Category Archives: Reportajes

¿Cómo se hizo Hacia la luz? Notas de producción

La directora japonesa Naomi Kawase regresa a nuestros cines este viernes 17 de la mano de la distribuidora BTeam Pictures con su nuevo trabajo, Hacia la luz. Siguiendo su alto ritmo de trabajo, no ha tardado demasiado en volver a ponerse detrás de las cámaras tras su éxito con Una pastelería de Tokio, y así tuvo su estreno mundial en el pasado festival de Cannes, como no podía ser de otra manera, esta historia en la que la luz sirve de nexo en la vida de los dos protagonistas, dos almas dañadas. No en vano “luz” es el significado del título original, Hikari, y es que sin ceder un ápice de su estilo Kawase nos relata una historia de amor en la que la luz, y el cine, tienen mucho que ver.

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Directoras japonesas: abriéndose paso en una industria jerarquizada por los hombres

La igualdad laboral entre géneros es uno de los retos de la humanidad en las próximas décadas, y parece uno especialmente complicado en Japón. El Foro Económico Mundial sitúa al país en el puesto número 111 (de 144) del ranking en su informe sobre la inclusión de la mujer en los puestos de trabajo, y en el mundo del cine no es que funcione mucho mejor. El cine japonés continúa jerarquizado por los hombres, haciendo que la visión femenina quede relegada a un segundo plano, pero en las últimas décadas varias voces femeninas han conseguido superar esas barreras. Aprovechando el estreno en cines este viernes 17 de noviembre de Hacia la luz, el nuevo trabajo de la directora japonesa en activo más reconocida a nivel mundial, Naomi Kawase,  queremos hablar de algunas de esas directoras que, siguiendo los pasos de la pionera Tazuko Sakane, han aportado a la cinematografía del país otras sensibilidades y enfoques, y sobretodo mucha calidad. Con historias no necesariamente centradas en el universo femenino, el punto de vista de estas directoras, y otras más que se quedan en el tintero, es absolutamente esencial para conseguir una visión completa del cine japonés así como de la propia realidad del país.

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Muerte, familia, tiempo y memoria: El cine de Hirokazu Kore-eda

Que una cinematografía supere el cincuenta por ciento de cuota de pantalla en su propio país es un auténtico kiseki -dígase milagro-. No, no estamos hablando de India, el ejemplo más paradigmático, sino de Japón. Pero ojo, aunque parezca lo contrario, ninguno de los directores nipones que tienen fama internacional gracias a los prestigiosos festivales que exhiben sus películas arrasa en las taquillas. El anime, las comedias y las adaptaciones de teleseries copan el mercado -de éstas, tan sólo una ínfima parte puede verse, con mucha fortuna, en el mercado internacional, aunque “gracias” a la “tecnología”, hoy en día, quien quiere verlas, las ve como último recurso del fan irredento-, y, de esta manera, el cine de autor queda relegado a un espacio minúsculo que se ve recompensado por la difusión internacional y los premios en certámenes como Cannes, Venecia, Berlín o San Sebastián, por citar tan sólo algunos, a los que asisten directores como Naomi Kawase, Kiyoshi Kurosawa, Takashi Miike o Hirokazu Kore-edaKitano comería aparte: básicamente porque su figura es harto conocida en el imperio del Sol Naciente a raíz de sus trabajos en televisión-.

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El costumbrismo japonés en España

Primero fue Yasujiro Ozu y algunas películas de Kenji Mizoguchi, Mikio Naruse, Nagisa Oshima y alguna de Kurosawa. Luego descubrimos que Yoji Yamada no era un director de jidai geki, sino un cineasta que durante toda su trayectoria profesional se había dedicado a mostrar la vida rutinaria de las clases obreras; a lo sumo, la gente de barrio. Y ahora, de la mano de Hirokazu Kore-eda y Naomi Kawase, el espectador español ha descubierto que, a pesar del ajetreo diario y de la velocidad ultrasónica en la que actualmente se mueve la sociedad nipona, hay una calma inherente en el carácter del japonés estándar, en su cotidianidad. Es el nuevo cine costumbrista proveniente de la antigua Tierra de Cipango, un cine pausado que nos enseña las rutinas de los japoneses, así como la mejor manera de llegar al final del día: con una sonrisa de oreja a oreja.

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Yoji Yamada: el último de los clásicos

Uno de los directores más veteranos del cine japonés parece estar viviendo una segunda juventud a sus 85 años. Yoji Yamada, el último de los clásicos de la Era Showa, sigue con el mismo ritmo de rodaje infatigable que en su época de esplendor de la década de los 60, sintiéndose aún en plena forma; si Manoel de Oliveira estrenó su último film tras cumplir los 105 años, la reputada longevidad japonesa puede hacerle llegar hasta esa cifra. El narrador oficial de la clase media japonesa en el llamado gendai geki, los dramas costumbristas ambientados en la época contemporánea, sigue deleitándonos con pinceladas de humanismo consiguiendo el reconocimiento en occidente que se le negó en décadas pasadas, el mismo que sufrió Yasujiro Ozu, por ejemplo, en su momento de máximo apogeo.

Yamada, con un estilo tan academicista como pudiera ser el del director de Primavera tardía, aunque desde luego no tan estricto en su puesta en escena, no ha dejado nunca de tener a la familia como eje temático, si bien desde una perspectiva mucho más moderna que su maestro en la que se nota ese salto generacional. Tras un impase en su carrera en el que quiso entrar en los dramas históricos o jidai-geki saldado con el mayor éxito internacional de su carrera, y un regreso a los dramas costumbristas que le reconocen como el último de los clásicos del cine japonés, el director ha querido volver al que no deja de ser el género de su vida, la comedia ligera, convirtiendo a Maravillosa familia de Tokio en la amalgama perfecta de su carrera: familia, costumbrismo y humor.

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¿Quién es Feng Xiaogang?

El palmarés de la última edición del Festival de San Sebastián sorprendía a la crítica al convertir en gran ganadora de la Concha de Oro al mejor film y la Concha de Plata a la mejor actriz a Yo no soy Madame Bovary, una película a la que no habían prestado demasiada atención en sus artículos, más allá de reflejar su peculiaridad formal (ese juego de formatos dominado por la forma circular en la que se desarrolla la acción) y su crítica a la burocracia china. A pesar de la importancia de su director Feng Xiaogang en la historia del cine chino reciente, no es un gran conocido en occidente. Sus films no suelen pasar por los grandes festivales europeos, pero sería tan difícil encontrar a algún ciudadano chino que no le conozca, como encontrar a un norteamericano que no sepa quién es Steven Spielberg, con el que se le suele comparar. ¿Quién es este “Spielberg chino”?

Aprovechamos el estreno en cines este viernes 10 de marzo de su último y laureado trabajo para adentrarnos en la filmografía del padre del blockbuster chino, convertido en uno de los directores de referencia para una nueva generación de autores al ir siempre un paso por delante de sus coetáneos.

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La aventura de “Yo no soy Madame Bovary” en el Festival de San Sebastián

El pasado mes de septiembre el Festival de Cine de San Sebastián presentaba en su Sección Oficial a concurso la última película del realizador chino Feng Xiaogang, Yo no soy Madame Bovary, quien acudió al certamen acompañado de la actriz principal del film, la popularísima Fan Bingbing (Buddha Mountain, Sacrifice, Shaolin). En sus agendas, a penas alguna entrevista muy concreta, una rueda de prensa no excesivamente larga, una comedida fiesta organizada por Huayi Brothers (productora del film) de las de by invitation only, y una cena de alto postín en el Akelarre del pionero chef Pedro Subijana. Como podréis imaginar, nuestro panorama no era demasiado halagüeño… Pero olvidábamos una de esas cosas que ocurren en los festivales de cine, esas cosas mágicas que solo pasan en ciertas ocasiones y, es que, cuando menos te lo esperas compartes mesa y cocktail con los personajes más insospechados… Y es así como, entre los efluvios de los manjares y vinos servidos por el amabilísimo equipo de Subijana, la rueda de prensa dada por los invitados y la fiesta de despedida que organizó Huayi B. pudimos hablar y compartir con Feng Xiaogang y Fan Bingbing

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Michael Dudok de Wit: un director humanista

Más allá de haber ganado el Oscar por Father and Daughter, a los amantes del cine animado tal vez les suene el nombre de Dudok de Wit por Heavy Metal (1981). En esta obra de culto de la animación europea, en el que se adaptaban un puñado de historietas extraídas de la mítica revista de ciencia ficción “Métal Hurlant”, el realizador holandés trabajaba en tareas de animador, una labor que prolongaría a lo largo de su carrera profesional como publicista y que consolidaría con Fantasia 2000 (1999). Es decir, Dudok de Wit no es ningún desconocido, a pesar de que una inmensa mayoría desconocían su obra hasta la irrupción de La tortuga roja. Su visión personal y espiritual del mundo se recopilaría en un conjunto de 4 cortos, de argumentos distintos pero temática parecida, en el que el crecimiento personal de uno mismo, y la evolución y maduración del individuo en un mundo deshumanizado se convierten en el motor de su discurso.

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La tortuga roja: historia de un sueño animado

Los fans del Studio Ghibli no podían empezar mejor el 2017: el 13 de enero se estrena la esperadísima La tortuga roja, primera coproducción entre la prestigiosa compañía fundada por Hayao Miyazaki y varios estudios europeos. Dirigida por el oscarizado animador neerlandés Michaël Dudok de Wit, se trata de un alegato naturalista y una vindicación de la madre naturaleza como vía redentora a la deshumanización de nuestras sociedades, con un personaje harto conocido por los amantes de la literatura y el cine de aventuras: el náufrago. Por si fuera poco, el 17 de diciembre desembarcaba en el canal Movistar Series Sanzoku no Musume Ronja, primera serie para el canal conservador NHK, que aquí se ha rebautizado con el título literal de Ronja, la Hija del Bandolero. Un buen inicio de año (animado), sin duda.

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Contextualizando el cine filipino: Cinema Filipinas (1970-2016)

El cine filipino en España (incluso en Europa) ha sido, hasta una fecha bien reciente, sinónimo de un solo director: Lino Brocka. Sin embargo, estamos hablando de una de las grandes (y más desconocidas) cinematografías y que tan sólo hoy, al amparo de lo que conocemos como World Cinema (cines del mundo), parece por fin “descubrirse”. En la actualidad, el cine filipino goza de gran popularidad en los circuitos de festivales europeos, nombres como Brillante Mendoza, Lav Diaz o Raya Martin parecen abonados a los mismos. Si bien es cierto que se trata de una nueva generación de directores, deseo poner en contexto unos apellidos que, en realidad, se inscriben en una larga genealogía fílmica. En concreto, podemos situar sus raíces en la década de 1970 y en el hoy denominado “Nuevo Cine Filipino” (NCF), desarrollado bajo y frente al régimen de Ferdinand Marcos. Con motivo del estreno esta semana en nuestra cartelera de cine de la película Blanka (2016), os proponemos un recorrido por los últimos cincuenta años de una cinematografía tan desconocida por el aficionado al cine asiático.

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