulgar domina nuestras pantallas. Los directores que una vez se hubieran sentido avergonzados de hacer tales películas, en la actualidad se sienten orgullosos de que éstas lleven sus nombres”. Estas declaraciones extraídas durante la promoción de El Camino a Casa, sin duda, se volvieron contra el cineasta, que unos años más tarde claudicaría con Hero (Ying Xiong, 2002) ante la tentación populista de realizar cine de consumo. Eso sí, no se le puede reprochar que cayera en la vulgaridad. Sus últimas películas son, sobre todo y ante todo, experiencias estéticas de una belleza visual arrebatadora en las que se reinventan las leyes orgánicas y sensitivas para alcanzar la máxima estilización que se puede extraer del lenguaje cinematográfico. Sin embargo, la sombra de la duda sigue persiguiendo a Yimou: ¿hasta dónde puede llegar el poder de seducción de las imágenes?

Muchas las de escenas de Hero son capaces de despertar, tan sólo a través de su composición, emociones auténticas. Pero se trata de fugaces parpadeos de perfección sin continuidad cohesiva. Hero, más allá de hazañas coreográficas y escenográficas y de su deslumbrante fotografía a cargo de Christopher Doyle, es un film demasiado rígido al que le falta alma. Fue precisamente este aspecto el que el director intentó subsanar en su siguiente trabajo, La Casa de las Dagas Voladoras (Shi Mian Mai Fu, 2004), en el que la historia de amor de los personajes se erige como verdadero núcleo significativo consiguiendo que exista una  mayor coherencia narrativa y dramática. Las conspiraciones, las acrobacias, las escenas de lucha, la plasticidad cromática, no son más que un precioso envoltorio que recubre un romántico relato acerca de la pasión y sus consecuencias, en un mundo enfrentado en el que parece no existir la posibilidad de que los personajes sean libres para ejercer su propia voluntad. Zhang Ziyi y Takeshi Kaneshiro intentan escapar de esas imposiciones, y para ello corren, huyen durante la mayor parte del film, a pesar de que encontrarse aprisionados en el interior de la pantalla, dentro de las rejas que conforman la verticalidad de los troncos de bambú. Un cine que se encuentra en una nueva encrucijada, tras la realización de La Maldición de la Flor Dorada (Man Cheng Ji Dai Huang Jin Jia, 2006), que incide en el aspecto ornamental de la puesta en escena, esta vez sublimada a unos niveles de barroquismo y ampulosidad que la constriñen y ahogan en un corsé de retórica visual igual de apretado que el que luce la propia Gong Li.

6. El Yimou post olímpico

En los últimos años, la creatividad de Zhang Yimou ha abarcado nuevos campos. En diciembre de 2006 dirigió a Plácido Domingo en el estreno mundial de la ópera “The First Emperor”, del compositor Tan Dun, en el Teatro Metropolitano de la Ópera de Nueva York. Además de convertirse en el estandarte de los JJ.OO de Beijing, como primer director de las ceremonias de inauguración y clausura de la 29ª edición de los Juegos Olímpicos de 2008 celebrados en Pekín.

Una vez más, Yimou vuelve a sorprendernos, y lo hace adaptando la ópera primera de los hermanos Coen. El mismo director explicaba los motivos que le habían llevado a rodar la película: “Me gustan todas las películas de los hermanos Coen. Hace unos 20 años, en un festival de cine, vi su primera película, Sangre Fácil, y me impresionó mucho. Siempre me acordé de esta película a pesar de no volver a verla. Un día me vino una idea: ¿Y si convertía Sangre Fácil en una historia china? Así empezó a cobrar forma Una Mujer, una Pistola, y una Tienda de fideos Chinos”. Yimou recrea la infidelidad deslocalizando la historia original en un puesto de fideos chinos del siglo XVII, lo que la convierte en un producto algo naif pero respetando el peculiar sentido del humor negro de los Coen. Una aventura ecléctica que sólo puede entenderse fruto de esa globalización bien defendida por un cineasta que en la última década nos ha sorprendido por su ingeniosa sofisticación referencial y su clara adhesión al cine comercial más refinado. En Una Mujer, una Pistola, y una Tienda de fideos Chinos, Yimou nos enseña rápidamente las cartas. La primera secuencia es de una sencillez aplastante, pero digna de ser enseñada en una escuela de cine. Por colorido, por los diálogos, por el humor. Y a partir de ahí la comedia no abandonará la sala… , como si se tratara de un juego de puertas que se abren y se cierran, todo funciona con una precisión endiablada… hasta el último tercio de la cinta, previa a la resolución de la historia, donde el humor deja paso a la tragedia, cuando los personajes irán encontrando su retorcido destino, y las puertas que han ido abriéndose y cerrándose, acabarán por cerrarse en un antológico final de fiesta.

Mientras China se preparaba para albergar los JJ.OO, Yimou vuelve la mirada a la Revolución Cultural. Auque a diferencia de sus primeras obras, no sea la crítica social, la denuncia, ni tan siquiera el retrato de una época, lo que persiga. Basada en la novela del mismo título del aclamado autor Ai Mi, de la que se han vendido tres millones de ejemplares desde su publicación en 2007, Zhang Yimou dirige Amor Bajo el Espino Blanco, una historia de amor que acontece en un momento trágico de la historia de China. El realizador comenta que quiso rodarla porque en la historia original, el amor y la expresión de ese amor le conmovieron. Se dijo a sí mismo que no era el momento de mostrar las heridas que muchos sufrieron entonces: el dolor está y permanecerá entre ellos. Quiso hablar del amor, y darle forma en imágenes.

A principios de 2012, Zhang Yimou se paseó por la alfombra roja del Berlin Palast para presentarnos su última producción hasta el momento, compartiendo cartel con los actores Christian Bale y Tong Dawei, además de parte de las flores a las que da título su última película, Ni Ni y la inocente Zhang Doudou. The Flowers of War es el retrato que hace Yimou de la masacre de Nanking. Si con Ciudad de Vida y Muerte, Lu Chuan (Kekexili, 2004) se había acercado al mismo incidente humanizando al invasor, introduciendo en el film el punto de vista de los japoneses y convirtiendo a uno de ellos en un héroe, Zhang Yimou ha optado por enfrentarse a la historia como Spielberg hiciera con La Lista de Shindler, enfocando el asunto de forma monocanal. ¿Discutible? Puede ser. Pero lo que juzgamos aquí es su película, de igual manera que cuando veíamos La Diligencia de John Ford hablábamos de los planos, de los encuadres, y no de lo malos que eran los indios.

Con un inicio que bebe de referentes del cine bélico (Salvar al Soldado Ryan, Aftershock o Taegugki), con una encomiable planificación y ejecutando con mano maestra la acción, Zhang Yimou abandona las calles de Nanking para refugiar a sus protagonistas en una iglesia en la que Christian Bale ejercerá junto a un grupo de prostitutas, del Schindler mandarín para las jóvenes estudiantes que forman el coro. Es quizá el actor británico, piedra angular para la distribución internacional de la película, la pieza más frágil del conjunto. Un personaje fallido en su construcción (del negro al blanco hay una gran gama de grises), que a pesar de ofrecer una interpretación correcta, difícilmente se hace creíble para el espectador. Aun y así The Flowers of War es una película recomendable. Y lo que es mejor, Yimou no nos engaña. El director chino es un camaleón. A pesar de disfrazarse de prestidigitador y ofrecernos un gran espectáculo, la película está viva en los pequeños detalles: en la mirada de una niña que a través de la cristalera de una iglesia, descubre la tristeza y crueldad de la guerra… Como hacía en sus pequeñas películas hace años… cuando la escolar perdida, regresaba a clase.

Artículo extraído del reportaje publicado en la revista CineAsia Vol.16: “El cine de Zhang Yimou”.

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La frase de la semana: Zhang Yimou viaja al corazón de la guerra

Si hace un par de semanas os adelantábamos lo que va a llegar, tanto en cine como en lanzamientos en dvd, de cine asiático a España, ahora se nos hacía imprescindible haceros un avance de los títulos más representativos o importantes, a nuestro juicio, que van a aterrizar por tierras asiáticas y que, con algo de suerte, podremos ir viendo (no todos ellos, eso sería una pequeña utopía) en algún que otro festival nacional. Desde prácticamente todas las industrias asiáticas del cine nos llegan importantes trabajos de reconocidos directores: desde Hayao Miyazaki o Takashi Miike en Japón; Johnnie To o Dante Lam en Hong Kong; Bong Joon-ho o Ryoo Seung-wan en Corea; hasta Gareth Evans en Indonesia o Raj Kumar Gupta en India… Multitud de producciones que nos dejan con la boca abierta de par en par a la espera de que Occidente vaya acordándose de ellas en las distintas programaciones de sus certámenes. Cruzaremos los dedos o invocaremos un mantra a ver si nos oyen…

7- Blind Detective (Hong Kong, 2013, Johnnie To)

La frase: To vuelve a unir a su pareja favorita, pero pasando de la comedia para ahondar en el thriller.

De qué va: Un famoso inspector de policía (papel interpretado por Andy Lau) se ve obligado a retirarse después de sufrir un daño en la retina que le deja incapacitado. Sin embargo, el convertirse en testigo presencial del robo a un banco, junto con una investigadora de la policía (Sammy Cheng), va a llevar a la pareja a unir esfuerzos para desenmascarar a los responsables.

Acerca de la producción: Tras dos años implicado en la realización de dos dramas/comedias románticos, Don’t Go Breaking my Heart (2010) y Romancing in Thin Air (2011), el realizador hongkonés regresó el pasado verano por la puerta grande del thriller con Drug War (de la que hablaremos luego) que tuvo su premiere en el Festival de Cine de Roma. Pero tanto el director como la productora Media Asia ya tenían en mente un nuevo proyecto para estrenar durante el 2013. La película, que cuenta con un presupuesto de 11 millones de dólares, y cuyo rodaje ha tenido lugar en las calles de Hong Kong entre los meses de Junio y Octubre del pasado año, ha reunido a una de las parejas más atractivas del panorama asiático, Sammy Cheng y Andy Lau, en lo que supone su cuarta experiencia conjunta con To, tras Needing You (2000), Love on a Diet (2001) y Yesterday Once More (2004). El actor ha comentado en diferentes ocasiones la dificultad que encarna este personaje, ya que por orden del director no se le permitía usar gafas de sol para disimular la ceguera. “Johnnie es así… Cuando tiene clara una idea, no hay actor que le haga cambiar de opinión”.

¿Podremos verla?: El proyecto continúa en fase de postproducción y todavía no tiene fecha de estreno en Asia, aunque sí será a lo largo del 2013 y todo apunta a que su premier tendrá lugar en el Festival de Cannes.

8- The Grandmaster (China, 2013, Wong Kar-Wai)

La frase: El biopic del maestro de las artes marciales Ip Man bajo la atenta mirada del poeta de la imagen Wong Kar-Wai.

De qué va: Una nueva vuelta de tuerca más sobre la historia, y leyenda ya, de Ip Man, el maestro de artes marciales de Bruce Lee.

Acerca de la producción: Los seguidores del director chino Wong Kar-Wai ya estamos acostumbrados a sufrir con el detallismo y los retrasos a los que somete el director a sus producciones. Podemos decir sin temor a equivocarnos que el cine de Wong es cine antes, durante y después de la película. Si con 2046, programada en la penúltima jornada de Cannes, con una intensa rumorología acerca de que la copia que se presentaba era un montaje provisional ya que WKW había tenido problemas para tener lista la película, lo que está sucediendo con su nuevo proyecto, no le va a la zaga. The Grandmaster, que así lleva por título, no se trata de una película cualquiera. Que se nos va a contar la historia de Ip Man desde una óptica diferente a las acometidas en los dos films de Wilson Yip interpretados por Donnie Yen (Ip Man en 2008 e Ip Man 2 en 2010) salta a la vista, aunque la acción está asegurada, ya que el encargado de coreografiar las escenas de lucha no es otro que el gran Yuen Woo-Ping (director de las luchas coreografiadas en obras de culto occidentales como Kill Bill o Matrix). La pareja protagonista de The Grandmasters también es de las que quitan el hipo: Tony Leung, quien ya había trabajado a las órdenes de Wong Kar-Wai antes, y Zhang Zi Yi, justo antes de ponerse a las órdenes de Jan de Bont para rodar la nueva adaptación de Mulan. Completa el reparto Chang Cheng, otro de los actores fetiche de Kar-Wai, al que dirigió en Happy Together y 2046.

¿Podremos verla?: La última película de Wong Kar-Wai, The Grandmasters,  llegó finalmente, tras meses y meses de retraso, a su estación de destino. El pasado 8 de Enero se estrenó en China. A un día de los primeros pases de prensa en China, Wong Kar-Wai continuaba con la posproducción del film en Tailandia. Seguro que en Occidente la vemos primero en el Festival de Berlín. En España, ya tiene los derechos adquiridos, así que no tendremos que esperar demasiado para disfrutarla en nuestros cines.

9- The Monkey King (China/HK, 2013, Soi Cheang)

La frase: La novela más famosa de Asia podríamos decir ya, Journey to the West, de la mano de Soi Cheang.

De qué va: La leyenda del Rey Mono ha hecho salir del thriller al director Soi Cheang quien esta vez prepara una superproducción de aventuras y fantasía, con un Donnie Yen al que será difícil de ver por la cantidad de maquillaje y efectos que lleva encima (5 horas ni más ni menos tardan cada día en caracterizarlo).

Acerca de la producción: Este año parece ser el de nuestro guerrero mono favorito, puesto que Stephen Chow le sigue a la zaga a esta producción con su Journey to the West, de la que hablaremos luego. Para esta The Monkey King, Soi Cheang no ha escatimado recursos: alrededor de 2.600 escenas de efectos especiales y multitud de cromas para recrear el fantástico y mítico mundo de los dioses, guerreros y demonios de la historia original. Tampoco en actores se ha quedado corto el director: nada más y nada menos que Donnie Yen para interpretar al ‘personaje-animal’ principal, seguido de estrellas como Chow Yun-Fat, Aaron Kwok, Kelly Cheng o Gigi Leung. Rodada en 3D, la película se podrá ver también de forma internacional en cines IMAX.

¿Podremos verla?: Difícil va a ser “pillarla” este año por estos lares. De momento su fecha de estreno es el 20 de Noviembre de 2013 en China… pero, ¿podría llegar antes a algún festival de los tardíos en el año? Lo veremos…

Algunos títulos más a los que estar atentos en este 2013 provenientes de China, Hong Kong o Taiwán:

Antes de introducirnos en las producciones chinas propias del 2013, merece la pena comentar una serie de títulos estrenados en el último trimestre del pasado año. Empezando por el esperado regreso de To al cine de tríadas. Drug Wars de Johnnie To se proyectó como película sorprensa en el Festival de cine de Roma. Más de treinta años después de su debut, con una filmografía que cuenta con más de cincuenta títulos como director, el realizador hongkonés Johnnie To regresa al género que le aupó entre la crítica especializada como un director de culto, y lo hace en colaboración con su “cómplice habitual”, director y guionista Wai Ka-fai (co-guionista de la película). Drug Wars, ambientada en la China continental, aborda el tema del tráfico de drogas de una manera que nunca antes se había visto en China. Film de gángsters, coreografiado con un sentido de lo espectacular por Johnnie To, reúne algunas de las estrellas más famosas de China continental y Hong Kong: Louis Koo, Sun Honglei, Xiao Cong, Yin Zhusheng, Gao Yunxiang. No son muy prometedoras las críticas que llegan de la última película de Jackie Chan como director/actor, Chinese Zodiac (tercera entrega de la serie La Armadura de Dios) que se estrenó en China el 20 de Diciembre, a pesar de que hasta el momento se ha convertido junto a Lost in Thailand como una las cintas más taquilleras del año. Jackie ha querido que la que él ha definido como su “última película de acción”, tuviera los ingredientes que el público quiere ver: escenarios espectaculares (China, Taiwán, Francia, la isla vantau en el Pacífico Sur), y escenas de riesgo nunca vistas hasta el momento. La competencia ha sido grande en la cartelera, ya que en las mismas fechas se estrenaba en China, The Guillotines (Andrew Lau, 2012). Un film que había pasado por enormes dificultades de pre-producción, que ocasionaron la sustitución del director inicialmente previsto, Teddy Chen. El film producido por Peter Chan,  que repite el equipo que llevó a cabo Bodyguards & Assassins, es un remake de una de los clásicos de la Shaw Brothers, y luce un look espectacular en los trailers que han trascendido hasta el momento. Junto a The Guillotines podrá verse en el Mercado de cine de Berlín el último de los estrenos chinos del año 2012, The Last Tycoon (Wong Jing). Trazando el ascenso y la caída de la vida real del gángster Cheng Daqi, la película abarca tres décadas en el campo de batalla de Shanghai, dando inicio en 1913.

El primer gran estreno del año en China viene de la mano de uno de sus directores más queridos. Hace tiempo que el aficionado esperaba un nuevo proyecto del director chino Stepen Chow (tras sus cuatro años de ausencia detrás de las cámaras después de dirigir CJ7). Su nueva película, que ha sido producida por Huayi Brothers y co-dirigida por Derek Kwok (Gallants), contiene todos los elementos propios de una película de Chow: fantasía, artes marciales, una historia de amor y ese especial sentido del humor del director. El trailer nos muestra que Journey to the West se centrará en la historia del Rey Mono (al igual que lo hará este año la película de Soi Cheang, Monkey King), pero bajo la lupa cómica de Stephen Chow, con lo que el público va a gozar de un nuevo enfoque de una de las historias más conocidas de la literatura oriental escrita a lo largo de la dinastía Ming, centrada en las aventuras de Sun Wukong, y que contará con el aliciente de tener a Shu Qi como una de sus protagonistas. Journey to the West tiene previsto su estreno en China coincidiendo con el año Lunar, en Febrero 2013. Además de su faceta como productor, Peter Chan (Perhaps Love) volverá a ponerse detrás de las cámaras con Amercian Dreams in China, un film que versa sobre la amistad, la lealtad y la traición. La película producida por We Pictures y China Film Group, y que cuenta con la mayor parte de los colaboradores de Chan, entre los que se encuentra Christopher Doyle como director de fotografía, sigue los sueños de tres amigos dispuestos a construir un imperio financiero que entronca con el telón de fondo de los acontecimientos históricos que se han producido en China lo largo de tres décadas desde el inicio de las reformas económicas hasta hoy en día.

El mundo del thriller en Hong Kong no sería lo mismo sin una película de Dante Lam. Tras The Viral Factor, el director vuelve a contar con su actor fetiche Nick Cheung al que acompañará un nuevo compañero, Daniel Wu en That Demon Within. Producida por Emperor Motions Pictures, la trama del film (que guarda un gran parecido con un hecho real que aconteció a un ex policía hongkonés en 2007) se centra en la figura de un policía que en su delirio cree que sólo él es capaz de ver los delitos que comete un ex convicto, papel que recaerá en Nick Cheung. Los Hermanos Pang no se resignan a conseguir un nuevo blockbuster y para ello cuentan con los 18 millones de presupuesto que Universe Films ha invertido en su nuevo proyecto, Infierno 3D, una superproducción que unirá a dos bomberos, Lau Ching-wan y Louis Ko en su lucha por sofocar uno de los incendios más devastadores que se han producido. La actriz Angelica Lee será el contrapunto femenino de la película. A pesar de los continuos retrasos en su calendario, todo indica que este 2013 podremos ver el remake de Iceman Cometh (Clarence Fok, 1989), dirigido e interpretado por Donnie Yen, y siguiendo la moda, en 3D. Hace unos días dio inicio el rodaje de esta película en la que se han invertido 20 millones de dólares. Y para acabar el repaso, no queremos olvidar uno de los films más esperados, The Assassins, el nuevo trabajo de Hou Hsiao-hsien, que lleva en proyecto desde que hablamos con el propio director en el Festival de cine de Las Palmas con motivo de la presentación de Tiempos de amor, juventud y libertad en 2005. Las últimas informaciones confirmaron el inicio del rodaje de esta co-producción entre Taiwán, China y Japón el pasado mes de Octubre. El reparto incluirá a Shu Qi, Chen Chang, el actor japonés Satoshi Tsumabuki y los taiwaneses Jack Kao y Hsieh Nikki.

10- Ghanchakkar (India, 2013, Raj Kumar Gupta)

La frase: El dúo protagonista de The Dirty Picture, vuelven a la pantalla en un Rififi a la india.

De qué va: Sanju (Emraan Hashmi) es un atracador al que le gusta lo mejor de la vida. Casado con una ambiciosa mujer (Vidya Balan) está dispuesto a dar un último golpe. Para ellos se asocia con dos peligrosos delincuentes. Todo parece estar saliendo bien, hasta que llegado el reparto del dinero, nadie sabrá bien a quién está engañando.

Acerca de la producción: Raj Kumar Gupta es uno de los realizadores más interesantes del panorama indio actual. Tuvimos oportunidad de charlar con él cuando participó como jurado en el Festival Cines del Sur en Granada en 2011, donde presentaba fuera de concurso su segunda película No One Killed Jessica (producción en la que gestó una gran amistad con la actriz Vidya Balan). Mucho es lo que espera el público de esta nueva producción de UTV Motion Pictures ya que los films de Gupta deambulan entre las grandes producciones pero sin perder de vista la independencia del realizador a la hora de filmar egún sus propios patrones. El actor Emraan Hashmi ya lo dejó claro en una entrevista previa al rodaje del film: “Ghanchakkar es uno de los mejores guiones que he leído en los últimos tiempos. Es comercial, repleto de giros y sorpresas y muy entretenido para el espectador. Estoy seguro de que ésta va a ser una película muy importante en mi carrera.” Por cierto, el plan de rodaje de la película se ha adecuado a la agenda de Vidya Balan, ya que tiene prevista su boda coincidiendo con el final del rodaje para disfrutar de un año sabático por delante.

¿Podremos verla?: La película se estrena el 21 de Junio en India. Más allá de esta fecha va a ser difícil pronosticar cuándo la veremos en nuestro país. Pero una cosa tenemos clara en CineAsia, esta película va a dar mucho de qué hablar.

11- Krrish 3 (India, 2013, Rakesh Roshan)

La frase: No es Batman, ni Superman… es Rohit Mehra, más conocido como Krrish, el superhéroe más grande que ha dado la industria de cine de Bollywood.

De qué va: Todo son rumores acerca de la nueva producción dirigida por Rakesh Roshan. Lo que ha trascendido a la prensa y siempre por canales extraoficiales es que la película dará inicio justo donde acabó Krrish, en la boda entre el superhéroe y su amada, papel interpretado por Priyanka Chopra. La pareja tendrá un hijo, que gozará también de superpoderes, pero se pasará al lado oscuro. Y claro, su padre tendrá que hacer algo al respecto.

Acerca de la producción: Tras el éxito de Krrish, el director Rakesh Roshan planeaba desarrollar una secuela de la película con su principal estrella Hrithik Roshan, como protagonista. Contaba con un primer borrador de guión, pero tuvo que volver a trabajar en él, debido a las similitudes de la historia con la superproducción de Hollywood Spider-Man 3. No es fácil ver a un padre y a su hijo coincidir a un lado y a otro de la cámara. Muchos son los que conocen a la gran estrella del cine de Bollywood, Hrithik Roshan, pero pocos son los que conocen a su padre, Rakesh Roshan, que empezó también como actor en la industria india, pero que pronto cambió la interpretación por la dirección. Juntos han rodado las tres partes que conforman la trilogía de este superhéroe: Koi Mil Gaya (2003), Krrish (2006), y la próxima, Krissh 3 (2013). Las dos primeras cintas han alcanzado el grado de blockbusters en India. El rodaje de la película comenzó el 1 de diciembre de 2011 con Vivek Oberoi, Kangna Ranaut y Priyanka Chopra. Sin embargo, Hrithik Roshan no participó durante la primera fase del rodaje debido a una lesión producida en la espalda. Muchos han sido los problemas de producción, a los que se añadió, hace unas fechas, el accidente en Hyderabad de la actriz Shaurya Chauhan, pero también son muchas las esperanzas que hay con el resultado final.

¿Podremos verla?: La película se estrena en una de las fechas más importantes para el mercado indio, en el Diwalli 2013 (Noviembre 2013). En dos formatos, 3D y Digital. ¿La veremos en España? Por soñar que no quede.

Algunos títulos más a los que estar atentos en este 2013 provenientes de India:

El realizador indio Bejoy Nambiar irrumpió en la escena de Bollywood en 2011 con el thriller Shaitan, que logró recuadar en taquilla el triple de su presupuesto. El 1 de febrero de 2013 estrena su nueva película, David, que mezcla el thriller, el drama la acción y el género romántico, producida por Reliance Big Pictures. La particularidad de este film es que se ha rodado simultáneamente para el mercado de Bollywood y para el tamil, en dos versiones diferentes: mientras que la cinta que se estrenará en Mumbai sigue en su historia a 3 personajes (la historia sigue a 3 Davids diferentes, en 3 momentos diferentes de la historia y que viven en 3 países diferentes), para el mercado tamil, la historia se ha reducido a dos, ya que el tercer personaje no emparentaba muy bien con las expectativas del público tamil. Para ver una de nuestras películas más esperadas del año tendremos que esperar al 12 de Julio, fecha en el que está previsto el estreno de la nueva cinta escrita, producida y dirigida por Rakeysh Omprakash Mehra (Rang de Basanti) que narra la historia del atleta indio Milkha Singh, más conocido con el sobrenombre de ‘Flying Sikh’, Bhaag Milkha Bhaag. Milkha Singh ha vendido su historia autobiográfica por una sola rupia. Los beneficios que le correspondan por la película se utilizarán para ayudar a aquellos atletas más necesitados. El nombre del film procede de las últimas palabras pronunciadas por el padre del atleta, que salvó la vida de su hijo y de su propia familia durante los disturbios que acontecieron tras la partición de la India. La historia de Bhaag Milkha Bhaag habla de la perseverancia de un deportista y también del espíritu de valentía que debe tener cualquier persona libre.

Sin duda el número 3 va a dar mucho que hablar este año en la cartelera india. Tendremos que esperar hasta el 25 de Diciembre para asistir al estreno de la tercera entrega de la serie Dhoom. La película estará protagonizada por Aamir Khan y Katrina Kaif en los papeles de antagonistas de los personajes interpretados por Abhishek Bachchan y Uday Chopra, y con el cameo de John Abraham. Motos, velocidad, acción, 3D e Imax para garantizar un nuevo blockbuster de una de las series más taquilleras de la historia del cine indio. ¿Alguna noticia del mercado tamil? Muchas han sido las especulaciones sobre la siguiente película de Rajinikanth (actor por excelencia del mercado tamil), después de su anterior éxito Enthiran dirigida por S. Shankar (2010). Todo hacía prever que su siguiente producción sería Rana, un film de corte histórico dirigido por KS. Ravikumar. Sin embargo el agotamiento que arrastraba el actor y su internamiento en un hospital retrasaron el proyecto hasta llegar a su cancelación. Este 2013 parece que su regreso está asegurado, tras el anuncio de su propia hija Soundarya R. Ashwin que le ha dirigido en la primera película rodada en 3D por captura de movimiento (con una tecnología similar a la utilizada en Avatar) en la industria tamil, Kochadaiyaan. Un film épico, con multitud de marketing viral en la red en forma de teasers, que puede devolver a Rajinikanth a su estatus como gran estrella del cine indio.

12- Tom Yum Goong 2 (Tailandia, 2013, Prachya Pinkaew)

La frase: Esta vez la lucha va más allá.

De qué va: Kham (Tony Jaa) el último de una familia de criadores de elefantes que protegieron el trono en la guerra de Tailandia, después de una angustiosa búsqueda personal que le ha mantenido alejado de todo, regresa a su pueblo a vivir en paz. Pero para alguien experto en las artes marciales como él, la paz no es más que una ilusión.

Acerca de la producción: Algo ha cambiado desde 2005, año en el que se estrenó Tom Yum Goong. Las escenas de artes marciales del film fueron rodadas bajo la premisa “No Sling. No stunt” (Sin cables. Sin especialistas) y con escenas de acción reales de su actor principal Tony Jaa. En la película, el muay thai de Jaa iba más allá, al enfrentarse con otras disciplinas como el Capoeira (arte marcial brasileño) o el K1 Boxing. Sobre este tema Tony Jaa comentó: “Para Ong Bak fomentamos el que no hubiera ni cables, ni especialistas. Como resultado, el boxeo tailandés y yo fuimos reconocidos internacionalmente. Quiero agradecérselo a las personas que me inspiraron”. Muchos han sido los avatares por los que ha pasado el actor Tony Jaa después del estreno de la película y el posterior estreno de Ong Bak 3: desapariciones misteriosas con gángsters de por medio, encierros espirituales…El director Prachya Pinkaew junto con el director de acción y coreógrafo Panna Rittikrai han vuelto a reunir al equipo que hizo posible Ong Bak, al que se ha unido la actriz protagonista de Chocolate, Yanin Mitananda, y aupado por las nuevas tecnologías, 3D y CGI, buscarán dar un giro a la carrera del actor, que parece más asentado después de haberse casado. Licenciado en arquitectura, Prachya Pinkaew inició su carrera en el cine como creativo y director artístico en 1992. Tras dirigir algunos vídeos musicales por los que obtuvo más de un premio, ese mismo año realizó su primera película, The Magic Shoes, seguida en 1994 por Romantic Blues. En 2003, su tercer film, Ong Bak, recibió varios galardones en festivales internacionales del orden de Deauville o Sitges, además de catapultarlo a la fama como el nuevo líder en el cine comercial en Tailandia.

¿Podremos verla?: El estreno en Tailandia está previsto para Mayo de 2013, aunque todavía no hay ningún trailer circulando por la red. Sería de esperar que acudiera al Mercado de cine de Cannes y de ahí que saltara a algún que otro festival…

13- Berendal (Indonesia, 2013, Gareth Evans)

La frase: La premisa lo deja claro: Más grande, mejor y más sangrienta.

De qué va: La acción de Berendal arranca media hora después de finalizar The Raid. El inspector de policía interpretado por Iko Uwais se ve obligado a infiltarse en las filas del sindicato del crimen de Yakarta con el fin de proteger a su familia y descubrir la corrupción en el seno de su propia fuerza policial.

Acerca de la producción: Los aficionados ya pueden respirar tranquilos. La película que más aplausos por minuto ha conseguido en el Festival de cine de Sitges, The Raid, tiene continuación…, se titula: Berendal. Aquellos que conocen la afición del director Gareth Evans por su cuenta de twitter ya saben que el rodaje de la película dio inicio el pasado 19 de Enero en Indonesia, después de un cuidada pre-producción que se alargó durante varios meses. La primera jornada, maratoniana, de más de 16 horas de rodaje, ya dejó claro a todo el equipo lo que se espera de ellos: algo más grande, mejor y más sangriento. El director ha confirmado que la a secuela no va a repetir la fórmula de la primera película (situando la acción en un solo escenario: el edificio ocupado por la mafia), sino que la acción se llevará al exterior, a las calles de Yakarta. A los primeros actores confirmados, entre los que figura el protagonista de la primera parte, Iko Uwais, se han sumado en los pasados días los actores indonesios, Julie Estelle (Macabre), Alex Abbad (Merantau) y Marsha Timothy (The Forbidden Door). Y hace unas horas saltaba la noticia: la inclusión de un trío de actores japoneses que conectarán la yakuza con la mafia de Yakarta: Ryuhei Matsuda (Nightmare Detective), Kenichi Endo (uno de los fijos de Takashi Miike) y Kazuki Kitamura.

¿Podremos verla?: No está confirmado el estreno de Berendal en 2013. De hecho muchas de las fuentes consultadas afirman que la producción indonesa se estrenará en 2014. Aunque tal y como están las cosas no está de más soñar un poco. Sabemos que Gareth Evans si se lo propone, puede conseguir alegrarnos este 2013.

Un reportaje de Gloria Fernández y Enrique Garcelán 

1- Straw Shield  (Japón, 2013, Takashi Miike)

La frase: La ruta suicida de Takashi Miike.

De qué va: Tres meses después del asesinato de su nieta, un poderoso político japonés anuncia en prensa la recompensa de 1 millón de dólares para aquél que acabe con la vida del sospechoso del asesinato de la pequeña que permanece fugado. El sospechoso, temiendo por su vida, se entrega a la policía. Tanto a éste como a la policía les aguardan1.200 kilómetros (distancia que los separa de Tokio) para ser atacados por parte de la población japonesa, ansiosa por hacerse con la recompensa.

Acerca de la producción: La hiperactividad es un rasgo característico en la filmografía del realizador japonés Takashi Miike. Si hace unos meses nos hacíamos eco de la premiere mundial de su penúltima película en el Festival de Cine de Roma Lessons of the Evil días antes de su estreno en Japón (al referirnos al director japonés siempre es mejor hablar de su penúltima película y dejar lo de última, para no cometer ningún error), y cuando el film cumplía una semana en cartel con críticas positivas y un segundo puesto en el box office (250.000 espectadores en el primer fin de semana), salía a la luz el primer teaser de su próxima película (no nos atrevemos a decir que es la última), Straw Shield. Un film basado en la novela “Wara no Tate” de Kazuhiro Kiuchi (publicada en Octubre de 2004 en Japón), y que tiene una premisa similar a la Ruta Suicida de Clint Eastwood. La película está protagonizada por Tatsuya Fujiwara, actor muy marcado por su personaje en el film de Kinji Fukasaku, Battle Royale, pero que está recobrando el pulso en sus últimos papeles .

¿Podremos verla?: Straw Shield se estrenará el próximo 26 de Abril en Japón de la mano de Warner, por lo que no es raro aventurar que podríamos verla en España antes de que acabe el año… si uno de nuestros ‘gorilas’ favoritos nos lo permite.

2- Why Don’t You Play in Hell? (Japón, 2013, Sion Sono)

La frase: Kill Bill tiene una hermana gemela, en forma de superproducción nipona y dirigida por Sion Sono.

De qué va: La historia se centra en un grupo de personajes que están unidos por el odio. Un odio creciente que alcanza su punto de ebullición mediado el metraje de la cinta. Muto quiere desesperadamente ayudar a su hija Mitsuko (Fumi Nikaido) en su carrera como actriz. Su más acérrimo enemigo, Ikegami, a pesar de odiarle profundamente, está completamente enamorado de Mitsuko. La situación se tensará hasta puntos insospechados con la presencia de dos personajes más: el director de la película que ha de interpretar la joven y un hombre misterioso llamado Koji.

Acerca de la producción: A finales del mes de Septiembre pasado, cuando todavía se escuchaban los ecos de su última producción The Land of Hope, Sion Sono anunció en rueda de prensa su próximo proyecto. Como el director reconocería: “Tengo ganas de hacer una película de acción. Necesito divertirme un poco”. Para ello ha echado mano de un guión propio, escrito hace 15 años, y de muchas ganas de pasarlo bien, tanto él como el público a quien va dirigida. Protagonizada por el director Shinichi Tsutsumi (del que, entre sus joyas, habría que resaltar Monday), también estarán en ella Jun Kunimura (Outrage) y Fumi Nikaido, quien precisamente ganó un premio en Venecia por su interpretación en la película de Sono, Himizu.

¿Podremos verla?: El estreno de la película en Japón está fijado para Marzo de 2013, por lo que no sería de extrañar una premiere durante el próximo Festival de Cine de Berlín.

3- The Wind Rises -Kaze Tachinu (Japón, 2013, Hayao Miyazaki)

La frase: Hayao Miyazaki vuelve a la dirección después de 5 años de sequía y de la mano de su hobbie favorito: los aviones.

De qué va: Escrita por el propio Miyazaki y basada en el manga del mismo título que él mismo escribió, The Wind Rises se adentra en la vida de Horikoshi Jiro, diseñador del avión de guerra japonés Mitsubishi A6M Zero (aviones kamikaze) que fue imprescindible para el ejército de Japón en la 2ª Guerra Mundial.

Acerca de la producción: Tras cinco años de silencio en la dirección (su último trabajo fue Ponyo, en el Acantilado en 2008), Hayao Miyazaki y su Studio Ghibli vuelven a la palestra con esta historia que ya serializó en forma de manga el propio director en la revista mensual Model Graphix en 2009. A su vez, la historia que planteaba el manga era la particular versión de Miyazaki de la novela corta de Tatsuo Hori titulada igual, Kaze Tachinu, y que fue escrita entre 1936 y 1937.

¿Podremos verla?: El estreno en Japón está previsto para el verano de 2013, estreno que se producirá en paralelo con otra producción de Ghibli, Princess Kaguya Story de Isao Takahata. De momento, no ha trascendido en qué festival tendrá su premier mundial…

Algunos títulos japoneses más a los que estar atentos en este 2013:

Ya hemos avanzado el otro estreno de animación del Studio Ghibli para este año: Princess Kaguya Story (Kaguya-Hime no Monogatari) de Isao Takahata. Una historia basada en un cuento del folklore popular japonés con origen en el siglo X, The Tale of the Bamboo Cutter, y que cuenta la historia de la princesa de la luna, Kaguya, a la cual también referenció ya Takahata en su trabajo de 1999 Mis Vecinos los Yamada. Tanto esta cinta, como la anterior comentada de Miyazaki (The Wind Rises), tienen previsto su estreno conjunto en las salas niponas el próximo verano (cosa que ya hicieron ambos directores, fundadores del Studio Ghibli, en 1988 cuando estrenaron a dúo Mi Vecino Totoro y La Tumba de las Luciérnagas).

CineAsia ya ha publicado esta semana acerca del primer estreno importante del año en Japón: Yoji Yamada, uno de los directores clásicos por excelencia del cine nipón, estrenaba el 19 de Enero su Tokyo Family.

Seguimos nuestro repaso con Library Wars, del director de las dos partes de Gantz, Shinsuke Sato, que tiene previsto su estreno el 27 de Abril en Japón. Adaptación de una serie de novelas del escritor Hiro Arikawa, Library Wars nos plantea un futuro sin libros: las fuerzas armadas del gobierno censor se enfrentarán con un nuevo ejército, las Fuerzas de Defensa de las Bibliotecas. Esperaremos a ver qué nos puede ofrecer esta cinta sci-fi con ecos a lo “Fahrenheit 451″, ¿no os parece? Pasamos a hablar ahora de uno de los grandes: después de su última producción, la serie Shokuzai, Kiyoshi Kurosawa tiene nueva película, Riaru Kanzen: Naru Kubinagaryu No Hi (The Day of the Real, Perfect Plesiosaur). El film narra la odisea de Koichi (Takeru Sato, nuestro ‘Kenshin’ favorito) cuando se embarca en un experimento a través del cual conseguirá adentrarse en la mente de su novia en coma. Su mayor deseo, saber por qué ella decidió suicidarse. Lo que se encontrará: otra búsqueda, la de un dibujo que ella pintó hace ya mucho tiempo. Basada en la novela del mismo título y publicada en 2011, la nueva cinta de Kurosawa tiene previsto su estreno también en la época veraniega en Japón. Parece que el J-Horror no puede separarse mucho de Hideo Nakata, o al revés, que vuelve con una producción de fantasmas, niños “raritos” y ruidos extraños en apartamentos con historia truculenta detrás. ¿Más de lo mismo? Ya lo veremos… The Complex está protagonizada por la ex-AKB48 (grupo J-Pop), Atsuko Maeda, y por Hiroki Narimiya, a quien recientemente lo hemos visto en Ace Attorney. La premier mundial tuvo lugar el pasado 27 de Enero en el Festival Internacional de Cine de Rótterdam en su sección “Spectrum” (con lo que podemos ver ya las primeras críticas) y su estreno en Japón está previsto para el 18 de Mayo de 2013. Y las dos últimas producciones de las que hablaremos se estrenarán después del verano, ya empezado el mes escolar: Eien no Zero de Takashi Yamazaki (Always…, Space Battleship Yamato) y Unforgiven de Lee Sang-il (Hula Girls). La primera es una cinta bélica en la que unos engañados nietos decidirán buscar la verdad sobre su abuelo desconocido, quien supuestamente murió como piloto kamikaze (pilotos llamados ‘Zero’) en un ataque aéreo muy poco antes del término de la 2ª Guerra Mundial; la segunda, Unforgiven, es el esperado remake del Sin Perdón de Clint Eastwood, de la mano de Warner Bros y con Ken Watanabe a la cabeza del reparto. Su estreno 13 de Septiembre en los cines japoneses. La que seguro no verá la luz en este 2013 será el live action de Advancing Titans: hace unas semanas Tetsuya Nakashima (Confessions) abandonaba el proyecto por cuestiones de discrepancias sobre el guión y algunas otras cosas. Kodansha, la editora del manga en el que está basada esta producción, Attack on Titan, está decidida a seguir adelante con el proyecto bajo la batuta de un nuevo realizador para que se estrene finalmente en 2014. Veremos qué ocurre.

4- Snowpiercer (Corea del Sur, 2013, Bong Joon-ho)

La frase: El tren de la muerte con destino a ninguna parte.

De qué va: Adaptación a la gran pantalla del cómic ‘Rompenieves’ (‘Le Transperceneige’) de Jacques Lob y Jean-Marc Rochette, ambientado en un futuro post-apocalíptico donde los últimos seres humanos son pasajeros de un gigantesco tren que avanza por un mundo cubierto de hielo y nieve.

Acerca de la producción: De los tres proyectos que iniciaron Bong Joon-ho, Park Chan-wook y Kim Jee-won en Estados Unidos, el que con más sigilo ha llevado su carrera es la adaptación que Bong Joon-ho ha realizado del cómic francés Le Transperceneige. Las notas de producción son escasas, así como las imágenes y/o trailers del proyecto. Hace unos meses, tras la proyección de diez minutos del metraje de Snowpiercer en el American Film Market, se hizo público que el proyecto global de la compañía coreana CJ Entertainment había encontrado socio para su distribución en Estados Unidos, Canadá, Australia y Nueva Zelanda: la Weinstein Company. Recordemos que la compañía coreana ha invertido hasta el momento 40 millones de dólares en su producción, la cifra más alta alcanzada para una producción coreana, y necesitaba urgentemente un socio para su distribución internacional. El film cuenta con un reparto de auténtico lujo: Chris Evans, Ed Harris, John Hurt, Jamie Bell, Octavia Spencer, Tilda Swinton y, sobre todo, el excelente Song Kang-ho. Como curiosidad, el aficionado ya puede escuchar uno de los temas de la banda sonora compuesta por Marco Beltrami (3:10 to Yuma, The Hurt Locker) y aquí os enseñamos la única foto que se conoce de la cinta.

¿Podremos verla?: Hasta la fecha lo único que se conoce es que el film será estrenado a lo largo de 2013, pero no se ha anunciado ni fecha, ni festival (aunque algunas informaciones apunten a que en Agosto se estrena en Rusia y Dinamarca). Corea anunciará la fecha de estreno después de que se haya confirmado el estreno americano.

5- The Berlin File (Corea del Sur, 2013, Ryoo Seung-wan)

La frase: Thriller de acción cuyo argumento gira entorno a tres agentes secretos de las dos Coreas, y a una mujer, que están envueltos en una inesperada conspiración que tiene a un lúgubre Berlín como telón del fondo.

De qué va: Un agente surcoreano (Han Suk-kyu) que trabaja para la Agencia Nacional de Inteligencia, descubre la existencia de un agente norcoreano (Ha Jung-woo), alias “el Fantasma”, que trabaja a la sombra en Berlín. Enterado de estos hechos el gobierno de Corea del Norte, envía a Europa a otro agente (Ryoo Seung-bum) a supervisar las actividades de su compañero. Un compañero que está casado con una intérprete (Gianna Jun) que trabaja enla Embajada de Corea del Norte de Berlín. Una mujer que guarda un poderoso secreto… incluso para su marido…

Acerca de la producción: En 2011, cuando el director coreano Ryoo Seung-wan (The City of Violence) presentó en Sitges su última película The Unjust, mantuvimos una conversación con él. En nuestra última pregunta le interrogábamos acerca de su próximo proyecto, un thriller de acción que acontecía en Europa y en el que la problemática entre las dos Coreas era pieza clave del argumento: “De momento puedo avanzar que el guión ya está casi finalizado y que ahora estamos centrados en el casting y buscando las localizaciones. Desde luego, la próxima vez que venga a Sitges no voy a venir como miembro del jurado… hay que ver muchas, muchísimas películas (se ríe). Espero que nos reencontremos en el Auditorio con The Berlin File“. Un film con un reparto sencillamente espectacular: Han Suk-kyu (Shiri), Ha Jung-woo (The Chaser), Gianna Jun (The Thieves), y el hermano del director, Ryoo Seung-bum (The Unjust), que CJ Entertainment ve como una de sus principales bazas para conquistar el mercado internacional. Con un presupuesto que ronda los 10 billones de won, un director de acción viejo conocido del realizador, Jung Doo-hong (A Bittersweet Life), la mitad del rodaje realizado en Europa, y una estructura narrativa próxima a los films de 007 o Bourne, The Berlin File es una de las películas coreanas más esperadas del 2013.

¿Podremos verla?: La fecha de estreno en Corea está fijada para el 31 de Enero, o sea ¡ya! En EEUU tendrán que esperar sólo 15 días más, el 15 de Febrero. Por estos lares, confirmado que de momento lo más cerca es poder verla en el Festival de Berlín que comienza en breve, en el resto… a esperar.

6- Pluto (Corea del Sur, 2012, Shin Su-won)

La frase: ¿Qué pasaría si Confessions se trasladara a un colegio de élite coreano? La respuesta la tienes delante y se llama: Pluto.

De qué va: “Si quieres ser el primero de la clase, y eres el nº 67, tendrás que matar a los 66 que tienes delante tuyo”. Toda una declaración de intenciones es la frase que uno de los alumnos que protagoniza la película, en concreto el nº 1 de una escuela de élite coreana, le dice a otro alumno recién llegado al centro, el nº 67 en el ranking. El asesinato de uno de los estudiantes del colegio, desencadenará una investigación para determinar al autor del crimen. Pero no todo es tan fácil como parece.

Acerca de la producción: La directora Shin Su-won (que mantiene inédita su primera película en Corea, pero que causó sensación en la Semana de la Crítica de Cannes con su cortometraje “Circle Linewas”), consigue arrinconar a lo largo de 117 minutos al sistema educativo coreano, en un film corrosivo que bebe de Confessions en algunos de sus pasajes. La película contó con el apoyo del programa del KOFIC para producciones independientes en el 2011, siendo proyectada en el pasado Festival de Cine de Busán y en el próximo Festival de Cine de Berlín. Pluto forma un triunvirato con otras dos películas coreanas recientes, Bleak Night (2010) y The King of Pigs (2011), en las que se demuestran los efectos traumáticos de humillaciones y otras formas de abuso psicológico en las aulas. Poético y descorazonador, los alumnos que protagonizan Pluto se convierten en planetas invisibles de una hipócrita sociedad (como el propio planeta Plutón al que hace referencia el título de la película, renombrado oficialmente “134340”, debido a su pequeño tamaño), una sociedad, la coreana, que persigue resultados por encima de sueños.

¿Podremos verla?: La película todavía no se ha estrenado comercialmente en Corea. Esperemos que después de su pase en Berlín, finalmente llegue a las pantallas coreanas. ¿En España…? Vamos a hacer todo lo posible para que la película pueda verse. Se lo merece.

Algunos títulos coreanos más a los que estar atentos en este 2013:

Sólo citaremos unos pocos títulos a tener en cuenta de entre la avalancha de producciones coreanas que hay previstas para este año (el año pasado cerca de 160 películas vieron la luz en los cines de Corea… nada más y, nada menos). No nos gustaría obviar una de las películas más interesantes filmadas en Corea en el 2012 (su estreno tuvo lugar en Noviembre pasado), ganadora en varios festivales, entre los que se encuentran Toronto, el Tokyo Internacional Film Festival y en el Cinemanila filipino. La película no es otra que Juvenile Offender, el nuevo trabajo de Kang Yi-kwan (que presentó en San Sebastián su primera película Sakwa), un amargo a la par que esperanzador golpe de tuerca a la figura del delincuente juvenil coreano. Un personaje que las películas algunas veces obvian, pero que desgarra a la vez que plantea cuestiones sobre las soluciones judiciales y políticas a la hora de resolver problemáticas que requieren de una más compleja resolución. Un film muy recomendable y que sin duda volará por algún festival de nuestro país. Además no deberíamos pasar por alto el último de los blockbusters coreanos del 2012 estrenado el 25 de Diciembre y que en un mes en cartel ha llevado al cine a más de 5 millones de espectadores, The Tower. Una producción de CJ Enterteinment con una trama que deja lugar a la duda. Nos encontramos ante un film de catástrofes, que bebe de referentes como El Coloso en Llamas o Llamaradas, y que conociendo los gustos coreanos, tendrá un componente melodramático acentuado (me viene a la memoria Haeundae).  Un dato: El director Ki Ji-hun ha aprendido la lección tras los resultados de taquilla conseguidos con Sector 7 (un film que, a pesar de sus carencias, continuamos reivindicando).

Una de las primeras producciones en ver la luz en 2013 será The New World (Shingegye) que tiene previsto su estreno en Corea el próximo 21 de Febrero. Dirigida por Park Hoon-jeong (director de Showdown y guionista de The Unjust), este thriller cuenta la historia de un detective infiltrado dentro de una de las mayores bandas del crimen organizado de Corea; a la muerte del líder, nuestro protagonista deberá escoger entre la fidelidad al segundo de a bordo o la lealtad a sus superiores en la policía que lo ven simplemente como un cebo. Atentos porque Choi Min-sik encabeza el reparto, seguido de Lee Jung-jae (The Thieves, The Housemaid) y Hwang Jung-min (Moby Dick, The Unjust), dos grandes actores también. Por su parte, la mega-compañía coreana Lotte Entertainment llevará a cabo el estreno a lo largo del año (fecha sin confirmar) de su primera co-producción con Japón: Anonymous Person, dirigida por Kim Sung-soo (Musa, the Warrior), que contará con un elenco de actores japoneses y coreanos y que se rodará prácticamente en un 90% en el país del sol naciente. La historia: un thriller de misterio basado en la novela japonesa “Genome Hazard”, en el que un hombre que ha perdido por completo la memoria se ve envuelto en un caso de asesinato mientras un grupo misterioso de personas le persigue. Pero Lotte Ent. no sólo tiene co-producciones, tiene a ‘tiro de estreno’ Tazza 2: Hand of Good (título todavía en ‘cuarentena’). La segunda parte de Tazza: The High Rollers está dirigida por Kang Hyoung-chul (Speed Scandal, Sunny). Seguro que con los antecedentes de público de su predecesora (más de 6 millones y medio de espectadores) y con los éxitos también comerciales de su director, esta Tazza 2 se encumbra como una de las más vistas del 2013. Y ahora una de animación: después del éxito internacional de la gallina ‘Leafie’ y de los premios recibidos por The King of Pigs, las compañías de producción coreanas siguen invirtiendo en cine de animación. Este año le tocará el turno a Juroring Animal Detective (título sin confirmar todavía), basada en una serie de televisión emitida primero en 2009 en Japón y posteriormente en Corea. La película cuenta la historia de 3 hermanas que, habiendo adquirido el ‘Juroring’, poder que les da la habilidad de transformarse en animales, se dedican a hacer de detectives y resolver casos donde puedan verse implicados éstos. Y si la animación es un terreno en el que la industria del cine coreana quiere crecer, también lo es la tecnología 3D. Después de verano podremos ver Mr. Go 3D, la segunda superproducción en Corea (la primera fue Sector 7) en utilizar la técnica fotográfica del 3D al completo. Es una reinterpretación de unos dibujos animados coreanos muy populares sobre el gorila Ling Ling proveniente de un circo chino y su amiga, una joven llamada Wei Wei (la niña de CJ7 de Stephen Chow). Ambos son admitidos en el equipo de béisbol de los ‘Doosan Bears’ donde se convierten en superestrellas. ¿No os parece un argumento de lo más raro e increíble? Pues esperaremos a ver qué hace con él su director, Kim Yong-hwa (200 Pounds Beauty, Take Off), y esperaremos a que la alianza chino-coreana se evidencie en la taquilla de ambos países (pues Mr. Go es una co-producción entre China y Corea, con una participación de más 5 millones de dólares de la Huayi Brothers que se comprometió a su distribución en más de 5.000 cines entre China, Hong Kong, Macao y Taiwán).

Y al igual que en Japón esperarán qué pasa con Advancing Titans, en Corea habrá que esperar al 2014 para la segunda parte de The Host, pero sólo por las primeras imágenes que nos han presentado (ese test que tan bien ha funcionado) ya vale la pena esperar.

Un reportaje de Gloria Fernández y Enrique Garcelán

“Siempre me consideré una persona a la que le gusta contar Historias. Que me convirtiera en director fue un feliz accidente”. Nagisa Oshima (31 Marzo 1932 – 18 Enero 2013)

Oshima, el inconformista

Durante la década de los sesenta un aire de modernidad insufló buena parte de las cinematografías mundiales. Bajo la etiqueta de “los nuevos cines” se agruparon cineastas de diferentes nacionalidades para iniciar una campaña antipasatista que les llevarían a renegar de toda la tradición anterior. Las particularidades de cada uno de los paisajes en los que se introducía la modernidad europea, americana y asiática condicionaban de manera determinante sus pulsiones estéticas e ideológicas, pero en todas latía un mismo sentimiento de irreverencia subversiva que les llevaba a contradecir a sus maestros, a “matar a sus padres” fílmicos para levantar un nuevo estatus más acorde a los intereses intelectuales de la época. Las rupturas formales y narrativas que se llevaron a cabo se convertían no sólo en armas cinematográficas, sino en posturas ante el mundo que rodeaba a unos autores que tomaron el acto de filmar como si se tratara de un laboratorio científico en el que explorar inéditas posibilidades que les acercaran a la esencia del momento en el que se encontraban y que pretendían desentrañar mediante su plasmación en imágenes. Un momento de desconciertos e incertidumbres, en la mayoría de los casos, que se saldaba en composiciones con un alto grado de rebelión y nihilismo, de compromiso ético y artístico a modo de mecanismos de relojería incendiaria.

 1.      Nuberu Vagu

En Japón la etiqueta de “nueva ola” (nuberu vagu) se comenzó a aplicar a las películas dirigidas por una serie de autores dentro de la productora Shochiku. En un intento de apertura hacia nuevas formas expresivas y hacia temas más cercanos a la juventud y sus problemas, la directiva decidió apostar por talentos inéditos que mostraran una visión del cine más fresca y abierta a la vanguardia. Tres de sus apadrinados fueron Nagisa Oshima, Yoshishige Yoshida y Masahiro Shinoda. Pero hay que recordar que, por ejemplo, Nagisa Oshima pertenecía a la misma generación que otro director indómito como era Kinji Fukasaku, que además era a su vez coetáneo de otros dos autores extremos, promotores de la vanguardia, como Shuji Terayama o Koji Wakamatsu y que tan sólo era unos años más joven que otros tres directores de diversa índole que terminarían convirtiéndose en piezas capitales dentro de la modernidad fílmica nipona: Shohei Imamura, Seijun Suzuki y Yasuzo Masumura.

En realidad nos encontramos en una de las épocas más fructíferas a nivel creativo dentro de toda la historia de la cinematografía japonesa. Multitud de vías expresivas confluían dentro de un panorama efervescente en el que se intentaba ir más allá de los patrones hasta el momento establecidos. Para Nagisa Oshima tres serán las directrices fundamentales sobre las que construirá su discurso primigenio: la política, el sexo y la violencia (como un binomio inseparable) y el discurso social vs. el modelo representacional.

 2.      Oshima y la política

La política impregnará toda la obra de Oshima de manera que termine convirtiéndose en su eje cordial incluso en aquellas películas aparentemente alejadas de la reivindicación programática más evidente. El director se convertiría en cronista de la historia más reciente de su país a través de la plasmación de los hechos clave que acontecieron durante el turbulento periodo que abarcó desde el final de la Segunda Guerra Mundial (1945) hasta las revueltas estudiantiles de principios de los sesenta, pasando por momentos cruciales como la firma del Tratado de ayuda y defensa mutua entre Japón y Estados Unidos que se llevó a cabo en 1954. Oshima participó activamente en los movimientos revolucionarios gestados desde la izquierda más reivindicativa y en ese aspecto su cine se convierte en una respuesta acorde a su voluntad combativa y a su intento de ruptura de los tabúes morales que constreñían a una sociedad que todavía seguía anclada en los patrones feudales tradicionales. Eso no quiere decir que el director no se mostrara crítico con sus propios ideales y con los de sus compañeros de generación cada vez más ensimismados dentro de un proceso de lucha estéril. Su primera película abiertamente política, Noche y Niebla en Japón (1960) pone de manifiesto la farsa ideológica de una juventud que había abrazado la sublevación contra el régimen establecido como mero juguete de dispersión pasajero, en el que sus miembros terminan estando más pendientes de satisfacer sus pulsiones sexuales que en atender a sus obligaciones como soldados de la resistencia mientras los más arribistas se encargan de establecer una pequeña dictadura a su alrededor para convertirse en los nuevos tiranos de su pequeña comunidad. Oshima muestra las esperanzas, los sueños y los principios truncados de un grupo de personajes que han de vivir en sus carnes el desencanto de una derrota que es ante todo íntima. Más tarde volvería a acercarse al universo juvenil en contacto directo con la realidad histórica en Sing a Song of Sex (1967), un relato en torno a un grupo de potenciales delincuentes que parecen encontrarse ajenos a los cambios estructurales que se producen a su alrededor por encontrarse demasiado preocupados en dejarse arrastrar por sus fantasías eróticas. Más contundente resulta Death by Hanging – El Ahorcamiento (1968) en la que el director resucita los estigmas todavía tiernos dela Guerra de Corea para poner de manifiesto la intolerancia y la discriminación hipócrita todavía existente en la mentalidad japonesa a la vez que se sumerge en los vericuetos del sistema judicial, reflexiona en torno a la pena de muerte y realiza una introspección acerca del instinto criminal.

Es curioso que Oshima siempre haya representado la política como una forma de represión, aunque también es cierto que también ha hecho lo mismo con el sexo y las relaciones sociales. En realidad la mayor parte de su filmografía ha ido precisamente encaminada a una liberación mental de todos los tabús preexistentes. En ese sentido nos enfrentamos a dos obras complementarias que mezclan la prohibición y los modelos de conducta sujetos a una determinada idiosincrasia como son Feliz Navidad, Mr. Lawrence (1983) y Gohato-Taboo (1999), en las que se desencadena la tragedia no por culpa de las implicaciones políticas que ambas llevan implícitas (la Segunda Guerra Mundial y las milicias samuráis respectivamente), sino por las consecuencias humanas que acarrean los estados opresivos dentro de cualquier tipo de comunidad cerrada. Así las pasiones terminarán erigiéndose como las verdaderas y únicas armas mortíferas para los personajes que pueblan el universo de Nagisa Oshima.

 3.      Oshima y el sexo + violencia

Para el director suele ser un binomio prácticamente inseparable al ir asociado el deseo a un irremediable destino fatal. Tres de sus películas más famosas, Historias Crueles de Juventud (1960), El Imperio de los Sentidos (1976) y El Imperio de la Pasión (1978) se rigen por la fuerza motriz del eros, que no hace sino desembocar en un trágico estallido de violencia.

El erotismo ha ido asociado a la tradición del cine japonés a pesar de sus siempre férreos sistemas de censura. A partir de los años cincuenta comenzaron a proliferar en literatura las historias de jóvenes pandilleros que se dejaban llevar por los placeres sexuales de la carne sin ningún tipo de prejuicios. Se iniciaba así el género “taiyozoku” engendrado por el escritor Shintaro Ishihara y que dio películas tan admiradas por el propio Oshima como Fruta Loca (1956) de Ko Nakahira. En cierto modo Historias Crueles de Juventud (1959) sería una continuadora de esta tendencia, al igual que la posterior Tomb of de Sun (1960), películas en torno a la marginalidad dentro de un paisaje decadente que parecía arrastrar a los jóvenes a un no-futuro, a una supervivencia diaria que los llevaba a arrastrarse a menudo por los vertederos de la amoralidad y la delincuencia. Los personajes de estas películas (al igual que también los de Boy, 1969) subsisten a base de trampas dentro de una sociedad en cierto modo todavía demasiado inocente. Resulta irremediable por alguna razón no sentir simpatía por esos jóvenes descarriados que viven al límite de sus posibilidades, que exprimen sus vivencias al máximo sin importarles el mañana, quizás porque la generación anterior ya se ocupó de perder el tiempo en cambiar el mundo sin que pudieran recibir nada a cambio más que desilusión y rabia. Perdidos los ideales, sólo queda el disfrute carnal y El Imperio de los Sentidos sería precisamente una clara respuesta de Oshima a deshacernos de todos los tapujos éticos con respecto al sexo como una necesidad instintiva y obsesiva del ser humano. Censurada durante años en Japón, El Imperio de los Sentidos desafió la máxima de las películas pink, la no mostración de los genitales masculinos y femeninos en la pantalla, aunque su atrevimiento era más aún si tenemos en cuenta el pormenorizado estudio que realiza en torno a las relaciones de poder que se establecen entre hombre y mujer dentro de un sistema tan anacrónicamente machista como el japonés, algo que arremetía directamente contra la mentalidad nipona. Sin embargo, el trasfondo pornográfico sería seguramente el que le abriera el reconocimiento de las pantallas internacionales (tras el éxito de films como Emmanuelle, 1974), hasta tal punto de que unos años más tarde ganaría la Palma de Oro al Mejor director por El imperio de la pasión y se embarcaría en una serie de coproducciones que dieron lugar a la francesa Max, mon Amour (1986), protagonizada por Charlotte Rampling y un chimpancé, y Feliz Navidad, Mr. Lawrence con un cartel estelar que incluía al compositor Ryuichi Sakamoto, al cantante David Bowie y al por entonces cómico Takeshi Kitano.

4.      Oshima y el realismo social vs. el modelo representacional

La primera película con la que Nagisa Oshima accedió a la dirección (de una manera inusitada, por cierto, ya que pasó directamente, sin detenerse primero en otros estadios de la producción) fue A Street of Love and Hope (1959), también conocida como El Chico que Vendió su Paloma. En ella Oshima practica un tipo de cine muy cercano al neorrealismo, a través de una plasmación de la cotidianeidad y del entorno de forma extremadamente mimética y con un trasfondo social más que evidente. Sin embargo, el director no se ha mantenido fiel a un único estilo sino que ha utilizado las posibilidades del lenguaje cinematográfico según sus necesidades más concretas. Como ya hemos comentado, en Historias Crueles de Juventud y en Tomb of the Sun adopta el género “taiyozuku” aunque en ellas ya comienzan a percibirse rupturas tanto narrativas como formales que las emparentaban con las películas de la “nouvelle vage” francesa (al fin y al cabo la forma en la que se mueven en la cama los amantes del film no es muy diferente a como lo hacían Jean Paul Belmondo y Jean Seberg en Al Final de la Escapada (1960) e incluso podemos aventurar que el desarrollo argumental de ambas coincide en más de un aspecto, sobre todo en su sentido del pathos final). Tomb of the Sun introduce además elementos casi de raigambre documental que se mezclan con otros de un arrebatado estilismo barroco (como si recorriéramos los paisajes decadentes del mexicano Arturo Ripstein y sus burdeles, por ejemplo, o de algún western fronterizo y decadente).

Sin embargo, con Noche y Niebla en Japón el director se aventura por los caminos de la representación formal de raigambre más abstracta y experimental, entrando de lleno en el terreno de la metáfora a través de las imágenes. Además, en el plano narrativo resulta muy moderna al estar contada mediante flashbacks explicativos que poco a poco van sacando a la luz los secretos de un grupo de comensales invitados a una boda que se ejemplifica como una farsa del estatus acomodaticio al que habían sido reducidos los ideales revolucionarios. En realidad, el film es como una obra de teatro (yo casi diría que como un ensayo), y no es casual que se suela citar a Berton Brecht para describir la dramaturgia de otro de sus films, Death by Hanging. Sin embargo, el estatismo y la secuencialidad a través de largas tomas de Noche y Niebla en Japón contrasta con la aceleración hiperactiva de Violence at High Noon (1966), para cambiar de nuevo al modelo realista con Boy, un estupendo relato en torno a la infancia perdida. En este sentido no debemos olvidar que muchas de las historias que Oshima traslada a la pantalla se encuentran extraídas de la crónica de sucesos: los amantes asesinados, la familia que estafa mediante los accidentes de coche, el hombre coreano condenado a muerte y la mujer que anda sola con el pene arrancado de su compañero muerto. De todas formas, que un suceso sea verídico no es óbice para que el director aplique su lente distorsionadora al entorno y convierta, por ejemplo, en un retrato fantasmagórico a la aparentemente plácida El Imperio de la Pasión, que practique ritos ceremoniales que marquen el trazado expresivo de films como La Ceremonia (1971) o que se sitúe en los límites representacionales para la puesta en escena de Gohatto-Taboo.

A Nagisa Oshima no le gusta sujetarse a ningún patrón establecido. Filma con la misma brutalidad el primitivismo suburbial que la sofisticación decadente parisién, se mueve con la misma soltura entre putas que entre señoritas de buena sociedad y se siente más a gusto con la carroña que con aquéllos que pretenden cambiar el mundo con palabras vacías. Su cine regurgita libertad pero también un insondable e irreprimible desencanto. Como dicen los protagonistas irreflexivos de Historias Crueles de Juventud: “la pasión muere pronto y deja lugar a la tristeza”.

Un reportaje de nuestra colaboradora Beatriz Martínez

El director: Un novato que cada vez lo es menos

La razón por la que quise contar una historia ubicada en los años 80 es que tengo la sensación de que el clima social de entonces es muy similar al actual. Hace unos tres años sentí que la época de mi padre, ya fallecido, había vuelto, una época en la que la buena voluntad estaba destinada a la propia supervivencia y bienestar. Pero en lugar de pensar que en esa época eran unos estúpidos egoístas o que lo que hacían estaba mal, creo que es una época entrañable de la forma en que un padre lo puede ser. En ese mismo estilo, quería retratar a estos personajes como gente que intenta hacer lo posible por sobrevivir y prosperar en las condiciones en las que vivían, más que figuras situadas al otro lado de la ley.

A la temprana edad de 25 años, el director Yoon Jong-bin debutó con The Unforgiven, película en la que aborda el tema del servicio militar obligatorio, una cuestión con la que todos los hombres coreanos están vinculados pero que raramente se ha llevado al cine hasta este extremo. Después de finalizar la película como proyecto de graduación de la escuela, con un presupuesto casi inexistente, la película fue invitada al Festival de Cine de Busan de ese año donde recibió multitud elogios, y de ahí la invitación a Cannes. Su segundo largometraje The Moonlight of Seoul, parecía plasmar la realidad de la vida nocturna de Seúl directamente en la pantalla, como si el tema de la película no fuera una creación de la imaginación de un guionista. Con su tercera película Nameless Gangster, Yoon se asegura un paso más en su juego y muestra de una forma elegante una época que creó la ilusión de que todo y nada podía pasar. Una película que hace tan sólo unas horas ha recibido seis nominaciones a los Asian Film Awards del 2013.

El retrato de una época

La gente sigue de forma innata el tiempo en el que vive y los que lo dirigen son los responsables de la generación siguiente. Los 80 fueron una época increíblemente flexible en la que la elección de una persona podía cambiar la dirección que iba a tomar esa época. Siguiendo a los hombres que vivieron entonces, Nameless Gangster muestra cómo esos años tienen más atractivo dramático que otras décadas y se cuestiona si la gente estaba cambiando de acuerdo con la época o estaba cambiando el mundo. Pero antes de eso, la película persigue que el espectador pueda reír e identificarse con unos hombres que querían vivir como reyes en el límite de la lealtad, la traición y la ambición. Una época de lealtad y traición. Una década de gangsters.

La película empieza con la declaración de guerra contra el crimen organizado por parte del presidente Noh Tae-woo en octubre de 1990. Una multitud de periodistas hambrientos se aglomeran alrededor del capo del crimen Ik-hyun mientras es llevado a la oficina del fiscal. La historia se traslada mediante un flashback a 1982 y muestra cómo en tan solo una década un simple funcionario llega a ser el jefe de un enorme sindicato del crimen organizado, relacionado con personajes turbios y convertido en un subproducto de la misma época. Ver a dos personajes luchando por el poder, con su visión de la organización y controlando poco a poco la ciudad de Busan, puede resultar a veces romántico y atractivo, y otras veces violento e infame. Es la época del poder y el dinero en lugar de la justicia y el orden, y Nameless Gangster capta la esencia de esta década.

Un equipo artístico impresionante: Un conjunto de actores que permiten a los villanos brillar.

Hay parejas de actores que despiertan curiosidad porque uno no se puede imaginar qué clase de sinergia puede aparecer en pantalla cuando se junten. Este era el caso de Choi Min-sik y Ha Jung-woo. Cuando salió el comunicado de prensa anunciando los actores que iban a participar en Nameless Gangster, corrieron ríos de tinta por la red mofándose de que era la pareja de asesinos en serie definitiva. Pero para sorpresa de todo el mundo, el film tiene suficientes elementos cómicos para ser considerada tanto una comedia, como un thriller que es por lo que se conoce a estos actores.

Aunque Choi Min-sik y Ha Jung-woo llevan el peso de la película, no serían nada sin un sólido grupo de actores secundarios. La película tiene la suerte de tener algunos actores importantes en papeles secundarios clave, incluyendo a Jo Jin-woong como el jefe rival de Hyung-bae, Ma Dong-suk como la mano derecha de Ik-hyun, Kim Sung-gyun como el “hombre para todo” de Hyung-bae, y finalmente Gwak Do-won como el inquebrantable fiscal que llegará a límites extremos para hacer caer a todos los sindicatos del crimen organizado de Busan.

Los inicios del camaleón

Convertido desde el 2003 en uno de los iconos del cine coreano contemporáneo gracias a la interpretación de Oh Dae-su en la galardonada cinta de Park Chan-wook, OldBoy, Choi Min-sik ha sabido cargar con el peso que le supuso dicho papel. Un papel, que recordemos, le llegaría en mitad de su carrera, en la que era su película número diez, y después de haberse iniciado artísticamente en el mundo teatral, a finales de los años ochenta, cuando Corea era una nebulosa cercana a Japón en el mapa cinematográfico de la crítica internacional. Sus primeros contactos con el celuloide son gracias a dos colaboraciones con el director Park Chong-won en los films Kuro Arirang (1989) y en la aclamada Our Twisted Hero (1992). Pero Choi Min-sik, embriagado por el ambiente que se respira en Corea, alterna durante el inicio de los años noventa su presencia en cine, dramas televisivos y teatro. Algo está sucediendo en la década de los noventa en este país asiático. Después de casi cuarenta años de dictadura, en Corea del Sur se producen las primeras elecciones democráticas en 1993: el país mira hacia el exterior. Y su cine y sus actores, también. Multitud de críticos y especialistas declaran esos años como el inicio de “la Nueva Ola del cine coreano”.

Tres son las películas, en un lapso de dos años, que dan madurez a la carrera de Choi Min-sik. Estrenada a principios de la temporada primaveral de 1998, The Quiet Family  fue la sexta película más vista del año en cuanto a producción nacional. A medio camino entre una comedia absurda y un cuento de terror teñido de humor negro, Kim Jee-woon, su director, nos presentaba a una serie de personajes imposibles, interpretados algunos de ellos por actores que con el tiempo han calado en el star system surcoreano (Choi Min-sik o Son Kang-ho), con exageradas actuaciones según nuestras normas de lógica escenográfica, para dar mayor profundidad teatral a una serie de situaciones cómico-terroríficas en donde cabe, desde el slapstick hasta el chiste fácil. La segunda película no es otra que Shiri (1999). La interpretación de un agente militar de Corea del Norte implicado en la realización de un atentado en Corea del Sur, supuso para Choi Min-sik el trampolín anhelado por un actor en un film aclamado tanto por crítica como por el público. Happy End, la tercera película de la lista, es un film extraño. Cuando aparecieron las primeras notas de producción, tanto críticos como espectadores imaginaban que se trataría de la típica historia de infidelidades, un drama pasional al uso, de los que tanto abundan en la cartelera coreana. Pero, a pesar de que el director utilice los elementos propios del melodrama, el resultado es muy diferente a lo esperado. Sin poder catalogarse como un film de terror, lo es, sobre todo por la sensación con la que deja al espectador cuando alcanza los títulos de crédito finales y Choi Min-sik logra que el final feliz que espera la audiencia se convierta en el “final feliz” imaginado por todo aquel que es abandonado.

Introduciéndonos en la piel del actor

“Soy un actor, sí, y no quiero engañarme, me gano la vida con mi trabajo. Pero a la hora de elegir un proyecto, más allá de que piense que puede ser un éxito o no, necesito que la historia me diga alguna cosa, que necesite interpretar al personaje en cuestión”.

Y es precisamente la historia lo que seduce a Choi Min-sik para aceptar el papel de Kang-jae, un gangster de poca monta al que le arreglan un matrimonio concertado. Una historia de amor que comienza tras la muerte es la premisa de esta inusual película, Failan, en la que Choi Min-sik viaja para conocer a su esposa y descubre que ésta ha muerto, lo que inicia todo un proceso de búsqueda para conocer más sobre ella y sobre sí mismo. Con más de una deuda formal al cine de Takeshi Kitano, este film es una lección de cómo hacer cine, interpretado con convicción por el brillante reparto, incluida Cecilia Cheung en su breve papel.

Entre los años 2001 a 2005, el actor encadenará siete películas, en lo que significa su mayor nivel de actividad en la industria cinematográfica. De gangster atormentado, a pintor de la época Choseon, pasando por boxeador crepuscular o profesor de música, el actor logra transformarse en los personajes que interpreta, hasta tal punto, que el espectador pierde de vista a Choi Min-sik para encontrarse con Jang Seung-up (Ebrio de Mujeres y Pintura), o Gang Tae-sik (Crying Fist). El veterano director Im Kwok-taek consiguió en 2002 el primer premio para un realizador coreano en el Festival de Cine de Cannes con Ebrio de Mujeres y Pintura, una película que narra la historia de un renombrado pintor coreano del siglo XIX. El film recrea los momentos claves de la vida del pintor (desde su infancia hasta su extraña desaparición). Choi Min-sik contribuye con su composición de Jang Seung-up a acercarnos a este artista atormentado de la época Choseon que anduvo a la búsqueda de la belleza sin renunciar a su estilo propio, ni a su adicción por el alcohol y sus tormentosas relaciones amorosas. Y de la pintura pasamos al boxeo sin solución de continuidad. Tae-sik, antiguo boxeador profesional, ganador de una medalla en los Juegos Asiáticos, es ahora un hombre venido a menos, hasta el punto de que se gana la vida como saco de golpes humano por las calles de la ciudad. El protagonista de Crying Fist (2005), una de las películas menos conocidas de Ryoo Seung-wan (The Unjust), es un saco roto engullido por el rápido crecimiento de la sociedad coreana. Un perdedor, al que da vida Choi Min-sik, que deberá enfrentarse a otro fuera de la ley, Sang-hwan, un joven delincuente que ha sido detenido y encarcelado, y que una vez en prisión empieza a practicar el boxeo. Uno y otro participarán en un torneo amateur por motivos bien distintos: Tae-sik para recuperar el poco orgullo que le queda; Sang-hwa para ayudar a su familia. Crying Fist es lo que Rocky debería haber sido y no fue. Y Choi Min-sik compone un personaje que Sylverster Stallone tan solo roza en su saga pugilística.

En la espiral de la violencia

La utilización de la violencia o del mecanismo de la venganza para Park Chan-wook no es simplista, es decir, no es un mero pistoletazo de salida para que se desarrolle la acción del film y captar así la atención del público, sino que la utilización de ellas es una suerte de inspiración para explorar los entresijos del alma humana. Unas almas de unos personajes marcados por lo que caracterizaba a las tragedias griegas: el hombre en su lucha contra un destino marcado e inamovible que quiere cambiar. Park Chan-wook no lo duda ni un instante. Sabe que Choi Min-sik es el elegido para dar vida al personaje de Oh Dae-su en OldBoy. “Cuando estaba filmando OldBoy, -comenta Choi Min-sik- la caracterización iba a ser determinante; tuve que mantener ese pelo hasta que el rodaje se completó. Incluso en mi día a día, andaba con ese peinado. Era difícil que alguien me dijera algo por la calle.” Oh Dae-su necesita vengarse para sobrevivir, su propio secuestrador se lo ha dicho: “o me encuentras o vuelvo a atacarte”. Así de simple, no le queda otro remedio si quiere seguir viviendo que vengarse (al margen de las ganas que durante esos 15 años de encierro le hayan producido). Una interpretación, la de Choi Min-sik, que ha dejado secuencias para el imaginario fílmico de los espectadores, como el travelling lateral donde armado con un martillo se enfrenta a más de quince enemigos, o el travelling circular en los instantes finales de la película, cuando Oh Dae-su, o Choi Min-sik, tiene que alejarse, abandonarse a sí mismo para que el otro, el que persista, pueda continuar viviendo con la carga de lo que sabe. De víctima a verdugo. La mente de Park Chan-wook quiso jugar con los personajes que habían intervenido de una u otra manera en las dos primeras películas de su trilogía de la venganza, y es algo que lleva a sus últimas consecuencias en Sympathy for Lady Vengeance, film en el que aparece la mayor parte de los actores que intervenían tanto en OldBoy como en Sympathy for Mr. Vengeance: desde Choi Min-sik (secuestrado en OldBoy y secuestrador en Lady Vengeance), Yo Ji-tae (torturado por un hecho acontecido en la infancia en OldBoy y niño “adulto” en Lady Vengeance)… Lo interesante es descubrir que estas elecciones no están realizadas al azar, por “capricho” del director, sino que de alguna manera, el karma de los protagonistas tiene su continuidad en uno y otro film.

Un actor que es más que un actor

“Soy totalmente consciente de la responsabilidad que tengo al ser un personaje público. Entiendo que mi voz tiene un peso específico. Y por tanto, debo ser el primero en dar ejemplo y en hacer las cosas de forma correcta.”

En el año 2006, debido a las presiones económicas de la industria cinematográfica americana, el gobierno coreano rebajó la cuota de pantalla de las producciones nacionales (un sistema de protección instaurado en 1966, que fijaba un mínimo de 176 días para la exhibición de las películas nacionales en las salas de Corea). A raíz de este acuerdo, el nº se rebaja a 73 días al año. La medida recibe protestas desde el mundo cultural, con Bong Jong-hoo (The Host) y el actor Choi Min-sik como cabeza visible de las mismas, liderando una gran protesta que se realizó en el Festival de Cine de Cannes. El actor, que sabe que forma parte del engranaje industrial del cine de su país, se toma un respiro después de encadenar siete proyectos durante cinco años. Un período de tiempo (2005-2008) que dedicará a reflexionar acerca de su papel como actor, además de implicarse en las protestas contra las medidas emprendidas por su gobierno. Para la gente que trabaja en la industria cinematográfica coreana la palabra más escuchada es la de la prudencia. A pesar del récord de recaudación obtenido en el 2006 por The Host (13 millones de espectadores), muchas compañías coreanas no encontraron la suficiente financiación para llevar a cabo sus producciones con los costes de producción actuales. La presencia del actor en círculos reivindicativos se hace más presente, pidiendo una mayor implicación del gobierno y de las fuerzas económicas de su país, como la de actores y técnicos para lograr mejores resultados. A pesar de que el espectador lo echa de menos, la labor de Choi Min-sik a lo largo de estos años se encuentra detrás de las cámaras.

¿Regreso por la puerta grande? A pesar de que muchos espectadores piensen que Encontré al Diablo supuso la vuelta de Choi Min-sik a la gran pantalla, su regreso se produciría en el 2008, como protagonista de una pequeña película dirigida por Jeon Soo-il, profesor de la Universidad de Kyungsung que se dio a conocer en 2005 con su cinta With a Girl of Black Soil, premiada en los Festivales de Las Palmas, Dauville y BAFF. En Himalaya, Where the Wind Dwells, Choi Min-sik se mete en la piel de un hombre en busca de un renacer en el marco de la naturaleza grandiosa del Himalaya. Quizás en un paralelismo con su propia carrera como actor, necesitada de este renacer, el personaje reflexiona sobre el devenir de las cosas que cambian y desaparecen a lo largo del tiempo y se plantea las eternas cuestiones existenciales del hombre sobre el ser y su identidad.

Sobre gangsters, caníbales y otras cuestiones

“Me quedé petrificado al leer el guión de Encontré al Diablo. No digo que me seduzcan los crímenes, pero no pude decir que no al ver la espiral de locura que nos planteaba el director.”

Kim Jee-won le tenía reservado a Choi Min-sik otro de esos personajes que difícilmente se olvidan. La venganza, ese sentimiento que nace de lo más profundo de nuestras vísceras, es lo que mueve a los protagonistas de Encontré al Diablo, una película donde su director dio un salto cuantitativo en su obra, hiperbolizando la violencia sin cortapisas. En esta pieza maestra presentada en el marco del Festival de Cine de San Sebastián, Choi Min-sik interpreta a un asesino en serie de jóvenes y niñas que encuentra auténtico placer en sus actos, no exentos de auténtica saña, y Lee Byung-hun es un agente secreto dela Policía al que el primero mata a su novia en el arcén de la carretera mientras espera que aparezca una grúa para que le repare su coche. A partir de ese momento se desencadena un auténtico “tour de force” en donde el representante dela Ley se salta todas las normas para convertirse en el perseguidor enloquecido del psicópata, utilizando todos los métodos ilícitos que tiene al alcance de su mano.

A su papel de caníbal le seguiría uno apto para todos los públicos: la voz de un pato animoso y servicial en la cinta de animación Leafie, a Hen into the Wild, que le serviría al actor de punto y paréntesis antes de vérselas de nuevo con la mafia y los gangsters. Para su papel de Ik-hyun, en Nameless Gangster, Choi Min-sik engordó más de 10 kilos y se cambió el peinado para parecer un hombre corriente de cualquier barrio. Al contrario que en su anterior papel en Encontré al Diablo, Ik-hyun es un personaje tan embustero como genial. Para un actor con un abanico tan amplio de habilidades, su participación en esta película es para muchos una bendición. ”No soy un gangster. Soy un funcionario que miro por mi familia”. Aceptar sobornos, contrabando, no hay nada que no haría por su familia. A punto de ser despedido, Ik-hyun se ve abocado a las entrañas sórdidas de Busan, a través de la organización criminal de Hyung-bae. Conocido como “el padrino” por los que le rodean, Ik-hyun usa sus habilidades naturales para la extorsión para llegar a lo más alto de la cadena alimenticia. Su sed por sobrevivir y sus instintos son insuperables.

“No estoy interesado en producir, pero como actor, uno de los sueños que albergo es el de dirigir mi propia película. No es algo que tenga que pasar mañana o pasado mañana, todavía me queda mucho que aprender como actor.”

Ya sea como gangster o como policía (en su próximo proyecto que se estrena en Corea durante el 2013, New World, encarna a un oficial de policía), Choi Min-sik es una pieza clave para entender el cine coreano contemporáneo. Si estuvo quince años encerrado, y ha sobrevivido a eso, seguro que tenemos Choi Min-sik para rato. Y esa es una gran noticia para el cine.

Un reportaje de Enrique Garcelán

Enero: de gangsters y flechas

La primera sorpresa nos la llevábamos ya el pasado mes de Diciembre, cuando la distribuidora Golem decide posponer el estreno, previsto para el 4 de Enero, de En Otro País, la penúltima película (puesto que en el próximo Festival de Berlín presentará su último trabajo) del director de culto coreano Hong Sang-soo. Presentada a Sección Oficial en el pasado Festival de Cannes y con la actriz Isabelle Huppert a la cabeza del reparto, En Otro País nos cuenta la historia de una madre y su hija que huyendo de sus deudas se mudan e instalan en una ciudad costera. Allí, esta última decide escribir un guión para un cortometraje acerca de tres mujeres llamadas Anne que por diferentes motivos buscan refugio en la misma pequeña ciudad cercana a la costa. Hong Sang-soo vuelve sobre sus mismos esquemas y mantiene su estilo característico: historia de personajes que se buscan a sí mismos y en la que los elementos del mundo del cine vuelven a estar presentes. A fecha de hoy, Golem todavía no ha anunciado su nueva fecha de estreno.

La que sí es segura que llega a las pantallas de, anotad, Barcelona, Santa Coloma, Girona, Málaga, León, Ferrol y Petrel (de momento), es la coreana Nameless Gangster, presentada en el pasado Festival de Sitges a competición. El 18 de Enero Mediatres Estudio estrena la última película del director de The Unforgiven, Yun Jong-bin, en la que es su segunda colaboración con el actor Ha Jung-woo (The Chaser, The Yellow Sea). Choi Min-sik, inmenso en esta película, a la altura o más que en OldBoy (no es de extrañar que haya ganado 3 premios al Mejor Actor en festivales internacionales por su interpretación en el film que nos ocupa), vuelve después de dos años de parón y de su último trabajo en Encontré al Diablo. La que ya se hace llamar, Uno de los Nuestros coreana, Nameless Gangster, narra el ascenso de Ik-hyun (Min-sik) de ser un simple funcionario de aduanas corrupto a quien están a punto de despedir, a liderar una de las bandas más importantes del crimen organizado en Busan. Hablaremos largo y tendido sobre la película aquí, en CineAsia, a partir de la próxima semana. Hasta entonces: 18 de Enero es vuestra fecha para ir a verla en cines, 20 de Febrero se prevé su salida a dvd en alquiler.

Una nueva distribuidora (pero de la mano de unos veteranos ya dentro del sector), Surtsey Films, nos trae la segunda película con aires orientales de este primer mes del 2013: Érase una Vez en Anatolia. El 25 de Enero, para ser más concretos, se estrena la última película del realizador turco Nuri Bilge Ceilán (Tres Monos, Los Climas) galardonada con el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes 2011. Érase una Vez en Anatolia es el film de Ceilán más taquillero en toda Europa y ha sido seleccionado por más de 30 festivales de todo el mundo, siendo premiada en Karlovy Vari, Haifa o Sao Paulo entre otros, además de ser el rotundo ganador de los premios dela Academia de Cine turco con 10 premios incluidos Mejor Director y Mejor Película. En esta road movie a través el mismísimo corazón de las estepas de Anatolia, un asesino intenta guiar a la policía, al fiscal y al equipo forense hasta el lugar donde enterró a su víctima… En el camino descubriremos otras cosas… acerca de la vida y de la muerte. Una película hipnótica, sin duda, de dos horas y media de duración.

Vamos ahora a repasar los lanzamientos en dvd que nos depara este mes de Enero. Además de las reediciones en dvd de las películas que en su día ya editó Mediatres Estudio con Warner, esta vez distribuidas por Cameo Media, como son Crows Zero y Crows II (Takashi Miike), Gantz y Gantz: Perfect Answer (Shinsuke Sato), Dororo (Akihiko Shiota), un nuevo título en blu-ray se reincorpora a éstos: El Bueno, el Malo y el Raro (Kim Jee-woon) tendrá lanzamiento tanto en dvd como en este nuevo formato el 9 de Enero. Selecta Visión, por su parte, de la mano de Sony, sacará a finales de mes, una preciosa edición coleccionista de Una Carta para Momo con libreto incluido.

Y también para la última semana de Enero, Isaan Entertainment (distribuida por Karma Films) nos depara dos nuevos títulos que se unen a sus anteriores Chocolate, El Joven Bruce Lee y Shaolin. Esta vez son dos títulos: Guerra de Flechas (War of Arrows, Corea del Sur, 2011), esa especie de “Robin Hood” coreano presentada en el pasado Festival de Sitges, verá la luz en dvd el 23 de Enero. Dirigida por Kim Han-min (Handphone, 2009), la acción nos sitúa en el año 1636, en la segunda invasión de Manchuria a Corea; en este contexto, un joven no cesará hasta rescatar a su hermana secuestrada por el enemigo el día de su boda; sus armas: la perseverancia, el valor y su arco, su poderoso arco y su gran habilidad con él. Acción a raudales, ritmo frenético casi de principio a fin… En fin, Guerra de Flechas es  una película de aventuras que te dejará un muy buen sabor de boca y de la que hablaremos largo y tendido más adelante. El segundo lanzamiento del que hablábamos es la hongkonesa Shinjuku Incident, o como se ha llamado en la mayoría de países de habla hispana y saldrá aquí editada: La Venganza del Dragón, dirigida por Derek Yee (One Nite in Mongkok, Protégé) en 2009 y protagonizada por Jackie Chan. Notable la dirección de Yee y notable la actuación de Chan en esta historia de inmigración y yakuzas… de la que también hablaremos como se merece. De ambas películas CineAsia os propondrá un sorteo dentro de unas semanas. Estad atentos.

Y siguiendo con Isaan Ent. dos son también las nuevas licencias que acaban de ser adquiridas por esta distribuidora y que a fecha de hoy todavía no se sabe cuándo se hará su lanzamiento en dvd. La primera, Bodyguards and Assassins (2009), la mejor película de la carrera como director de Teddy Chan (según la opinión de quien escribe, claro está) y con un reparto de lujo: Nicholas Tse, Leon Lai, Donnie Yen, Tony Leung Ka Fai, Fang Bingbing, Eric Tsang… Un fulminante hit en la taquilla hongkonesa y galardonada por doquier, la cinta nos implica en una ingeniosa trama política (el intento de asesinato de una importante figura) en la que no faltarán las correspondientes dosis de drama y de acción… Todo un lujoso espectáculo rodado además en tiempo real y con hasta algún que otro homenaje a El Acorazado Potemkin. La segunda, Ip Man 2 (2010), secuela de la película del mismo nombre editada aquí por Paramonut, y dirigidas ambas por Wilson Yip (Flash Point, Dragon Tiger Gate). Ip Man 2, de nuevo protagonizada por Donnie Yen, sitúa su trama en el bullicioso Hong Kong de los años 50, y nos reencuentra con el humilde maestro de wing chun en plena caza de alumnos que quieran acudir a su recién abierta escuela de artes marciales. Pero el resto de escuelas de la zona no se lo pondrán fácil. Un torneo mortal sin precedentes pondrá a cada uno en su sitio. Una excusa perfecta para ver más combates espectaculares, pero siempre basados en técnicas marciales reales. Todo un entretenimiento. Los amantes del cine de Hong Kong están de enhorabuena. Ahora, a esperar sus fechas de lanzamiento.

Febrero: primera conexión coreano-americana

Pues sí, la primera incursión de un director coreano en la cima hollywoodiense (de las tres que hay para este año) y que nos llega el 1 de Febrero se llama El Último Desafío (The Last Stand) y está distribuida en España por DeAPlaneta. El director de culto ya Kim Jee-woon (2 Hermanas, Encontré al Diablo) ha rodado un trepidante thriller de acción con, ni más ni menos, que Arnold Schwarzenegger a la cabeza del reparto en su primer contacto con la industria del cine americano: el líder de un cartel de la droga se escapa de un juzgado y huye a la frontera mexicana. Allí su camino se cruzará con el del Sheriff Owens (el mismísimo Arnold) y su inexperto equipo que tratarán de impedir que escape de la ley. Por los primeros teasers y trailers que se pueden ver del “asunto”, la película no va más allá de una cinta de acción convencional donde los pesos pesados se reparten entre la actuación del susodicho actor americano y las espectaculares escenas de acción. Habrá que esperar a su visionado para saber si el director coreano no ha perdido su particular huella a la hora de dirigir o se ha dejado seducir por el glamour de Hollywood. Espectantes estamos… ya queda poco. El resto de actores que completan el reparto de El Último Desafío (título utilizado en la mayoría de países de habla hispana donde se estrena) pasa por el actor español Eduardo Noriega (uno de los malos), Forest Whitaker, Johnny Knoxville, Peter Stormare y Genesis Rodríguez entre otros.

Dos son los títulos asiáticos que verán la luz durante este segundo mes del año de la mano de Cameo, y precisamente son dos de los pre-estrenos que CineAsia llevó a cabo durante el 2012. El 6 de Febrero sale a la venta Amor Bajo el Espino Blanco, del director chino Zhang Yimou y de la que ya hablamos largo y tendido en nuestro blog. Basada en la novela homónima de Ai Mi, a su vez basada en una historia real, este romance puro e inocente de dos jóvenes en plena Revolución Cultural china, saldrá editado tanto en dvd como en blu-ray y contiene algunos extras: trailer y fichas técnicas y artísticas. Por otro lado, y tan solo en dvd, el 20 de Febrero saldrá a la venta la coreana-francesa Una Vida Nueva de la directora Ounie Lecomte. Producida por Lee Chang-dong y protagonizada por la niña actriz estrella ya en Corea Kim Sae-ron (Barbie, El Hombre sin Pasado), Una Vida Nueva nos transporta ala Corea de los años 70 donde muchos niños eran abandonados por sus padres en orfanatos. Sinhee será una de esas niñas. De pronto, tendrá que enfrentarse a una nueva vida lejos de su adorado padre.

Marzo y Abril: flores, espadas y segunda conexión coreano-americana

Programado su estreno internacional para el 1 de Marzo (28 de Febrero para los afortunados que vivan en Hong Kong), Stoker, la esperadísima incursión en Hollywood del maestro Park Chan-wook tiene muy, pero que muy buena pinta. Trailers, posters… han trascendido ya, y prácticamente podríamos asegurar que su premier mundial será en el próximo Festival de Berlín (principios de Febrero). Nicole Kidman, Mia Wasikowska, Matthew Goode… un reparto de lujo del que se ha rodeado Chan-wook, además de contar con un numeroso equipo técnico coreano aunque la película sea de nacionalidad americana e inglesa. En España el título se verá modificado, como siempre, a peor: Lazos Perversos, ¿a quién se le puede ocurrir semejante título digno de un telefilme barato de domingo por la tarde? En fin… nos sobrepondremos a ello si Fox, su distribuidora, tiene la amabilidad de estrenarla en versión original al menos y en las fechas en las que se estrenará en casi todo el mundo, o sea, mes de Marzo. Producida por Ridley y Tony (que en paz descanse) Scott y con guión de Wenworth Miller (el guapísimo protagonista de Prison Break quien comentó en una entrevista que el origen de la historia tiene mucho que ver con Hitchcock y su película La Sombra de una Duda), la película nos cuenta la historia de una joven cuyo misterioso tío, del que no sabía nada desde hacía bastante tiempo, regresa al hogar tras el fallecimiento de su padre. Madre e hija se sentirán atraídas por ese personaje que irrumpe en sus vidas, pero… ¿para bien o para mal? Esperemos un par de meses para averiguarlo, aunque las primeras críticas las empezaremos a leer tras el certamen berlinés. Nosotros ya ansiosos de hincarle el diente a Lazos Perversos.

La que sí parece ser una fecha segura, al menos en el momento de escribir este texto, es el 8 de Marzo. A menos que su distribuidora European Dreams Factory decida retrasarlo, Las Flores de la Guerra (The Flowers of War, 2011), último trabajo de Zhang Yimou protagonizado por Christian Bale, verá la luz en las carteleras españolas. Este drama histórico nos sitúa en la ciudad de Nanking en 1937, en plena guerra entre China y Japón. John Miller (Bale), un tipo bastante “poco amable”, aprovechado y bebedor, llega a una iglesia católica para preparar el entierro de un sacerdote. Allí se verá convertido en el único adulto que tendrán las alumnas del convento, a la vez que lidiará con las exigencias de varias prostitutas de un burdel cercano que buscarán refugio en el mismo. Convertido en un “cura/protector” improvisado, John irá descubriendo poco a poco el significado del sacrificio y del honor. Con un presupuesto estimado en 90 millones de dólares (600 millones de yuanes), Las Flores de la Guerra ha sido una de las películas más caras de la historia del cine chino, aunque también haya confluido capital hongkonés. Retomaremos más aspectos de la película en CineAsia en su momento. A la espera pues.

Y en cuanto a los lanzamientos en home vídeo, llega en el mes de Marzo uno de los más esperados. A día de hoy, todavía no se sabe si tendrá estreno en cines (eso esperamos, aunque sea sólo un estreno técnico), pero sí se saben ya sus fechas tanto para su salida en alquiler como en venta: Kenshin (de la mano de Mediatres y distribuida por Cameo) saldrá editada para los video-clubs el 6 de Marzo y tiene prevista su venta, tanto en dvd como en blu-ray, el 10 de Abril. “Soy Kenshin Himura, no soy un samurai, sólo soy un vagabundo”. Adaptación del manga creado a mediados de los años 90 por Nobuhiro Watsukii, Rurouni Kenshin (Keishi Otomo, 2012) se estrenó en los cines japoneses el 25 de Agosto del pasado año alcanzando el puesto número uno en la taquilla por delante de Los Vengadores y Prometheus. Convertida por los aficionados en una de las franquicias de mayor éxito internacional, tras haberse confirmado su distribución en más de sesenta y seis países, Rurouni Kenshin, además de conservar los detalles que han hecho famoso el manga y el anime entre los aficionados, es una notable película que retrata el período de la Restauración Meiji y el ocaso de los samuráis. El director Keishi Otomo, procedente de la cantera de realizadores televisivos, consigue un film en el que la acción, por momentos espectacular, no oculta la historia en la que están sumergidos los personajes interpretados por el idol local Takeru Sato (Beck) y Takei Emi (For Love’s Sake).

Otro título esperadísimo, flamante ganador de la SecciónCasaAsia del pasado Festival de Sitges: Wu-Xia, o como se ha llamado finalmente internacionalmente, Dragon (2011), licenciada por Selecta Visión y distribuida por Sony, verá la luz en su versión de alquiler a lo largo del mes de Marzo (aún sin fecha concreta), así que esperamos que a la venta salga, más o menos, un mes más tarde. En Dragon no es que vayan a disfrutar mucho los aficionados más acérrimos a las piruetas de Donnie Yen. Aquí las escenas de acción, que con todo y con eso las hay y muy buenas (con un dinamismo excelente en los combates y muy bien coreografiadas por el propio Yen), quedan minimizadas por la potente historia y el estilo visual empleado por su realizador, Peter Chan (The Warlords, Perhaps Love), un auténtico maestro a la hora de trasladar a la gran pantalla el espíritu y el alma de los wuxia clásicos. Lamentablemente, la versión internacional de Dragon que nos llegará será la recortada, no la original, y donde el personaje interpretado por Takeshi Kaneshiro es quien se lleva la peor parte  (o sea, la mayoría de los cortes). Aún así, la película no desmerece en absoluto como ya lo demostró llevándose el máximo galardón de la sección asiática de Sitges.

Mayo: India… ¿y el resto del año?

Basada en la novela Hijos de la Medianoche de Salman Rushdie, ganadora del Booker Prize e incluida en varias listas entre las 100 mejores de la literatura, la directora india Deepa Mehta (Agua, Bollywood/Hollywood) dirige la película del mismo título que DeAPlaneta, a fecha de hoy, tiene previsto estrenar en España el 31 de Mayo. Aunque con capital inglés y canadiense, la historia de Hijos de la Medianoche es totalmente india: en la medianoche del 15 de Agosto de 1947, Saleem y Shiva nacen en el mismo hospital de Bombay. Es el día en el que India consiguió su independencia y ellos dos, como otro millar de niños, son “los niños de la medianoche”: la primera generación libre dela India, y poseedores de poderes sobrenaturales. La historia de Saleem, como la de Shiva, intercambiados en sus cunas al nacer, tendrá como trasfondo la convulsa historia dela India moderna, desde su independencia hasta los años ochenta. La película fue presentada en el Festival de Toronto y enla Semana Internacional de Cine de Valladolid y las críticas no han sido muy allá. Esperaremos igualmente a ver qué tal. Os iremos contando.

Y ya no hay más fechas en nuestro calendario de estrenos y lanzamientos asiáticos. Sabemos de algún título más que está comprado/licenciado en España pero sin fecha de estreno, como por ejemplo Postcard (2010), el último trabajo del director japonés Kaneto Shindo (La Isla Desnuda) antes de morir en Mayo de este año pasado. Sabemos de otras películas pero no de su distribuidora, como Himizu de Sion Sono, que no pudo verse en el pasado D’A (Festival de Cine de Autor de Barcelona) precisamente porque estaba en negociaciones para licenciarse en España… y seguimos sin saber de tales “negociadores”. ¿Será que finalmente todo quedó en agua de borrajas? Y luego, también sabemos de otras sorpresitas que a día de hoy no podemos revelar porque están en vías de contrato todavía… pero que en cuanto nos den “luz verde” seréis los primeros en enteraros. ¡¡¡Y vaya sorpresas!!!

En fin, no sé vosotros pero creo que tendremos un año movidito… ¡¡¡y cómo nos gusta!!!

Un reportaje de Gloria Fernández Adame (CineAsia)

Tres son las distribuidoras videográficas que copan la mayoría de lanzamientos (tanto en dvd como en formato blu-ray) de cine asiático en nuestro país: Cameo (que edita tanto títulos propios como otros provenientes de Avalon, Golem y Mediatres, tres de las distribuidoras que más han trabajado estos últimos años por difundir el cine asiático en nuestro país); Sony Pictures Home Entertainment (editadas bajo el sello de Selecta Visión) y Karma Films (que lleva la distribución videográfica de las licencias de las distribuidoras A contracorriente Films e Isaan Entertainment). Éstas han sido sus magníficas apuestas:

CAMEO MEDIA

Enero: Nader y Simin. Una Separación (Asghar Farhadi, Irán). Edición en Dvd y Blu-Ray. El film nos cuenta la historia de un hombre que, mientras debe afrontar la disolución de su matrimonio, contrata a una mujer para que cuide de su padre enfermo, pero no sabe que la mujer está embarazada y que trabaja sin el consentimiento de su marido. Extras: Tráiler; Ficha Técnica; Ficha artística.

Febrero: Dos ediciones especiales en dvd de dos obras maestras de Abbas Kiarostami: El Viento nos Llevará; la historia de un rodaje en una pequeña localidad kurdo-iraní provoca una revolución entre los habitantes del pueblo; y El Sabor de las Cerezas; la historia de un hombre de mediana edad dominado por la idea del suicidio. Extras: El Viento nos Llevará: Interesante largometraje documental de 55 minutos titulado Abbas Kiarostami: The art of living (Pat Collins, Fergus Daly – Irlanda, 2003) realizado en la  isla de Aran y durante el Festival de Cannes de 2002 con la aparición de la vanguardia de la crítica cinematográfica actual. Alain Bergala, Adrián Martín, Jonathan Rosenbaum. También nos ofrecen las habituales fichas técnicas y artísticas y la presentación de otros títulos. Todos los extras los encontramos en versión original Dolby Digital 2.0 con opción a los subtítulos en castellano. Incluye, asimismo, un libreto exclusivo de 16 páginas sobre la película con textos de Anna Petrus. El Sabor de las Cerezas: Largometraje Shirin; Libreto técnico de 16 páginas con textos de Anna Petrus; Ficha artística y ficha técnica.

CyClo (Tran Anh Hung, Vietnam). Edición en Dvd. El director de El Olor de la Papaya Verde sorprende con una película cargada de crítica social, personajes complejos y una realización sorprendente repleta de imágenes de belleza impactante y una banda sonora exquisita. Extras: Ficha técnica y artística.

13 Asesinos (Takashi Miike, Japón). Edición en Dvd y Blu-Ray. Una historia de samuráis que homenajea el clasicismo de Los 7 Samuráis de Kurosawa. Calificada como sobresaliente por casi toda la crítica, se trata de un remake del film homónimo dirigido por Eichi Kudo en 1963. Rodada por Miike con riguroso clasicismo hasta llegar a un final que deviene puro espectáculo visual. Extras: Trailer; ficha técnica y ficha artística.

Mayo: Un sólo título oriental (¡pero qué peliculón!) a la venta tras tres meses de sequía. The Yellow Sea (Na Hong-jin, Corea del Sur). Edición en Dvd y Blu-Ray. Una asfixiante historia repleta de intriga y tensión situada en los bajos fondos de la Corea menos conocida. Extras: Entrevista exclusiva al director realizada en el Festival de Sitges (disponible sólo en la edición Blu-Ray).

Julio: Para niños y no tan niños dos películas imprescindibles de obligada visión: Buda. El Gran Viaje (Kozo Morishita, Japón). Edición en Dvd y Blu-Ray. Basada en el manga  creado por el legendario maestro Osamu Tezuka, la trama nos traslada a la antigua India, donde las vidas transcurren entre la sequía, el hambre, las guerras y las injusticias del estricto sistema de castas. Exotismo, aventura y reflexión conviven en esta historia eterna que ha cautivado a diferentes generaciones. Extras: Trailer.

Kiseki/Milagro (Hirokazu Koreeda, Japón). Edición en Dvd. El nuevo “milagro” cinematográfico de Koreeda nos narra la peripecia de dos hermanos separados tras el divorcio de sus padres para volver a reunirse aprovechando un rumor que tiene que ver con el cruce de dos trenes bala. Extras: Trailer; ficha técnica y ficha artística.

Agosto: Dos muestras necesarias de cine árabe, una de nacionalidad libanesa y otra iraní. ¿Y Ahora Adónde Vamos? (Nadine Labaki, Líbano). Edición en Dvd y Blu-Ray. Comedia que narra la determinación sin fisuras de un grupo de mujeres de todas las religiones para proteger a su familia y a su pueblo de las amenazas exteriores. Extras: Audiodescripción para personas con discapacidad visual; Ficha artística y ficha técnica.

Esto No Es una Película (Jafar Panahi, Irán). Edición en Dvd. Respuesta del director a su condena impuesta de no poder rodar durante veinte años. Un testimonio sobre la libertad artística, sobre el tiempo, la idea y la función del cine. Un film donde el hermetismo poético da paso a un realismo desprovisto de ficción.  Extras: No hay.

Septiembre: El otoño se convierte para Cameo en un auténtico festival de cine asiático. Cinco lanzamientos como cinco soles que resultaron un auténtico atracón de buen cine.

Thirst (Park Chan-wook, Corea). Edición en Dvd y Blu-Ray. Una historia de vampiros llevada al terreno de su director. Un gran poderío visual, mucha sangre y secuencias elegantes e imposibles. Extras: No hay.

Hara-Kiri (Takashi Miike, Japón). Edición en Dvd y Blu-Ray. Un elegante film de época, de acción contenida y puntuales explosiones de violencia. Presentada en el Festival de Sitges en 3D. Extras: No hay.

Kamikaze Girls y Conociendo a Matsuko (Tetsuya Nakashima, Japón). Edición en Dvd. Dos de las películas más celebradas de los últimos años por el público nipón. La primera de ellas basada en el best seller de culto del movimiento “Lolita” de mismo título y la segunda comparada en muchas ocasiones con clásicos modernos como Amelie o Bailando en la Oscuridad. Extras: No hay.

Woochi. Cazador de Demonios (Choi Dong-hoon, Corea del Sur). Edición en Dvd y Blu-Ray. Enfrentamientos sobrenaturales entre dioses y demonios en épocas separadas por cinco siglos de diferencia en uno de los divertimentos más recomendables del último lustro. Extras: Trailer; Ficha artística y ficha técnica.

Octubre: El mes del Festival de Sitges nos trajo un drama de Kim Ki-duk, un thriller de acción coreano y una rareza perteneciente a la colección Sci-fi Cults.

Dream (Kim Ki-duk, Corea). Edición en Dvd. Un film donde los sueños y sus posibles conexiones cobran un trágico protagonismo. Extras: Trailer; Ficha técnica y artística.

El Hombre sin Pasado (Lee Jeong-beom, Corea del Sur). Edición en Dvd y Blu-Ray. La película más taquillera del año en Corea con más de seis millones de espectadores, se trata de uno de los mejores y más potentes títulos que la cinematografía surcoreana ha dado en años. Extras: Trailer; Ficha técnica y ficha artística.

El Clon Vuelve a Casa (Kanji Nakajima, Japón). Edición en Dvd. Film de ciencia ficción que plantea una hipnótica paradoja acerca de la vida y la muerte en un futuro donde la ciencia cree estar por encima del hombre. Extras: Dos cortometrajes dirigidos por Velasco Broca (Avant Pétalos Grillados y Escritura Digital nº 63); entrevistas a Nacho Vigalondo y  Corm Regac.

Diciembre: Tres thrillers japoneses y un drama coreano para acabar el año.

Confessions (Tetsuya Nakashima, Japón). Edición en Dvd y Blu-Ray. Una pieza de orfebrería pura en la que se suceden las confesiones alrededor de un crimen del que ya conocemos a los culpables. Extras: Trailer; Ficha técnica y ficha artística.

Cure (Kiyoshi Kurosawa, Japón) Edición en Dvd y Blu-Ray. Una serie de espeluznantes asesinatos asolan Tokio. La única conexión entre ellos es un profundo y sangriento corte en forma de X en el cuello de las víctimas. Extras: No hay.

Outrage (Takeshi Kitano, Japón). Edición en Dvd y Blu-Ray. La vuelta al cine de yakuzas del maestro Kitano nos ofrece un auténtico vendaval de acción y muertes a partes iguales. Extras: Trailer; Ficha técnica y artística.

Mother (Bong Joon-ho, Corea del Sur). Edición en Dvd y Blu-Ray. Una madre coraje hará todo lo posible por demostrar la inocencia de su hijo, acusado de asesinato. Extras: No hay.

SONY PICTURES HOME ENTERTAINMENT:

Enero: Empezamos el repaso de los lanzamientos de Sony con dos films que son puro cóctel de acción y artes marciales.

Kárate a Muerte en Bangkok (Lo Wei, Hong Kong). Combo Blu-Ray + Dvd. Un clásico del inmortal Bruce Lee en el que interpreta a un joven chino experto en artes marciales que se enfrenta a una serie de malhechores que quieren acabar con el negocio de su familia. Extras: Audiocomentario de Marcos Ocaña; Entrevista a Tung Wai; Trailer original; Trailer nueva edición y otros títulos.

Police Story 2. Superpolicía en Apuros (Jackie Chan, Hong Kong). Combo Blu Ray + Dvd. Kevin Chan es un brillante policía encargado de atrapar criminales, pero sus métodos poco ortodoxos provocan que acabe relegado al departamento de tráfico. Extras: Fichas técnica y artística; Trailer original; Trailer nueva edición; Otros títulos.

Febrero: Donnie Yen y Jackie Chan en dos títulos imprescindibles para amantes del cine de artes marciales.

El Mono de Hierro (Yuen Woo Ping, China). Combo Blu-Ray + Dvd. En una pequeña aldea china castigada por las malas cosechas, un gobernador corrupto explota sin piedad a su pueblo. El único que se alza contra su tiranía es un bandido enmascarado conocido como Mono de Hierro, que al más puro estilo de Robin Hood, roba el dinero a los ricos para dárselo a los pobres. Considerada como una de las mejores películas de kung fu de todos los tiempos. Extras: Ficha técnica y artística; Datos de producción; La restauración; Trailer original y nueva edición; Otros títulos.

La Armadura de Dios 2 (Jackie Chan, Hong Kong). Combo Blu Ray + Dvd. El agente Jackie Condor trabaja para el gobierno realizando misiones encubiertas que siempre entrañan elevados riesgos. Esta vez, a Jackie le ha tocado viajar a Egipto en busca de un codiciado tesoro: oro alemán de la Segunda Guerra Mundial. Extras: Ficha técnica y artística; Trailer original y Nueva edición; Otros títulos.

Mayo: Sony dedica el mes a la figura de Zhang Yimou, editando tres de sus títulos menos comerciales pero no por ello menos estimables.

La Búsqueda (Zhang Yimou, China). Edición en Dvd. Se trata de una conmovedora historia acerca del viaje más importante en la vida de un hombre por el corazón de China. Extras: Trailers promocionales; Cómo se hizo.

Ni Uno Menos (Zhang Yimou, China). Edición en Dvd. Relato de la odisea de una niña, quien con tan sólo trece años, llega a ser profesora suplente en el colegio de una pequeña aldea. Extras: Trailer; Música.

El Camino a Casa (Zhang Yimou, China). Edición en Dvd. Un joven de ciudad vuelve al pueblo de sus padres al saber que su padre, el maestro del pueblo, ha muerto. El joven recuerda la historia de amor entre sus padres y la devoción de los alumnos de su padre hacia su querido maestro. Extras: No hay.

Junio: La temporada estival se convirtió en una auténtica locura en la que se lanzaron al mercado nada más y nada menos que ocho títulos asiáticos.

Fighter in the Wind (Yang Yung-ho, Corea del Sur). Edición en Dvd. Basada en la vida del legendario karateka coreano Choi Bae-Dal (1922-1994), la película sigue a este personaje histórico desde que con 11 años contempla cómo Beom-Su, uno de los empleados de su padre, pelea contra oficiales japoneses en el mercado de Gimjae hasta que se convierte en uno de los mayores expertos en artes marciales. Extras: No hay.

City Hunter (Jing Wong, Hong Kong). Edición en Dvd. Vehículo de lucimiento para Jackie Chan basado en el popular manga homónimo del autor japonés Tsukasa Hojo, publicado originalmente entre 1985 y 1991 y que cosechó un gran éxito en su versión animada. Gracias a su combinación de humor y acción, City Hunter se convirtió en una de las Series de Anime más seguidas en todo el mundo durante los noventa. Extras: No hay.

Crónicas de Huadu (Patrick Leung, Hong Kong). Edición en Dvd. Oportunidad de ver juntos a dos mitos del cine oriental de acción: Jackie Chan y Donnie Yen, quienes dan vida a dos jóvenes actores ambulantes que se topan con un mapa grabado en una tablilla y emprenden la búsqueda de un tesoro legendario a la que pronto se unen dos muchachas tan encantadoras como letales. Extras: No hay.

El Señor de los Vampiros (Ricky Lau, Hong Kong). Edición en Dvd. Una mezcla endiablada de zombis y vampiros, que se revela como la creadora de un género mítico: El Kung Fu horror. Extras: No hay.

Encuentros en el Más Allá (Sammo Hung, Hong Kong). Edición en Dvd. Encuentros en el Más Allá fue, a su manera, una producción pionera. La equilibrada mezcla de magia, comedia y lucha revitalizó el subgénero del kung fu sobrenatural durante los años ochenta en Hong Kong y lo convirtió en uno de los más taquilleros. De esta forma, abrió las puertas para otros films de culto como Mr. Vampire (1985) o Una Historia China de Fantasmas (1987). Extras: No hay.

Gangster para un Pequeño Milagro (Jackie Chan, Hong Kong). Edición en Dvd. Nuevo film dirigido y protagonizado por Jackie Chan. Kuo Chen llega a Hong Kong deseoso de comenzar una nueva vida. Para simbolizar esa idea, compra una rosa de la suerte a una vendedora callejera. Poco después, se introduce en un altercado de la mafia sin querer, y aunque no puede evitar que uno de los capos muera… se convierte en su sucesor de la noche a la mañana. Extras: no hay.

Los Tres Dragones (Sammo Hung, Hong Kong). Edición en Dvd. El joven y encantador abogado Jackie Lung (Jackie Chan) es contratado para defender los intereses de una planta química frente a las acusaciones de contaminación de una piscifactoría. Dispuesto a comprar o desacreditar a la acusación, Jackie recluta la ayuda clandestina de dos amigos: el ingenuo Luke (Sammo Hung) y el lunático Timothy (Yuen Biao). Extras: No hay.

Kung Fu Basket (Chu Yen-Ping, Taiwan). Edición en Dvd. Shie Jie, un joven huérfano, se ha criado en una escuela de artes marciales donde cuatro grandes maestros le han transmitido los secretos del kung fu. Cuando Chen Li, un apostador oportunista, se entera por casualidad de que su maestro de artes marciales fue también en su juventud un crack del basket, invita a Shie Jie a jugar en el equipo de la universidad. Extras: No hay.

Octubre: Sin duda, a finales de este mes se produjo el lanzamiento en venta directa, podríamos decir, más polémico de la temporada. Nos referimos a la magnífica The Raid, que en el mercado videográfico se rebautizó como Redada Asesina.

Redada Asesina (Gareth Evans, Indonesia). Edición en Dvd. Centrada en el brutal enfrentamiento entre un equipo SWAT de élite y una banda de delincuentes de la más baja condición que tiene lugar en un edificio de viviendas de Yakarta, el film pasó a convertirse en una obra de culto instantáneo que será difícil de superar. Extras: Más de 100 minutos de contenidos adicionales, incluyendo: Siete cortos sobre los dobles; La música; Cómo se hizo; Una noche con Gareth Evans, Mike Shinoda y Joe Trapanese; Videoblog del director; Audiocomentario con el director.

Diciembre: A parte de editar todas las películas habidas y por haber de Doraemon, entre las que destaca el título más actual: Doraemon y el Viaje a la Antigua China, Sony nos tenía reservado para el último mes del año tres auténticas joyas imprescindibles para todo coleccionista de Dvd y Blu-Ray asiáticos: una edición especial de Akira; Ace Attorney, de Takashi Miike y la magnífica reedición de La Tumba de las Luciérnagas.

Akira. Edición coleccionistas (Katsuhiro Otomo, Japón). Combo Blu-Ray + Dvd.  Año 2019. Ciudad Neo-Tokio. Esta inmensa urbe esconde en el sub-suelo un terrible secreto: la experimentación con cobayas humanos en busca del arma definitiva, un ser que posea el control de la energía absoluta. Extras: Libro exclusivo con los secretos de la película; Nuevo máster en alta definición; Nueva mezcla de audio en DTS-HD con audio hipersónico.

Phoenix Wright Ace Attorney (Takashi Miike, Japón). Combo Blu-Ray + Dvd y Edición en Dvd. La película de imagen real recrea fielmente la aventura gráfica de CAPCOM, donde el desastroso abogado Phoenix Wright madurará en su profesión mientras tiene que lidiar, e incluso hacer frente, a fiscales, jueces, amigos, compañeros, testigos y acusados de lo más pintoresco. Una de las mejores franquicias de CAPCOM donde el humor, el drama y casos de traición y asesinatos a sangre fría se dan de la mano. Extras: No hay.

La Tumba de las Luciérnagas (Isao Takahata, Japón). Combo Blu-Ray + Dvd. La historia está inspirada en la novela del mismo nombre, con autoría de Akiyuki Nosaka, quien plasmó en esta novela la historia de su adolescencia. La novela puede encontrarse a la venta en España de la mano de la editorial El Acantilado. Extras: Nueva edición totalmente restaurada y remasterizada desde el negativo original.

KARMA FILMS:

Marzo: Los primeros títulos asiáticos lanzados por esta distribuidora especialista en cine independiente se hicieron esperar hasta la primavera, abriendo fuego con dos apuestas minimalistas muy recomendables: El Globo Blanco e Himalaya.

El Globo Blanco (Jafar Panahi, Irán). Edición en Dvd. Reconocida con la prestigiosa Cámara de Oro del Festival de Cannes, se trata de la ópera prima de Jafar Panahi, realizador perseguido y encarcelado por plasmar en imágenes la realidad social de su Irán natal. Una entrañable fábula heredera del neorrealismo italiano. Extras: Trailer; Ficha artística; Ficha técnica.

Himalaya (Eric Valli, Nepal-Francia). Edición en Dvd. Himalaya narra la historia de una milenaria tradición: la caravana anual de yaks, en la que se transporta sal desde un remoto pueblo en las montañas hasta la llanura. El jefe de la tribu es quien encabeza la marcha, pero ante su inesperada muerte, es preciso escoger un sucesor. Extras: No hay.

bril: En este mes se recupera Kabei, film japonés inédito en dvd de Yoji Yamada y se edita un pack conmemorativo del Festival de San Sebastián donde se incluyen dos títulos orientales premiados con la Concha de Oro: Mil Años de Ooración y Ciudad de Vida y Muerte.

Kabei. Nuestra Madre (Yoji Yamada, Japón). Edición en Dvd. Basada en la infancia de Teruyo Nogami, estrecha colaboradora del legendario realizador Akira Kurosawa, nos explica la lucha por la supervivencia de una pequeña familia. Extras: Trailer; Ficha artística; Ficha técnica.

Mil Años de Oración (Wayne Wang, China-EEUU). Edición en Dvd. El señor Shi es un jubilado viudo de Pekín. Cuando se divorcia su única hija Yilan, decide ir a visitarla al pueblecito en el que vive en Estados Unidos y donde trabaja como bibliotecaria para quedarse con ella hasta que se recupere de su aparente mal trago. Extras: No hay.

Ciudad de Vida y Muerte (Lu Chuan, China-Hong Kong). Edición en Dvd. China, Diciembre de 1937. El país está en guerra con Japón. Beijing y Shanghai ya han caído, y los japoneses están a las puertas de la capital, Nanking. Tras semanas de bombardeos, los oficiales locales han huído de la ciudad en ruinas. Los japoneses se van apropiando de la ciudad e instalando sus tropas. Comienza la ocupación de la ciudad. Extras: No hay.

Mayo: Tan solo se edita uno de los primeros films dirigidos por Jafar Panahi: El Espejo.

El Espejo (Jafar Panahi, Irán). Edición en Dvd. Leopardo de Oro en el Festival de Locarno 1997. El director iraní Jafar Panahi consigue convertir (con su privilegiado dominio del lenguaje cinematográfico) en gran aventura una anécdota cotidiana en apariencia intrascendente. Extras: Trailer; Ficha artística; Ficha técnica.

Julio: Verano de artes marciales con el biopic de la vida de Bruce Lee en El Joven Bruce Lee.

El Joven Bruce Lee (Manfred Wong, Raymond Yip, China-Hong Kong). Edición en Dvd. Desde su nacimiento, el 27 de Noviembre de 1940 en San Francisco, Bruce Lee vivió tiempos de guerra y persecución, sobreviviendo a la brutalidad de las bandas juveniles de Hong Kong, hasta que convirtió en realidad sus sueños. El film también destaca por rendir un impactante homenaje al combate más famoso de su filmografía en el coliseo de Roma, que la película El Furor del Dragón dejó para siempre grabado en el recuerdo de los espectadores. Extras: acceso directo a escenas.

Septiembre: Este será un mes difícil de olvidar para todos los cineasiáticos, ya que se lanzó al mercado una cuidadísima edición del film coreano A Bittersweet Life. A parte, también se editaron el adrenalítico film tailandés Chocolate y uno de los últimos trabajos de un cineasta imprescindible: Historias de Shanghai, de Jia Zhang Ke.

A Bittersweet Life (Kim Jee-woon, Corea del Sur). Edición en Blu-Ray y Dvd (2 discos). Contundente muestra del mejor cine surcoreano, nos hallamos ante una explosiva película en la mejor tradición del cine negro, seleccionada por el Festival de Cannes y galardonada en el Festival de Sitges en la categoría de Mejor Banda Sonora. Extras: Trailer; Entrevistas; Secretos y curiosidades; Escenas eliminadas; Presentación en el Festival de Cannes; Cómo se hizo; El estilo A Bittersweet Life.

Chocolate (Prachya Pinkaew, Tailandia). Edición en Dvd. Protagonizada por la nueva superestrella del cine de acción asiático Jeeja Yanin (quien se estuvo preparando para el papel durante dos años), Chocolate contiene (con permiso de The Raid) las secuencias de acción más espectaculares de la década. Extras: No hay.

I Wish  I Knew. Historias de Shanghai (Jia Zhang Ke, China). Edición en Dvd. Dieciocho personas de Shanghai, Taipei y Hong Kong recuerdan su vida en Shanghai. Sus testimonios, narrados como los dieciocho capítulos de una novela, reconstruyen la historia de esta ciudad desde 1930 hasta 2010. Extras: Selección de escenas; Ficha técnica; Trailer; Otros títulos.

Octubre: Este fue el último mes de 2012 en el que Karma Films lanzó al mercado títulos asiáticos, concretamente tres títulos de la etapa inicial de Takeshi Kitano (Sonatine, Boiling Point y Violent Cop), y las cintas de época Shaolin, la Leyenda de los Monjes Guerreros y Detective Dee y el Misterio de la Llama Fantasma.

Sonatine (Takeshi Kitano, Japón). Edición en Dvd. Murakawa no es solamente un gángster, sino uno especialmente violento y agresivo. Es todo lo imprudente que uno puede esperarse de un yakuza o incluso más, y ha conseguido buenas influencias. Pero empieza a estar cansado de su estilo de vida, quiere cambiar. Extras: Trailer; Ficha técnica; Ficha artística.

Boiling Point (Takeshi Kitano, Japón). Edición en Dvd. Dos miembros de un equipo de béisbol junior se ven mezclados con la yakuza local. Después de que su entrenador sea herido por la mafia, los dos chicos se van a Okinawa para hacerse con un arma y vengarse. Allí, los dos jóvenes se hacen amigos de un psicótico yakuza retirado llamado Uehara, que tiene una deuda pendiente con la yakuza, por lo que no duda en acompañar a los dos chicos a Tokio y enfrentarse con la mafia japonesa. Extras: Trailer; Ficha técnica; Ficha artística.

Violent Cop (Takeshi Kitano, Japón). Edición en Dvd. El detective Azuma es un policía solitario que, a menudo, utiliza métodos violentos para obtener resultados en sus pesquisas. Mientras está investigando una serie de homicidios relacionados con el narcotráfico, descubre que su amigo y colega, Iwaki, suministra y se abastece de sustancias confiscadas por el cuerpo de policía. Extras: Trailer; Ficha técnica; Ficha artística.

Shaolin. La Leyenda de los Monjes Guerreros. (Benny Chan, China-Hong Kong). Edición en Dvd. La última Dinastía imperial ha caído y el despiadado señor de la guerra, General Hou Jie, (Andy Lau) amasa una gran fortuna sometiendo de forma violenta al pueblo. Traicionado de forma brutal, se verá obligado a huir para salvar su vida y buscar la redención en el legendario templo de Shaolin. Extras: Trailer.

Detective Dee y el Misterio de la Llama Fantasma (Tsui Hark, Japón). Edición en Dvd. Con motivo de la pronta ascensión al trono de Wu Zetian, primera emperatriz de China, se construye una enorme estatua de Buda en la capital. Cuando unos dignatarios sufren una misteriosa combustión espontánea, Wu pide ayuda a Dee Renjie, un oficial con excelentes dotes para la investigación al que encarceló años atrás por traidor. Dee deberá emplearse a fondo para resolver el misterio. Extras: Trailer; Entrevistas; Detrás de las cámaras; Ficha técnica; Ficha artística.

Y para finalizar este repaso a los Dvd asiáticos de edición nacional no podemos obviar la maravillosa colección de películas del Studio Ghibli que gracias al acuerdo entre el Studio y la distribuidora Aurum han ido apareciendo a cuentagotas en este 2012 para júbilo de todos los que amamos estas joyas animadas.

Arriety y el Mundo de los Diminutos. Combo Blu-Ray + Dvd. Extras: Promo Studio Ghibli. Storyboard completo de la película con multiángulo. Entrevista Hayao Miyazaki. Entrevista al director Hiromasa Yonebayashi. Videoclip de la canción principal interpretada por Cecile Corbel. Trailers originales.

El Castillo Ambulante. Combo Blu-Ray + Dvd. Extras: Storyboard completo de la película con multiángulo. Miyazaki visita Pixar: documental sobre la visita del diretor a los Studios Pixar, para el primer pase de la versión inglesa de la película. Entrevista a John Lasseter (Productor ejecutivo y Vicepresidente creativo de Pixar). Animando el castillo: más de 20 minutos sobre cómo se dibujó, storyboards y la animación de la película. La campaña en Japón: trailer y spots originales en japonés. Entrevistas: Diana Wynne Jones: la escritora del libro; Pete Docter: Director de la versión americana. Cómo se compuso la banda sonora.

Susurros del Corazón. Combo Blu-Ray + Dvd. Extras: Creando la animación de Baron. Storyboard completo de la película con multiángulo. Trailers originales. 4 piezas maestras de Naohisa Inoue. Promo Ghibli.

Mi Vecino Totoro. Combo Blu-Ray + Dvd. ¿Hace falta comentar alguna cosa sobre el valuarte y principal icono del Studio Ghibli? Extras:  Promo Studio Ghibli.

Seguro que nos hemos dejado algún lanzamiento… Seguro que, quizá, no hemos sido lo suficientemente detallistas con algunos de los comentados… Desde luego lo que pretendemos es conseguir una entrada lo suficientemente informativa para condensar los lanzamientos de cine asiático en España. ¿Nos ayudas a acabar de completar el puzzle de lo que ha sido el 2012 en lanzamientos asiáticos?

Un reportaje de Francisco Nieto